佚名

阿希尔·戈尔基

阿希尔·戈尔基

  阿希尔·戈尔基实际上是自学成才,他将立体主义和超现实主义的元素糅合在一起,从而领先于抽象表现主义,创立了一种独一无二的风格,这使他成为欧洲先锋派艺术和美国现代艺术之间一条至关重要的纽带。他一开始是通过模仿他所敬仰的艺术家的作品而逐渐形成自己的风格的。

小档案:
  全名:伏斯道尼克·马努克·阿道因(人称阿希尔·戈尔基)
  国籍:美籍亚美尼亚人
  风格:抽象派
  生卒年代:1904年生于亚美尼亚科尔科姆瓦里,1948年卒于美国康涅狄格州谢尔曼市
  主要作品:《塞尚式风景》(1927) 《斯泰登岛上的风景》(1927——1928) 《艺术家和他的母亲》(约1926——1934) 《抽象调色板》(约1930) 《海盗1号》(1942) 《瀑布》(1943) 《红褐色是雄鸡鸡冠》(1944) 《犁之歌》(1947)
  观赏要点:画布上平面的形象 暗示鲜活有机体的抽象形式 表面平滑的早期作品 受立体主义影响的作品,颜料涂抹的厚度达半英寸 在后期作品中,颜料变成半透明色的印迹 用绘制招牌的长而尖的画笔蘸取黑色颜料,绘制细而清晰的线条
  比较对象:保罗·塞尚,霍安·米罗,巴勃罗·毕加索,杰克逊·波洛克,威廉·德·库宁,瓦西里·康定斯基,马克斯·恩斯物,马塔·埃昌伦

生平与作品:
第一坎世界大战期间.土耳其籍亚美尼亚族人遭受大屠杀.戈尔基的母亲带着孩子们逃亡到俄国的 亚美尼亚。戈尔基的两个姐姐则逃亡到美国。戈尔基和妹妹以及母亲应该随后和他的父亲在美国团聚,但他的母亲在1 91 9年因饥饿而死亡。
尽管如此,戈尔基还是在1 922年进入波士顿的新设计学校学习。正是在那里他的绘画技巧得到人们的认可,他也成为学校的兼职教员。他在这个时候创作的绘画作品展现了印象主义对他的影响。在搬到纽约之后.保罗·塞尚影响了戈尔基使其具有了后印象主义的风格。这个时期,他的代表作有《塞尚式风景》(1 927)和《斯泰登岛上的风景》(1 927—1 928)。
在20世纪20年代后期,戈尔基开始尝试在静物素描图和自画像中运用立体主义风格。后来他又对超现实主义产生了兴趣。他在20世纪30年代创作了最为复杂的一系列作品,题为《夜间、谜、乡愁》(1 930——1934)。 通过使用各种各样的媒介,包括在纸上用钢笔和墨水作画,在画布铅笔和颜料作画,他创作了十三种版本,还研究了壁画。每种版本都有相同的构图和形象:一张桌面,上面放了很多抽象的有机物形态.流畅的线条与弯曲的形状表明戈尔基受到了巴勃罗·毕加索以及超现实主义画家霍安·米罗和马克斯·恩斯特的影响。这一系 列作品为戈尔基赢得了公众的关注。一件以此为基础的作品《绘画》(1 936—1 937)被纽约的惠特尼美国艺术博物馆购得并收藏。
一次横穿全国到加利福尼亚的旅行以及在弗吉尼亚的度假,使戈尔基再次对风景产生了兴趣。由于朋友,智利籍艺术家马塔·埃昌伦的鼓励,戈尔基开始以一种更为流畅的风格进行创作。他把颜料稀释到浓度非常低的程度,并且尝试用滴落,流溢并且泼溅的手法探索颜料的各种质地。在这方面.他的成熟风格.是先于杰克逊·波 洛克与威廉·德·库宁的抽象表现主义的。

