佚名

木质调色板使用前的处理

木质调色板使用前的处理

因木质调色板吸油,所以使用前必须特殊处理。
方法之一:刮胶。刮胶是最直接的处理方法,但无论动物胶还是白乳胶都有水分,单面刮胶有可能使木板卷曲变形,所以需要反正面同时刮胶。所使用的胶越浓越好,不得兑水。同时注意防水。由于胶的可溶性,刮胶处理的调色板怕水,湿水部位易变白。如果出现这种情况,一定不要急于擦拭,待自然晾干或烤干后就会恢复原样。
方法之二:涂油。这是一种较传统的处理方法。具体作法是:在调色板上反复涂擦熟油,直到调色板不再吸油为止。油干后将调色板用刀刃刮平或用砂纸磨平,最后用布蘸生亚麻仁油或核桃油在板面上擦一遍即可使用。简便的涂油方法是直接在新调色板上刷一遍亚麻仁油,然后用布反复用力擦,调色板就不会再渗油了。
方法之三:用清漆或桐油将调色板刷一遍,可以只刷使用的一面。
方法之四:打鞋油。将无色多功能鞋油涂于调色板上,先让木板吸收一下,再用布像擦皮鞋那样将调色板擦亮。注意,涂上鞋油后,停留时间不要过长,以防鞋油干后不易擦掉。可以多擦几遍,直至板面发亮。只擦使用的一面即可。
方法之五:打蜡。将蜂蜡或石蜡放入金属容器(如易拉罐盒),加热熔化后涂于调色板上,再用火烤的办法,使蜡液渗入木板中,最后用布擦拭。这样处理的调色板光亮、防水、不油腻,木板色质好。
处理调色板的方法很多,只要能使调色板不吸油均能采用。市场上出售的高质量调色板一般都是处理过的,可直接使用。

如何选用油画笔?

如何选用油画笔?

油画笔在油画绘制过程中发挥着最基本的功能。得心应手的画笔,能给艺术家的工作带来情趣。油画笔的选用取决于作画手法。
不同质地、形状、型号的画笔,其作用也有所不同。

(1)质地与作用

鬃毛画笔:多为猪鬃,弹性强、结实、有强度。着色时常会留下鬃毛印痕,能挑起浓稠的颜料。可搓、擦、刷,一般不会出现笔毛粘在一起的现象。多用于厚实的有笔触肌理的画法。

貂毛或獾毛画笔:属于高级油画笔,软硬适中,着色时较柔和、均匀,没有笔触痕迹,适于画面的细部刻画。松鼠毛、猴子毛油画笔也属于软毛画笔。

牛毛和骆驼毛画笔:属于软毛油画笔,多用于罩色。

人造毛画笔:具有貂毛、獾毛等高级油画笔特性。人造毛可制作出不同形状的画笔,这种笔既能柔和局部颜色,又能进行细部刻画。但它不能放入水中浸泡,其毛在水中易变形。

(2)形状与作用

①圆形画笔:最古老的一种油画笔。它有一个钝的笔尖,可用来制造较圆润柔和的笔触;小号圆形油画笔可用来勾线,侧锋使用能出现大面积的模糊的色晕,也可用于点彩技法。

②平头画笔:扁身平头油画笔直到19世纪才出现。用于制造宽阔、拖扫式的笔触;可用平头侧边画出粗糙的线条;转动笔身进行拖扫式用笔,可出现粗细不均的笔触。

③榛形画笔:扁身圆头,又叫“猫舌笔”。兼有圆头、扁平两种画笔的特性,但难以控制。在表现曲线状的笔触时,它是一种更优雅、更流畅的画笔。

④扇形画笔:属于新型特制油画笔,笔毛稀疏,呈扁平的扇状。用于湿画法中的轻扫与刷,或柔化过于分明的轮廓。喜欢薄画法的画家常使用这种画笔。使用扇形笔揉色时,必须保持清洁,否则会妨碍它的灵巧性。

(3)型号与作用

画笔型号与用途的关系最为明确。大型号画笔通常用于制作大笔触肌理和铺大色块,而小型号画笔通常用来画细线与色点。目前市场上出售的画笔型号不统一,不同品牌、质地的同型号画笔差异很大。并且型号的划分也不一样,有0~24号、0~12号、0~16号等。鬃毛等硬质画笔大小型号齐全,貂毛等软质画笔一般没有大号笔,而扇形画笔(多为鬃毛或人造毛)没有小号的。

