佚名

洗笔器的作用及制作方法如何?

洗笔器的作用及制作方法如何?

洗笔器并非只用于清洗油画笔,它还是作画过程中用来短时间存放画笔的容器,容器中盛有松节油,可溶解悬垂于容器上油画笔的残余颜料,美中不足是松节油容易挥发。洗笔器的另一个用途是能够使画笔悬垂,笔头垂于容器中,而笔毛又不触及容器,可维持笔头的形状,一旦笔头变形是很难恢复如初的。

许多画家喜欢将使用中的画笔暂存于水盘中,这样笔杆的前部常因浸水而脱皮。如果使用洗笔器就不会出现这个问题。无论是松节油,还是水,画笔都不能长时间置于洗笔器中,时间过长松节油对笔毛也会产生伤害,况且一旦松节油挥发掉画笔可能作废。虽然水挥发慢,但水含氧,同样会使笔中的颜料变硬。一旦画笔上有变硬的颜料,应用香蕉水等溶剂软化处理之后再进行清洗。

洗笔器的基本结构。上面一层的底盘上满是小孔,松节油、溶剂汽油等清洗液将画笔上溶解下来的颜料,通过小孔落于底层,这样以来,被上端弹簧固定而悬垂的油画笔能够始终处在干净的溶剂里。

洗笔器可以自制,并且自制的洗笔器更实用。用广口的玻璃瓶作溶剂容器,再用一个恰好能置于其中的小油漆筒或易拉罐,剪去顶部,倒置后用铁钉在筒底部打若干小孔,筒底向上放入玻璃瓶中,并加以固定,注入松节油即可使用。使用方法:将含有颜料的画笔在自制洗笔器中涮洗干净之后,拧好瓶盖搁置一旁,颜料将逐渐沉入瓶底,以保证下次使用时瓶中松节油仍旧是清的。因有隔层,底部沉淀的颜料不会泛上来。每次使用后用盖子封好瓶口,可防止松节油挥发。之所以使用玻璃瓶作容器,是因为能察看出沉淀了多少颜料,过多时就要清理一番。

怎样使用支腕杖和油壶?

怎样使用支腕杖和油壶?

支腕杖主要用于作画时支撑手臂,又称“画杖”,它是长度不同的细圆棍,两端粗细不同,较细的一端呈圆球状。较高档的支腕杖镶有象牙球或环形软垫。作画时,一只手握住较粗的一端,另一端靠在画幅的外框上,持笔的手就可以倚在画杖上作画了。画杖最好用坚硬而轻盈的木材制作,要求外表光滑笔直,可以在绘画时作直线尺用。画杖是画家刻画细部非常重要的工具。较长的画杖还可以在审阅作品时作手杖用。
小油壶用来装调色油、松节油等调和剂,可以固定于调色板上,有单独的,也有两个并置在一起的,还有在带格子小盒中装不同油剂的。油壶底部大都带有夹子,密封盖可防止油的挥发。许多画家自行制作小油壶,比如将装胶卷的塑料盒固定于调色板上(可用乳胶固定),用水泡一下就可以取下来。
如果固定不好,一旦碰倒就会造成许多麻烦。作大画时通常以稍大一点的敞口玻璃瓶或其它容器代替小油壶。调色油、松节油、润色油、上光油等可以放置一起备用。

油画箱的类型与功能有哪些?

油画箱的类型与功能有哪些?

油画箱是画家作画的重要工具之一,多为木质。

(1)最常见的油画箱形式。有三支可伸缩开合的腿,能够将箱体架起一定的高度。箱内可存放颜料、画笔、刮刀、调色剂、擦笔纸等多种绘画用品。调色板即使不清除剩余颜料也能装入箱内,而不会污染其它用品。在箱盖内还有一张备用木板,可以存放外出写生时未干的小幅纸板画。能够前后倾斜的箱盖可以充当画架之用。

(2)19世纪欧洲画家使用过的油画箱,由工厂生产、出售并被画家普遍采用。

(3)小型油画箱。轻巧、坚实,倍受部分画家青睐。

(4)野外画风景小色稿最为实用。

(5)内部铸模的塑料油画箱。

(6)配有小型画架的油画箱。这种架式油画箱的特点是画家可以根据自己的愿望使画面倾斜;可通过调节来固定不同尺寸的画幅,但画幅尺寸不能超过 92cm×65cm;可以通过折叠腿架调整高度;可以使贮存颜料的抽屉处于半开状态,这样就有了一个放置调色板的牢固的平台;画架式油画箱,省去了画家外出写生既要带画架又要带画箱的烦恼。

油画桌的类型与功能有哪些?

油画桌的类型与功能有哪些?