特写文字:从内部作画
  尽管戈尔基的绘画看上去非常抽象,但他仍然认为自己是个“传统”的画家。他所运用的技巧总是基于欧洲绘画大师们的手法,尽管随时期不同而改变.
在20世纪20年代初,戈尔基的作品幅面基本上很小。和塞尚一样(这期间对戈尔基产生了重要影响),他在画布的表面运用调色刀和画笔把颜料变成固体的形式。
在30年代创作的受立体主义风格启示的画作中,戈尔基继续分层涂色.但他是变成厚涂而不是把颜料刮掉。尽管他明显对合成立体主义风格(一种将拼贴艺术引入美术的运动)感兴趣,但是戈尔基只有一幅拼贴画为人所知。他还创作了少量综合材料的作品和雕塑。
随着戈尔基个人风格的形成.他运用的颤料变得浅淡起来;而线条和色彩则变得更为突出。《瀑布》(1943)表现戈尔基的这种风格。在这幅画作中,他把松节油与油画颜料相互调合,以产生像薄雾一样的淡色,既渗入画布又似乎漂浮在画布的表面。除了风格的转变外,《瀑 布》还表明戈尔基的作品中出现了主题的变化。这种变化发生在戈尔基在他的朋友索尔·沙里位于康涅狄格州的家里度假的时候。《瀑布》据说就是从罗格斯伯利市休沙通尼河上的真实瀑布得到的灵感。但戈尔基不是在特定的时间向人们展示特定的瀑布。相反,这是关于“瀑布是什么样子“的图画。戈尔基说过:“我不是从表 面而是从自然内部来作画的。”

乔治·莫兰迪

乔治·莫兰迪

  乔治·莫兰迪(Giorgio Morandi), (1890-1964年),乔治·莫兰迪出生在意大利波洛尼亚,是意大利的版画家、油画家。
  莫兰迪的画是以智慧和感觉创造自己的艺术形象。他摒弃了玄学化的球体、多面体,只要有几件日常用品就已心满意足了。他只要把生活中的杯子、盘子和瓶子置入极其单纯的素描之中,以造成最奇特、最简洁、最和谐美的气氛。在莫兰迪创作于二十世纪六十年代的几幅画上,隐约可以看到事物本身的形象,尽管遮挡着事物的是一些变幻的弧影、模糊的污迹、水融性的形象,但背后存在着一定的事物,譬如高楼、或者家具、或者器皿,正是事物表面的位移带来了认识之于存在的偏离,这种位移是谁造成的呢?从莫兰迪的画上,人们似乎难以发现灾难的影子,感觉得到的似乎是时间造成了变化。
  在立体派和印象派之间,他以形和色的巧妙妥协,找到了自己独特的画风。他的艺术能给人以极温柔的精神慰藉。西方评论界认为,莫兰迪的画关注的是一些细小的题材,反映的却是整个宇宙的状态。
  乔治·莫兰迪一生不曾结婚,没有任何有关他的爱情记录。 许多人对他很好奇,因为他一生过着简朴的生活,淡泊名利,于是就称他为僧侣画家;又因他不曾离开波隆那,就认为他的作品区域性色彩太过浓厚,而称他为地方画家。与他往来密切的反而是文学评论家和作家。你不会常常看到他的作品,他大部分的作品为私人所收藏。最有机会看到他的画的地方,一个是米兰的贝拉美术馆,另一个就是他的故乡波隆那的莫兰迪美术馆 。
  莫兰迪最特别,也是最受批评的,就是他的创作题材仅仅局限在几只瓶子和波隆那郊外的风景。为什么就只画瓶子?在1957年的访问中,莫兰迪曾提到:“那种由看得见的世界,也就是形体的世界所唤起的感觉和图像是很难,甚至根本无法用定义和字汇来描述。事实上,它与日常生活中所感受的完全不一样,因为那个视觉所及的世界是由形体、颜色、空间和光线所决定的……我相信,没有任何东西比我们所看到的世界更抽象,更不真实。我们在物质世界所认知的所有事物,都并非如我们看到和了解的那般。物的质性当然存在,但却不具有任何我们附加在它身上的意义。”
  莫兰迪钟情于瓶子,因为他认为,越是简单、平凡无奇的物,就越能从多余的诠释中解放。于是他借着不断反复排列这些形状单纯的瓶子,尝试推翻我们透过定义所认知的世界,而回归视觉观察的、纯粹形体的世界。
  仔细看他的画,看看是什么因素定义了空间?是前后重迭的瓶子? 是他们的影子? 还是将画面切割为二,暗示上方的色块是墙壁,下方是桌面的(直线)?莫兰迪在挑战我们对物质世界的概念,我们看到的真是瓶子吗?如果是瓶子,为何没有材质的质感?为何瓶上的油彩笔触如此明显?会不会说它们是几何的图形还更加贴切些?画里有光线吗?是因为影子吗?还是因为颜色?莫兰迪画的全是老掉牙的题材——静物和风景,但是当你无法定义它们真是瓶子时,他的画要算做是现代还是传统?
  有人说,莫兰迪的画是静的;有人说,他的瓶子在窃窃私语;有人说,看他的画时,会不由得安静下来。是颜色吧!如果你看过Masaccio或 Piero della Francesco的壁画,你就会明白他画中的颜色从何而来。灰的、米白的、粉橘色、灰蓝色、土黄色,每个颜色就像画在石灰打底的墙上,渗入了灰色和白色调,失去了各自原本强烈而浓重的颜色,柔和而优雅地与其它的颜色调和在一起。画中的安静,也来自瓶子的水平排列,它让我们的眼光随着瓶子的形状,缓缓从左到右移动,没有复杂构图的干扰。即使瓶子垂直放在画面中央,也因为几成正方形的画布,而使它达到视觉的完美平衡。1964年,莫兰迪完成了他这一生最后的一幅油画:油罐、长方形罐和圆球排列在画布上,像是紧密地靠在一起,但圆球和长罐的影子却悄悄透露它们与周遭的距离;画中的背景就和左边的锥形油罐相同颜色,而圆球左半边的颜色,又和桌子相同。莫兰迪刻意地安排、着色对象,并等待适当的光线,用颤抖而快速的笔触为他的瓶子留下最后的速写。
  从早期超自然的绘画到1960年代的近似抽象的绘画,莫兰迪用了一生的时间去探求普通事物的本质。始终如一坚韧探索的精神使他成为典型的艺术家中的艺术家。