(4)特型工具的使用

①板刷:特别适宜画大幅画,有时小板刷可替代大号画笔使用。板刷另外一个作用是给干透的画面上光。

②油画滚子:用来铺开颜色和创造质感。使用油画滚子从刚画过的地方轻轻滚过可以将笔触压平,并使颜色扩散开来,产生其它绘画工具难以达到的效果。 油画笔的选用与画家的作画习惯有很大关系。现代画家常常只用一种笔型(多用平头笔),或仅用一只大号笔从头画到尾。但专家们仍建议油画写生者拥有下列笔型(型号按0~24号区分): 4号貂毛圆头笔1支 4号鬃毛平头笔1支 6号人造毛圆头笔1支 6号獾毛平头笔2支 6号鬃毛榛形笔1支 8号鬃毛平头笔3支 12号鬃毛平头笔2支 14号鬃毛棒形笔1支 20号鬃毛平头笔1支。

油画的常备工具

油画的常备工具

油画作画方法多样,其工具也有异同。几百年来油画艺术的历史演变,使绘画工具不断改进。总体而言,常使用的工具如下:
(1)画箱。用来装颜料、画笔、调色板及调和剂等绘画材料的一种工具箱。多为木质,有三条可伸缩开合的腿,用作室内绘画和外出写生。
(2)画架。用来固定画幅。根据画家需要,室内画架可以使画幅上下前后移动;折叠式画架用于野外写生。画架又可以和画箱或画桌结合在一起——画箱式画架。
(3)画桌。室内作画时用来摆放调色板、颜料及其它用具、物品等。专业画桌具备多种功能,能自由移动和调整高度的为最好。
(4)画凳。室内画凳可调整高度,外出写生用画凳可折叠。还有一种能上能下的梯形画凳,用于绘制大型油画。
(5)画伞。外出写生时专用,可以避雨,也可以阻挡阳光直射。专用画伞通常带有固定设置。
(6)画笔。有不同的笔型和大小型号,分动物毛和人造毛两类,用于调色和画面着色。
(7)画刀。有多种造型。主要用来调色、作画、刮色、清理画板等。
(8)调色板。有长方形和椭圆形两种,用于调色及摆置颜料。
(9)油壶。用来装调色油、松节油等调和剂。底部装有弹簧片的小油壶可夹在调色板上。
(10)洗笔器。用于洗刷或搁置带颜色的画笔。
(11)画杖。又称支腕杖。作画时用于支撑手臂。
(12)绷布钳。钳口较宽,绷装画布时专用。
(13)订枪。用来固定画布,类似订书机。有大小两种钉型,比普通订书钉略长且坚硬。
(14)小锤和钉子。用于传统的绷装画布的方法。有的小锤一端带有磁性,可以吸钉子。
(15)砂纸或浮石。作底子时用来打磨画布。
(16)木炭、铅笔和橡皮。用来起画稿。
(17)画板。用于素描写生或创作。
(18)报纸或布头。用来擦笔或擦画刀。布头还有擦拭画面的特殊用途。
(19)电动搅拌器。用来制作底料或胶液。
(20)板刷和刮板。用来作画布底子。
(21)加热器。制作胶液或调和剂时用来加热。
(22)大理石板和研磨杵。用于研磨油画颜料。
(23)镜子。从镜子中反观画面,可以发现造型上的错误。缩小镜便于观察整体效果,黑片镜用于观察黑白关系。
此外,烧杯、瓶子、金属盒、金属罐等各种容器,以及尺子、剪刀、钳子、胶带、夹子、天平、铜臼、电吹风、喷枪等都能派上用场。

走近形式美

走近形式美

作为视觉造型艺术的美术,无不依赖形式而存在。学生接触美术作品,首先是接触美术的形式审美,形式审美是指审美对象的感性形式,也就是说作为感觉对象的形状、质地、色彩以及构成某种空间秩序的相互关系。但是,在美术教学中常有这样一种情况:学生在美术学习中不太了解与运用形式元素及其组合原理。反思其原因,是教学中我们还缺少有意识地去引导和挖掘对于形式美的认识,通常情况下,我们在教学中过多地融入时代背景的介绍,人物个案的介绍,对形式美的法则分析在某种程度上减弱了,导致学生在获知作品背景、故事的情况下,对作品面的美感常常不知所措。