在室内作画,需要一个可放置调色板、画笔颜料、调色液等绘画用品的画桌。部分画家通常利用普通桌子,或者将油画箱支起来用。但专用油画桌更为实用,如图16。

(1)欧洲画家使用过的画桌类型。

(2)欧洲画家使用过的简易型画桌。

(3)将医用小推车稍做改装后的画桌。

(4)日本产的多功能画桌。它有两个可开启的扇形门。里面可放各种调色液、上光液、胶、洗笔器等物品,中间的抽屉可放置画笔、颜料、刀具、书具等。桌面分两部分,能向两侧滑动,空开的中间部分可用来调色。

(5)画架式画桌。它将画架、画桌结合在一起,绘制小幅作品时,非常实用。

(6)写字台式画桌。它由两个带四个抽屉的小橱和一个倾斜桌面组成。画家在这种画桌上看书、写字、设计、勾画创作草稿等。

画凳的类型与功能有哪些?

画凳的类型与功能有哪些?

专业画凳比普通的凳子要高些,并且能够调节高度,类似医用圆凳,通过旋转进行上下调整。

(1)传统的样式。画家能够半坐或半站着作画。

(2)带有包皮座垫和后背的金属画凳。不仅可以调节高度,还可以通过四个脚轮使画凳在室内任意移动。底端的圈梁用于歇脚。

(3)绘制巨幅油画时的梯形画凳。市场上出售的铝合金三角架能够替代。

(4)外出写生型三脚画凳。可折叠,易携带。凳面通常是厚帆布的。

内框的形式及结构是怎样的?

内框的形式及结构是怎样的?

在画布上作画,需要先将画布绷在木框上,这种木框称为内框。内框要求用料干燥、挺直、耐久不变形,易于钉钉子。最常用也较理想的木料是白松木,但要尽量避免节疤。

1)最传统的标准型内框。四个角均为直角,外边缘略高于内边缘。尺寸较大的内框还要增加内撑。

(2)内撑的厚度不能超出内框内边缘,以免触到画布,影响作画。制作内框的木条厚度要根据内框的大小来定。通常木条的宽度约为3~4cm,外边缘厚度约为2~2.5cm,内边缘厚度约为1.5~2cm。

(3)内框四角的传统连接方式。标准的连接处不能上胶,穿插起来即可。并且有一个木楔从结合处的内角插入,目的是一旦绷好的画布松弛,可以通过木楔将内框撑开些,画布自然会拉紧。

(4)绷紧后的大型画布,最好在木框背部再用三合板将四角固定一下。如果内框的四角绷布之前就是固定死的,那么绷装画布时要尽量紧一些。

绷装画布的工具与方法是怎样的?

绷装画布的工具与方法是怎样的?

绷装画布的传统工具是小锤和鞋钉。画布裁剪时要比内框长出三至四公分,宁大勿小。首先从内框四边的中间部位开始(注意画布要钉装在有斜面的内框一侧)。将画布拉紧,每边先钉三颗钉子。然后从中间部位依次钉向四个角,钉子的间隔约为3~4公分。不要把钉子全部钉入木条中,以便调节或拆卸画布

枪式钉书机、钉枪、宽嘴钳等专用工具的问世,使绷装画布的方法变得省力而有趣。如图20,先用钉枪在木框长边的中间部位钉上三颗钉,然后将木框倒置用宽嘴钳将画布拉紧,在相对的一边再钉三颗钉。用同样的方法钉紧两个短边。借助钳子依次将画布由中间到边角拉紧,包角时将画布折叠一下用钳子紧一紧,再用钉枪钉实。边缘多余的画布固定于画框后面即可,如果没有枪式钉书机,可以用普通订书机代替使用。使用普通订书机时要注意将底座拆下,用普通钳子绷画布时,不要过于用力,以免损伤画布。
用传统方法绷装画布,可以用图钉代替鞋钉,既方便又实用。

对于不需要装外框的画框,绷装画布时,画布要大于内框五厘米左右,钉子钉在内框的背面,包角时布角内藏。

另类视觉艺术———抽象艺术2

另类视觉艺术———抽象艺术2

  在西方抽象绘画的范畴之中,不论是蒙得里安之后的几何抽象,或是继康丁斯基之后的抒情抽象表现。在西方抽象体系的脉络中,经常以强烈的情绪,企图主导观众,接受画面全面性的主观表达。这虽然使观众感动或震撼,但来自画作本身的强势力量,却往往吞噬了观者主观情绪的对应,而变成一种单向的情感交流。马蒂斯的作品「红色房间」中,以色彩作为二度与三度空间的场景表达,色彩与线条似乎是马蒂斯最精准的沟通工具,马蒂斯并不脱离准确的透视法则,而是将物体个别的角色降低,巧妙的运用色彩与线条,暗示物体存在的关系与三度空间的方向性。由于简化物体精细部位的描绘,而使对象呈现如符号般的平面状,以彰显物体最后的原相与不可取代性,甚至物体在色面的接缝处,或线条上得到巧妙的暗示。