卡洛·卡拉

卡洛·卡拉

  (Carlo Carra,1881—1966)是最早的未来画派成员之一。在最初的艺术生涯中,他接受的是装饰画训练。12岁时他就跟着一位装饰画家学艺,1900年曾为巴黎国际博览会进行装饰设计工作。1909年,他进人马里内蒂的未来主义圈子,成为未来画派中的活跃分子。他不仅在那些未来主义宣言上签名,而且提出自己的宣言。在1913年发表的这份宣言中,他谈到“整体绘画”概念,主张“有音乐、噪音和嗅觉的绘画”。因此,他的某些作品除了有未来主义所崇尚的运动和速度外,还有他自己所追求的视、听、嗅的统觉传达。立体主义给他的影响是显而易见的,从结构和色调上看,他的某些画,如《同时并置,阳台上的女人》,似乎更具有立体主义的风格特点。
  《爱国庆祝会》,卡拉作,1914年,纸板拼贴,38.7×29.8厘米,米兰,私人收藏。《爱国庆祝会》是卡拉作于1914年的纸板拼贴画。该作品使用的材料是各种字体不同的书报、杂志、乐谱等印刷品。卡拉将它们剪裁、拼贴,并用鲜明的颜色加以组构,形成色调温暖明快且充满动感的图案。我们看到,圆弧形由中心向外围层层扩张,直线形由中心向四周径直放射,这种蔓陀罗似的结构使画面由内向外产生出某种张力。很显然,单词在这里扮演着十分重要的角色。尽管在波丘尼或塞维里尼的作品中,我们也可以看到单词,但它们少,并且主要满足于抒情。而卡拉大量使用它们,让它们承担起造型的任务,赋予它们某种特别的魅力。对单词的这种运用其实源自马里内蒂的主张。马里内蒂曾提出用“自由单词”作诗,卡拉紧追其后,以“自由单词”组构画面,使观众在观看中产生丰富联想,引发某种难以言述的主观感受。因而这件作品又被称为《自由单词绘画》。
  卡拉在一战期间人军队服役。1916年在医院疗伤时,他与基里柯相识,后转向“形而上”绘画风格,成为意大利未来主义绘画和形而上绘画之间的桥梁。