形式美法则主要包含对立与统一、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律,这些法则是事物形式自身特性被人在长期实践中发现认识创造的,同人的生理需要相适应。对艺术特别是绘画来说,不管风格、类型、画种、材质是多么不同,都离不开将基本的形式元素(点、线、面、形、色、体)整合在一起的形式美法则。这些法则折射到艺术的许多门类,又贴近生活,对人的审美修养、审美判断都会产生持续而深远的影响,因此学习形式美法则不仅能提高我们对形式美的敏感,还能培养学生更主动地进行创造和艺术处理能力。在这种前提下,探讨形式美法则具有现实意义。形式美法则如此重要,那我们在课堂教学中如何渗透这些法则?

一、在经典中解读

美术史上的经典作品多数是经过千锤百炼而沉淀下来的,无论思想性、艺术性都达到一定的高度。因此,在课堂教学中运用经典作品导入形式美法则,既可以增加艺术史知识,又能开阔学生的审美视野。对立统一规律是形式美最高级最简单的法则,我在教学中借助太极图引导学生发现其中包含的朴素的辩证关系,显然给我们提供了很好的形象揭示:以S为骨架把圆分成不对称而均衡的两部分,面积相等,形状相同,方向相反,一黑一白,这里就包含着丰富的对立统一的因素,这种对立的组合让我们感到了和谐与统一。中国绘画艺术中的空白就是重要的语言,由黑白所引申出来的虚实力度要考虑进去,中国绘画中的空白不是空洞虚无的,而是不可分割的结构,在支撑画面的均衡力度是起到很大作用。从而形成中国绘画中的特有的意境之美,齐白石和八大山人的绘画作品有意识留下大量的空白,体现了画家对“简于象而不简于意”的追求和“景愈藏,景界愈大”的辩证法则的体悟。

我在教学中还列举达芬奇的名作《最后的晚餐》来说明运用对立统一的例子,耶酥在对十二个门徒说了一句话,顿时引起每个门徒不同反应,姿态表情各异,长的桌面形成平稳的直线,不同的人物动态统一在这条直线上,产生了动与静的统一,人物背后的门窗的对称关系营造出很有安定的秩序感和形式美。

二、在生活中感知

在提高学生对形式的感受力的时候,也让学生从生活和视觉经验积累中发现形式美的规律,如建筑,图案。我通过课件演示让学生更好感受人和动物是对称的,植物和建筑也有许多是对称的。世界各国文化背景虽不尽相同,但在采取对称形式是不约而同的,中国古代的宫殿、西方的教堂等建筑往往是对称的,这种对称性是要给人稳定性,秩序感,庄严性。还有一种情况是质量一样,外在形式不同,也不对称但仍然感到是平衡的,这叫均衡,均衡在稳定的基础上增添了活泼。中国画和中国园林建筑构图布局就非常讲究均衡。比例是一件事物整体与局部之间的关系,也就是说内在的均衡应该摆在什么地方才是美的。初中生在数学学习过程中有对黄金分割的学习经验,教师可以调动这种经验来强化对比例的认识,如米勒的《拾穗者》和《牧羊女》,建筑中的《巴黎圣母院》,雕塑中的《米罗岛上的维纳斯》都是符合黄金分割比例。

形式美法则中还有一个主要的方面是讲究整体性的秩序,这就是节奏与韵律,陶瓷上面水波纹不断地重复的整体之美,园林中窗花不断地重复,呈现出有节奏的美。佛塔一层一层向上延伸与重复,在有规律的变化的重复中,节奏和韵律出现了。

三、在体验中感悟

对形式美法则的学习最终还是要落实在对自我的构建上,落实在创造实践中,鉴于此,教师需要深入浅出地把复杂的东西讲明白,可以在多种类型的教学中实施,让学生将对传统绘画艺术总结出来的一些形式美法则进行体验和运用:

(一)可以沿大师的足迹体验和归纳,通过选取经典作品并将其复印,用笔描出物象的轮廓,将立体转化为平面,这样做的好处是便于解读形式结构规律。(二)变体创作,也就是重新改变,以其他形象来取代原画形象,体味原作的形式美感和精神内涵的同时又创造出新的视觉效果,还可以从民间美术中提取元素,按照形式原理进行重新组合。(三)是让学生按形式美法则来摆出美感,提供给学生模型和静物,还可以学生自身为元素进行行为式的互动训练,以获得最佳的视觉效果。

形式美法则也不是固定不变的,形式美的元素也是相对的,形式美的运用应当有助于美的创造,而不是束缚学生的手脚,在美术学习中要有意图地根据内容和要求自觉运用形式法则并能进行超越和突破,并在实践中加以运用形成健康的审美情趣。

油画的基本要素

油画的基本要素

油画属于视觉艺术,构成油画作品最基本的视觉要素有形体、线条、明暗、质感、空间与色彩。一幅成功的油画依赖于画家对构成油画最基本的视觉要素的全面掌握和熟练运用。独具匠心的油画作品则是对基本要素中某些要素突出的运用,从而形成了许多油画家独特的个人风格。
形体是油画最基本的要素,它包含形状和体积两个方面。形状是指物象外部的空间特征,体积是指物体的三度空间形态。在描绘客观物象时,形体具有很强的表现性,要求画家善于把握物象的形态与特征,对物体具有敏锐的视觉反应能力以及深刻的表现能力,能发现并挖掘隐藏在形体深处的表现价值和审美意味。
线条是油画造型的主要手段,人类最早描绘自然物象就是从线条开始的。它是绘画艺术中不可取代的视觉要素,变化莫测的线条体现着画家对生命的情感体验。垂直挺拔的线条庄严、崇高,有永恒之感;水平线带给人平静、安宁、距离乃至死亡的情感;斜线富有张力、运动、不安和危险感;曲线则表达飘逸、柔情、浪漫的情绪;十字线静穆而庄重;不规则线条苦涩忧伤、躁动不安。
明暗分黑、白、灰三大调子,它也是绘画最基本的表现手段。丰富的明暗色调能够把物体的形状、空间和质感生动鲜明地表现出来。从细致刻划到强烈对比,明暗色调创造出了丰富的视觉画面。明亮的色调平和而爽朗,灰暗的色调沉重而神秘。黑白交织体现着画家的主观情感世界。
质感在写实油画中,是一个非常重要的表现要素,它能在感官上给人以满足和愉悦,能使人产生抚摸的欲求。正因为质感能对视觉产生强烈的刺激,从而引起人的兴奋和冲动,所以写实油画一直受到世人的偏爱。在现代绘画艺术中,质感的观念发生了很大的变化,不仅是对物象的逼真描绘,同时又是所用材料本身质地的不同表现。画面的对视性和趣味性丰富了视觉语言,增强了画面本身的精神性。
空间是绘画艺术在二维画面上产生的视觉纵深度。画面空间并非现实空间,是对现实空间的摹仿,是画家运用线条、明暗、色彩创造出来的虚幻空间,是人的视觉情感中产生的距离空间。大小、高低、虚实、冷暖都能让人产生空间感。在现代绘画中,画家更多地运用色彩创造画面空间。
色彩与明暗是不可分割的,明暗关系就是通过色彩明度体现的。调颜色不能只考虑色彩的明暗,缤纷的世界是由色彩构成的,色彩就是生命。然而视觉对色彩的感知因人而异。一方面有色弱色盲者,另一方面人的主观情感能直接影响视觉对色相、冷暖的敏感度,以及人对不同色彩的好恶。主观色彩形成了画家各自不同的色彩面貌。

油画的主要特征

油画的主要特征

油画,自从15世纪尼德兰的凡·艾克兄弟改进并完善了用油溶解和调配颜料作画的技术,使之成为西洋绘画的主要画种,至今已经在全世界风行了几百年。20世纪初,一批中国留洋学生把握了它的精髓,把它引进国内,使之与原有的传统水墨画等互补共存。由于油画使用材料和工具较为独特,其表现视觉美感的能力也有独特之处。可以说,厚重、光泽、沉着、肌理、斑斓等特征,正是体现了油画独特艺术魅力的主要特征。