  反观中国抽象绘画的发展,不但在风格和西方有明显的差异,在思想脉络的发展上,也有明显的差距。如中国的文人画,并不刻意在形式语汇上追求发展,而是在「人格修养上」下工夫。去繁从简,不是为了追求形式语汇上的极限;画面中逸笔草草的空间,反而自然流露出画家的人格特质,留给观画者更多想象,进而聚集感动的主要来源。探讨的是一种人类内在情感的圆满感受,而非一种严谨创作的发明或伟大性。更贴近生命本身,是一种自我修炼完成的精神意义,而并非是一再开发人类对于物质形式的可能。以东、西方迥异的文化特质,发展出两套不同的抽象途径,显然是一个必然的现象。但是,当东方在接受国际化认同的过程中,为了加快认同的脚步,反而容易掉入西方抽象的审美体制,而忽略了本身已经具备东方某种血缘上的文化质地,实为可惜。未来,在文化信息强力的沟通下,我们虽然可以期待,人类情感将慢慢的产生普遍交流与相互认同,但是东方艺术家,如何把持自我的观点,在融合的过程中,不被西方的审美体系所淹没,相对的,就显的格外重要了。

  大师们只是不断的在找一种方式,提醒人们眼睛先天的敏锐度,就如一部分辨率高于任何科技的产品一样,每一个人都可以是一个好导演,摄取与开发现存世界视觉最富想象力的可能。什么是现代艺术?是否因为人类一直深陷在矛盾之中的情绪,而想藉由艺术,在反复挣脱与制衡的创作过程,向无止境的终点,寻求解脱?并非为了追求艺术成就,而任意随着时代性转轮,被淹没在现代艺术巨大的声浪之中,而无法听见自我内心的向往与追求。

  「绘画终归要回到眼睛本能的敏锐度,以绘画的形式,呈现存在于内心世界的本质。」艺术的最终意义,并非指向艺术的伟大性,对于艺术家而言,艺术是解决人生课题的方法,并以艺术做为与人类沟通的途径。生活中短暂的一瞥,经常是被概念遗忘的一部份,却是视觉中最深刻不变的永恒。

另类视觉艺术———抽象艺术

另类视觉艺术———抽象艺术

 进入二十世纪以来,抽象艺术的界定,已不再只是用来做为写实风格的对立面。具象、抽象及叙述性的内容,已在西方抽象表现的发展中,获得了认定。复合媒材的使用,更打开了形式表达的局限,彰显其丰富的语汇。继康丁斯基、蒙德里安视觉美学探索的架构之后,对于视觉艺术,「抽象」一词的意涵,艺术家仍在美术史的演绎中,将意涵推展至社会学,艺术史等各个层面,使抽象意题呈现的可能性,更为宽广。

  「学习」与「经验」,使人们的价值观,出现了走向同值化的危机,因而使人的个体失去了独立人格的倾向,而无法解读对于事物的真正现象、感动与省思。生命中的失落感,也同时在人们越来越无法分辨自己的过程中产生。绘画,提示与外界沟通的可能性,并提醒人们不再用概念束缚眼睛,捆绑自己观看的角度与可能。让存在于脑海中的现有框架,解放出来。这才有可能使得存在于空间的细微感觉,与新鲜的场景,透过自由的氛围,跨过我们的眼睛,进入我们的心灵。让不合逻辑或非我们习惯中的景象事物,也可以成为眼睛体认的对象。试着打开双眼,活化人们的心灵,进而活泼与丰富我们的人生经验。

  写实的情感主题经常对应明确,而抽象就经常以色彩与形提供与情感对应的元素。当元素线索与视觉共通性相违背时,观者情感的表达就经常难以切中画家情绪的重心。画家对于生活场景,采取一种几近于写实的手法,却能在观念上跳脱「惯性」的角度,以全新的观察,取景入画。而抽象与具象是否能在画面并存的议题,画家往往在观察与取舍题材的过程,已经做了初步可能性的判断。这种判断能力,则来自画家企图恢复,用以观察事物本质的「动物性」本能。唯有透过本能的眼睛,触探物质本身的微妙变化,或观察物质并存产生的新关系,才能产生视觉上的新意。在创作过程中,画家尽一切可能舍弃熟炼的技巧,与学习背景所造成的局限。画家认为:存在于生活中不经意的场景,不需粉饰造假,或强加象征意涵,只要能掌握剎挪间光影的变化,都可能形成画面的主要力量。一张感动人的好画,除了笔触之外,事实上是抽象的感觉在感动我们。那抽象的感觉是你自己的抽象空间,我不是讲物质世界的三度空间,而是你自己的抽象空间。...」。当在平面的画布上,寻找对象彼此的关系时,却又显现出矛盾的多重视点关系。使得画面构成的每一部份都成为必要的元素,处处都暗示着紧紧相迫的矛盾性。也许这就是画家具备对物体观察,超乎一般人眼睛的先觉能力,也是画家在视觉的极限中,显现出画面张力的艺术性。画家认为,二度与三度,或是写实与抽象,都是现实世界中并存的实景,并非透过他个人的手改造变化而来,他只是替人们捕捉生活中经常被忽略与遗忘的部份。