乔治·德·基里科

乔治·德·基里科

简介  乔治•德•基里科(Giorgio de Chirico,1888年7月10日-1978年11月20日),希腊裔意大利人,形而上学画派创始人之一
  他出生于希腊东部的沃洛斯(Volos)。最初在雅典工艺学院和德国慕尼黑美术学院学习。在德国时,受到Arnold Böcklin的象征主义和尼采的唯心主义影响,这些哲学思想为他日后创立形而上学画派打下了基础。23岁时他来到巴黎,4年后返回意大利,不久应征入伍。1917年二战中,他因精神疾病在医院结识了未来派画家卡罗尔•卡拉(Carlo Carra),结为挚友,并在后来共同发起成立形而上画派。

艺术特点  他以作品的高度象征性幻觉艺术而著称。他的作品旨在发掘主题中居于中心位置的神秘性,将想象和梦幻的形象,与日常生活事物,或古典传统融合在一起,使现实和虚幻揉而为一。基里诃的画布上,充满了以夸张的透视法所表现的刻板建筑物、谜一样的剪影、石膏雕塑及断裂的手足,予人一种恐怖不安的诡异气氛。这种象征性的幻觉艺术,后来被称为「形而上绘画」,并被公认为达达主义及超现实主义等20世纪绘画艺术的先驱。
  他的作品可以粗浅地分为五个时期。第一个时期是他住在慕尼黑,以及首次逗留在意大利的时期,这时他深受瑞士象征主义画家伯克林﹝Arnold Bocklin﹞的影响,作品呈现晚期浪漫主义和象征主义绘画的风格。
  第二个时期是典型的形而上学的时期。在这时期,基里诃将所学到的东西,思考得更加仔细而且深入,完全根据自己的想象来进行创作。他所画的物品、场所均与现实相去甚远。另外,他的作品中都带有浓厚的象征主义,例如钟表代表时间无情的流逝;火车和帆船代表不可避免的人世阴暗面。
  第三个时期是基里诃的第二个浪漫主义时期,也就是超现实主义者称之为背叛的时期,作品中充满了深奥的主题,以及难以理解的感情。就好像《恋歌》﹝Love Song﹞中,他以手套去让人感受何谓生命。
  第四个时期,基里诃从浪漫主义中回到形而上学,不过没有像第二时期中的形而上学时期般明显地打破传统的绘画规则。这时他常常用人偶去作创作。
  第五个时期,在形而上学的悲伤意识中带有一种相当复杂的自我夸张感,有时一些讽刺的笔触和难得的诗意,会使它们略呈柔和的感觉。

Melancholy and Mystery of a Street 
  这幅画是他的代表作,一般译为《一条街上的忧郁和神秘》,画面中那泛黄的寂静给人紧张不安的感觉。本来稳定的街道因为作者扭曲处理了透视关系和非正常的光影表达使得整个画面变得不安,而嬉戏的孩子面容不清,在远处等待着她的是一个男子(手持棒子?)。 用最简单的剖析方式来说,这幅画中的女孩象征着人性中那些毫无戒备的的美好和纯洁,男子的阴影象征在前方等待着的不测和危机,而整个巷子的扭曲则表示这个不可理喻的世界。
  结合时代背景来看,这是二战前夕的作品,当时的意大利国内已经非常混乱,可以理解为作者通过这幅作品表达自己对战争的恐惧(一切都在阴影中,暗示毁灭的扭曲的街道)和无助(弱小的小孩)。
  不过,还可以换个角度理解:不是来自画面中角色,而是看客自己。画面本身给我们不安,是因为我们就时常处在这样的境遇中:我们看到、预知到某件事情将要发生,却无法阻止或者避开——正如站在在这幅画前。