1.厚重
厚重是油画颜料质地浑厚、色彩浓重的表现,又是因油画以质地粗糙的亚麻布或者厚硬的纸张为载体而可以承受高浓度油质颜料的层层添加、反复堆积的必然。它也是油画富有很强表现力的重要关键。

2.光泽
光泽有两种表现:一是使用本身是油质颜料或再调油作画,全画面反射出光泽,或者在作品完成后再涂上一层发光油,使画面显得明丽而有光彩:二是利用油画颜料的可厚可薄和色彩的对比反差,使有关物体如金属制品、玻璃器皿等的光泽感如实表现出来。油画对光泽的表现,是其他任何画种都难以达到的。

3.肌理
肌理在此是指画面表层所呈现的不同笔触和各种纹理。由于油画颜料可塑性强,作画时一笔一刀地堆砌上去,画面表层就形成斑斑刀痕与笔触;又因为油画画布有其精细不同的纹路,在采用薄涂法、干擦法和用刀刮削等方法时,布的纹理也就自然地露了出来。油画的肌理效果,实质上是人的触觉感知转换于画面上形成的视觉心理的体验。

油画的分类

油画的分类

一般意义上的油画分为三类:人物画、风景画和静物画。
(1)人物画是把生活中具体的人作为表现对象,揭示具体人物的性格特征和社会生活风貌。欧洲的宗教题材作品都是以人物为描绘对象。圣母、基督等形象都来源于生活中的人物形象。15世纪,油性颜料的兴起,使画家能够更准确,更生动地表现人物皮肤和服饰的特质与光线和环境气氛的细微差别。贝里尼、达·芬奇、拉斐尔、提香等绘画大师的人物画作品,其真实感如见其人。17世纪的人物画,其形象更为自然、逼真、富有魅力。18世纪人物画技法更为娴熟。19世纪到20世纪,人物画的风格出现多样化。
人物画又可分为肖像画、风俗画、历史画和军事画。
①肖像画包括头像、胸像、半身像、单人像、双人像和群体像等。就性质而言,肖像画又分为纪念性人物肖像、盛装人物肖像、生活人物肖像、自画像等。自画像是众多画家惯用的题材。荷兰肖像画巨匠伦勃朗一生以肖像画作为自己艺术活动的主要目标,并且作了大约七十余幅自画像。
③风俗画是以表现社会生活、风土人情为题材的绘画作品。风俗画多取材于现实生活,最容易引起大众的共鸣。如法国米勒的《拾穗》、《晚钟》等。
③历史画主要表现人类社会发展中有意义的事件,其中包括神话传说、历史故事以及现代生活中有意义的事件。如董希文的《开国大典》、达维特的《马拉之死》。
④军事画是以表现战争为主题的作品。如西班牙画家委拉斯开兹的《布列达之降》。
(2)风景画作为一种独立体裁是17世纪荷兰画家始创的。在此之前,景物的描写多以人物画的背景出现。油画风景的发展大体经历了古典主义、现实主义、印象主义、后印象主义以及现代象征性风景等几个阶段。法国画家柯罗、库尔贝,俄国画家列维坦均是优秀的风景画家。
(3)静物画多取材于日常用具、花卉、水果、食品以及猎获物等。画家以物写情,通过对静物的描绘反映生活气息和时代特点。最早可以归入静物画范畴的绘画出现于罗马的庞贝时期,而作为独立画种始于17世纪的荷兰画派。艺术史上,对静画的发展产生过重大影响的画家有:卡拉瓦乔、柯尔内斯、夏尔丹、马奈、塞尚等。

油画的特殊技法

油画的特殊技法

油画的特殊技法,来自它使用特有的油质颜料和特有的刀具进行制作的特殊性。
利用富有弹性的油画刀进行绘画,是油画在使用工具上区别于其他画种的一个显著特点。刀法的巧妙运用,也是获取画面艺术效果的重要手段。