马克·罗思科

马克·罗思科

  马克·罗思科(Mark Rothko,1902–4970)是色场画家的代表。从40年代末开始,他尝试在有色的底子上画上大面积的长方形色块。在大幅画中没有视觉焦点,色块边缘松散而未加限定,这赋予色形以运动感和深度感,因而给人一种无限绵延的巨大量感。50年代末,他开始放弃明亮的、引起美感的色彩,而选择深沉、暗淡甚至含有悲剧意味的色彩。

德·库宁

德·库宁

  威廉·德·库宁(1904–1997),1904年4月24日,威廉·德·库宁(WillemDeKooning)出生于荷兰的鹿特丹市。他14岁就开始在一家商业美术和装饰公司打工,晚上到鹿特丹的艺术和技术专科学校上夜校。1924年,他游览比利时,参观那里的博物馆,并在布鲁塞尔和安特卫普学习。22岁时,他从荷兰移民美国新泽西州,做油漆工。第二年,他来到纽约,靠从事商业美术谋生,并继续作画。在纽约,他结识了终生挚友戈尔基,他俩在一间画室里作画,互相观摩学习,彼此影响。30年代的画坛时尚是立体主义和超现实主义,希特勒上台后,许多德国画家移居纽约,他们带来了抽象绘画和表现主义。德库宁沐浴着这些风潮,逐步形成了自己的个人风格,在纽约画家群中崭露头角。在美国的头十年,他跟从前一样,靠商业美术生活,有时还得干点别的事儿。这样,直到30年代后期,他受雇于纽约世界博览会,担纲任联邦艺术计划的壁画制作。从此以后,他的绘画可以为他带来稳定的收入,他就完全放弃了商业美术,专心于绘画艺术的探索。

  1938年,德库宁开始了他的第一个“女人”系列创作。40年代,他成为抽象表现主义阵营的一员健将。1948年他的第一次个人画展确立了他作为当代重要艺术家的声望。

  德库宁的创作,集中于抽象、女人和男人这三个系列,而其中,尤以女人系列最出名,它实际上几乎与他的绘画生涯相始终。他把绘画看作体验、表达、实现自由的过程,他以舞蹈表演一般的在旁人看来近乎夸张的激情姿态从事绘画创作,在这一点上,他与波洛克的蹦蹦跳跳是相同的。在他的画面上,不论形象的或抽象的内容,都没有任何的约束,构图、空间、透视、平衡,等等传统绘画技法和审美观念一扫而空。他讨厌一切横加给绘画的束缚,运笔异常大胆,落笔果断坚决,迅猛有力。入选1955年威尼斯双年展的《挖掘》,评论指出,“色彩又明显地回到了绘画中,那种令人难忘的荷兰女性的粉红、白色和黄色。同时色彩也表示了某种甚至更为性感的东西,被劈开的人体开口处到处是红色,……色彩最终给那嵌入的钻石形状赋予一种少有的强度,在这幅画里,观众的眼睛与画中的眼睛融合到了一起。”

  德库宁晚年的创作,人体逐渐减少,抽象绘画特别是抽象风景画数量大增。他在时代的喧嚣中保持着独特的清醒姿态。他的潮水般的情绪在其绘画中起落着,随着笔触的运行、色彩的变换而呈现出令人激动的美感。他否认风格理论,指责风格是一种欺诈,宣称自己的绘画没有风格。把他的这种理论与托马斯·赫兹对他的批评相对比,倒是别有趣味:“对于德库宁,最重要的是包括一切,什么也不放过,即使它意味着在矛盾的骚动中工作,而矛盾和骚动恰恰是他最喜爱的手段。”德库宁对所谓“矛盾和骚动”满不在乎,他的回答是:“任何一种绘画,都是今天生活的一种方式,或者说是一种生存方式。”当然,画家可以选择自己喜爱的方式生活,而喜爱可能一成不变,也可能天天都在变。

阿诺德·勃克林

阿诺德·勃克林

 (1827-1901年) 阿诺德·勃克林1827年10月16日生于瑞士的巴塞尔,曾在德国的杜塞尔多夫美术学院学习绘画。杜塞尔多夫画派是德国古典艺术向浪漫主义过渡的重要画派,勃克林在这里不但受到严谨的学院派造型技巧的训练,而且得到了德国古典哲学家们唯心主义美学思想的熏陶。他于1848年到巴黎,受到浪漫主义大师德拉克洛瓦作品的影响,倾向于富有深刻哲理的想像风景画和神话题材作品。后来他又多次到意大利旅行,并在北欧各国从事艺术创作活动。
  1858年—1861年勃克林应聘魏玛美术学校教师。这个学校后来成为新艺术运动和包豪斯建筑设计学校的摇篮,颇具盛名。自80年代开始勃克林的作品中开始出现愈来愈浓厚的主观色彩,在他的风景画中常运用明暗对比和经过变化加工的自然形象,创造出神秘、空灵,情调忧郁悲哀,似乎非人间的景象。由于勃克林的作品中表现死亡和鬼怪的题材较多,因而在评论家的眼中,他被视为属于过分忧郁、消极的象征主义画家。

萨尔托

萨尔托

 萨尔托 (1486-1530年)安德烈亚·德尔·萨尔托。真名为安德烈亚·达克罗。出生于佛罗伦萨的一位裁缝家庭,初学于波耶罗·迪柯西莫,后来渐为达芬奇的艺术所倾倒,他还在思想和艺术技巧上崇拜巴托洛米奥。  
  萨尔托是意大利文艺复兴盛期后起的画家,其风格特点是注重抒情,对色彩感觉极其敏锐,明暗关系柔和,善用一种朦胧的情调渲染生活气氛。有人评论他的画虽有拉斐尔的艳丽,却缺少他的柔美;有米开朗基罗的气度,但又找不到深沉的力度。他为佛罗伦萨圣赛奥修道院食堂画的《最后的晚餐》富有卓越的构图与微妙的色调,艺术效果十分新颖,被认为仅次于达芬奇的《最后的晚餐》。他的画反映了盛期文艺复兴的转折 — 现实的综合。
  《圣约翰、圣伊丽莎白、两天使和圣母子》,画家将画中人物组合成一个圆形构图,右边的男孩是约翰,他不是耶稣的门徒,但一直事奉耶稣,30岁时为耶稣施洗礼。直到被莎乐美杀死。身后的老妇人是约翰的母亲伊丽莎白;而左边是圣母玛丽亚,怀抱着小耶稣,身后是两个小天使。这些圣人都是基督教神话中的主要人物。 在萨尔托作品的构思深度与形象的表现力度,与同时代的米开朗基罗与拉斐尔仍不能相提并论。在他的作品中,理想化的倾向是显而易见的。

洛托

洛托

  洛 托 (1480-1556年)  洛伦佐·洛托是威尼斯画坛上一位不随波逐流、终生怀才不遇,被人们称作是流浪和孤独的画家。  
  洛托出生在威尼斯的一个商人家庭,自幼就性格怪癖,不善交际爱旅游,去过意大利的许多地方,见识过许多著名美术家的作品。他29岁去过罗马,结识过拉斐尔,目睹过米开朗基罗的西斯廷天顶画,但这一切并没有引起他的兴趣,他认为拉斐尔和米开朗基罗虽然无上荣光伟大,但与他无缘。45岁重又回到威尼斯,一直住到69岁,虽年已古稀,还像以往一样愤愤不满地继续外出旅行,直到72岁才隐居罗马一个寺院度其孤独残年。  
  在洛托的画中出现的人物大多数孤傲正直,富有个性;他画中风景多作重峦叠嶂、深山幽谷;在画中常运用强烈的光和响亮的色彩,使画面色调高昂;画中形象塑造,写实中略有夸张的表情,使画中人物个性更为鲜明。
  《基督与受骗女子》,洛托比乔尔乔内和提香小几岁,他们是同代威尼斯画派的画家。宗教神话题材富有人性特征,色调明朗。这些都是威尼斯画派画家所具有的共同特点,洛托并无例外。《基督与受骗女子》实际上是一幅具有现实生活意义的风俗画。基督扮演一位主持公道的、受人尊敬的长者,骗子的述说,围观者的参与表态议论,无奈的受骗女子,每个人都作出符合自己身分的姿态表情,尤其是画中人物的面部表情和手势所传达的思想情绪都十分生动和富有个性特征。  画家以半身群像布满画面,人物拥挤重叠,密不透风,着力刻画人物头部动态和面部表情以及相互关系。构图仍以传统的基督居中,其他人物分列两边形成对称式结构。  
  在明暗色彩处理上,人物,尤其是面部都处于受光亮区,在暗背景的衬托下显得更为光辉夺目,这种对比强烈的色彩感,是通过冷暖色对比和强光线照射达到的,作为主体人物的基督和女子都处于强光和冷暖色彩对比下,形象格外突出。  
  这幅画表现出善与恶、美与丑的精神对比,女子是美好善良的,而基督则体现光明正大和公正,它是真善美的化身。周围的人群美丑交织、善恶共存。