1.用刀技法:堆砌法
用刀堆砌与用笔厚堆,有其相似之处,都是把颜料较厚地堆到画面上去。但刀有刀味、效果不同,一般能使色彩明朗,并易于表现物体质朴、苍劲的效果。

2.用刀技法:刮削法
用刀刮削是油画的常用技法。它是与油画颜料不易干燥的特点相联系的。例如:为了追求特定效果,着意刮去画上的颜色,使之隐现底布的纹理;或因画上颜色不甚满意,把它刮掉,再揉捺上合适的颜料;或对已画景物用刀尖刮出留有底色的线条,等等。
油画用的油,主要是作为稀释颜料的媒介,种类较多,性能用途各不相同。如松节油挥发性强,使颜料干得快,常用于调色起稿;亚麻仁油俗称调色油,油性较强,在油画中用途最广;上光油用来涂于作品表面,以保护画面、增强光泽等。讲求用油技法,有助于提高画面色彩效果。

3.用油技法:浸染法
浸染是指以油调合颜料,使之在画面上产生浸化,以求得透明叠映、自然流畅以及非事先预料到的其他效果。

4.用油技法:衔接法
有些需要用较长时间反复进行制作的作品,在制作过程中,为了使色与色、笔与笔之间显得滋润而不生硬,可以使用专门的衔接油,有种称之为“媒介”的油膏,也就是衔接油:如果手头没有衔接油,也可用调色油进行技术处理。衔接油的使用和调色油的衔接处理,都有其特定的技法。

油画教学启示录

油画教学启示录

在油画(包括素描,水彩等西画)教学中,最常见的争论莫过于是走“写实”之路还是走“非写实”或“反写实”,之路孰是孰非的问题。如果承认将艺术中的各种的不同审美至于同等价值的地位上予以尊重是艺术鉴赏的基本前提的话,那么,艺术作品的高下来做最终的判断。尽管观念和想象力可以任意驰骋,但其实现的效果却只能听命于技术的表述。我们并不认为技术与审美之间存在着必然的因果关系——某种审美必定有一种特定的技术为支撑,或某种技术只能表现唯一的审美效果,而是强调技术教育使技术之作用抽象化而适于不同国度,民族,人种,个人。惟其如此,技术在不同个体的生命中放能焕发出适应于产生任何艺术风格之可能。而拥有严格的技术范围和理论科学这种完备条件的培养基地——学校才可能使受教育者学到纵(历代)横(同时代)两个向度的各种技术,为其个性的充分张扬和对审美的任何可能变化的最后实现建筑可供仍意调遣的丰富武库。

油画定义和鉴赏

油画定义和鉴赏

定义 油画是西方绘画最重要的画种之一。采用油画颜料绘制作品的历史可以追溯到中世纪,到15世纪才开始被广泛使用,16世纪中叶以后,油画达到相当完美的程度。

据记载,在油画被发明之前是采用一种叫作“丹培拉”的技法作画,由于这种方法不能满足画家的艺术表现和技法上的要求,于是画家们便开始不断探索,寻求新的表现材料和技法。15世纪佛兰德斯画家凡·爱克在前人研究的基础上,发明了这种用易于干涸的油彩混合颜料绘画的方法。因此他被称为油画的创始人,但比较合理的说法则是凡·爱克把油画这种艺术形式发展得更加完美了。

油画是用亚麻仁油或核桃油、罂粟油等一些快干油及经过处理的玛蒂树脂或达玛树脂等,调合各种颜色粉制成油画颜料和媒介剂在亚麻布、木板或厚纸板上作画的一种绘画形式。其特点是操作自由,有广泛的可变效果,颜色遮盖力较强,能较充分地表现出物体的真实感和丰富的色彩效果。500多年来,油画这一绘画形式一直被画家们所青睐,并受到欣赏者们的喜爱。

油画的鉴赏
*我们在欣赏一幅油画作品时,主要从作品的思想内容、艺术技巧两方面来鉴赏。任何作品都靠视觉形象来反映一定的思想内容。人们通过对这些形象的观赏进行一种精神活动。这种精神活动,一方面是作品所塑造的形象,把观赏者带到了画家所反映的一个艺术境界之中,引起思想感情上的共鸣,产生审美作用。另一方面是观赏者又根据自己的生活体验来认识和丰富了作品的内涵。从这一点上看,对一幅作品的理解,不同人所理解的深度是不一样的,它同观赏者的素质条件相联系。优秀作品所传达的思想内容,起到了陶冶人的情操,提高人的精神境界的作用