柯雷乔

柯雷乔

  柯雷乔 (1489-1534年)安东尼奥·阿列格利,出生于北意大利帕多瓦附近的小村柯雷乔,因此人们称他为柯雷乔。从小受过地方画家的影响。  
  17岁时看到过多西等人的作品,吸收了其中对人体描绘的透视画法和威尼斯画派的色彩,尤其崇拜达芬奇,使他对明暗渐进法有深刻的研究和领悟。他的绘画综合了达芬奇、拉斐尔和威尼斯画派的特色,形成了自己独特的风格。这种风格被后人称为“前巴洛克派。”柯雷乔早期的作品格调纯朴,富有人间抒情意味。他最突出的贡献在于想象力极其丰富,发展了能够制造空间深度错觉的天顶壁画,构图奇特,色彩强烈,达到以假乱真的艺术效果,给人以目不暇接的繁丽感觉。他曾为帕多瓦主教堂天顶作壁画《圣母升天》,画中的天顶似乎被掀开了,创造了一个逼真的圣母升天的虚幻景象,具有强烈的运动感。柯雷乔晚年描绘了许多具有享乐主义倾向的妩媚女性的神话故事形象,他善于在画面上创造一种轻松愉快的情调,敢于大胆描绘性感的裸女和场面。
  《朱庇特与伊奥》希腊神话中的众神之王宙斯在罗马神话中称朱庇特,他先后曾有过七个妻子,同时,还与众多的美女如安提俄珀、达那厄、欧罗巴、丽达、塞墨勒、海伦、伊奥等有着私情。伊奥是天后朱诺的首席女祭司,由于朱庇特爱上了伊奥,天后出于嫉妒曾把她变成了小母牛交给百眼巨人监视。朱庇特派赫尔墨斯杀死了百眼巨人,朱诺又派大牛虻追逐伊奥,使她无处藏身。最后,她逃到了埃及,才得以摆脱。在那里,朱庇特使她恢复了人形并背着朱诺化作云雾于伊奥幽会。这幅画描绘的即是这个幽会的情景。
  几乎占画面1/2的浓重灰黑的烟雾神奇而强烈的反衬出了伊奥优美、娇媚而狂喜的身姿,细细的品味,这浓重的烟雾即是隐形的朱庇特。他的头部若隐若现而他的人形却若有若无,也正是这个若隐若现、若有若无、足智多谋、神奇变换的朱庇特才使得此时此刻的伊奥显得狂喜而放纵…… 这是意大利文艺复兴盛期的画家柯雷乔的代表作。这位帕尔马的画家很难归属哪一流派,他的作品有达·芬奇艺术的温柔细腻,又有拉斐尔艺术的优美明快;有米开朗基罗艺术中出人意料的想象,又有威尼斯画派含蓄、丰富的美妙色彩。虽然他的题材范围几乎只局限于圣经故事和古典神话,但却反映的是人本主义精神和世俗情感;虽然他处在文艺复兴盛期,但他的作品已具备了后来流行的巴洛克艺术的倾向;因此,应该说,柯雷乔不仅仅是文艺复兴盛期杰出的画家,也是一位具有超前意识的探索者。