油画百科

如何借用肌理来表现物象的质感

如何借用肌理来表现物象的质感

借用肌理作画,以求得视觉的满足是古典写实绘画常用的技法。现代派画家更注重肌理,甚至将布片、草根、树叶等实物直接贴于画面之上。这里介绍几种借用肌理表现物象质感的油画技巧:

毛绒感:用小笔触有规律地点成一片或在铺好颜色的地方使用小笔杆、硬木棍等点出绒毛状。传统方法中有使用木屑、沙粒等物的,具体作法:将胶液涂于所需部位,胶面上撒上筛选后干净的木屑,待胶与木屑粘合后,清除多余木屑(竖起画框,在背面轻拍),干透之后为防止木屑吸油,要在表面喷一层胶液。董希文先生在画《开国大典》中的地毯时,使用了小米做肌理。

草丛的肌理:可以用小笔勾画。大面积的草地常采用干拖法,即用大笔蘸浓厚的颜色拖刷,颜色干后再拖,反复进行直到产生厚重的草地效果,可使用画刀、扇形笔等辅助工具。传统表现方法是用白颜料加快干油在底层上搓出草的肌理,干后罩色,为使色层丰富可再用小笔勾画。使用丙烯材料做肌理需要在表面喷胶后再着色。美国画家怀斯利用稍挤干的蘸满水彩色的粗糙画笔画枯草或毛皮的底层。

用乳胶调和大白粉或立德粉做成的粉膏可做多种肌理,但不能太厚,否则有脱落的可能,表现木纹等纹理时可借用刀具。着色时可以首先反向铺色。如画面效果是冷色调,那么先用暖灰色薄涂一遍(棕色加少量的黑色)。然后用干净的布擦一遍,颜色便会渗到肌理的缝隙中,这一层颜料可用丙烯,因它干得快且坚固,并对后面的多次表现起作用,松节油也不易洗掉。接下来采用刮、罩的反复制作就能达到预期的理想效果。

如何欣赏和收藏油画

如何欣赏和收藏油画

对于油画的欣赏,杨尧认为,油画与国画一样,同样讲究构图、布局和画面立意及意境,更重色彩。但画油画的工具不同,是用油彩画在布上,所以色彩和技法比其他画种更丰富、更多的变化手段。油画的层次也很丰富,表现力、立体感和三维空间都特强,真是可以把人带到一个真实的意境之中。

油画很强调真实感,表达的手段也越来越丰富了,例如可用刀刮、用笔画、贴麻布、贴报纸,甚至贴金属丝、纤维等等,力图给人视觉冲击力。

据行家介绍,油画的收藏其实很方便,因为它是画在制作好的麻布和木板上,材质坚固,除非天灾人祸或者风吹雨淋日晒,在通常条件下,是不会特别受潮的,即使保留数百年上千年都不成问题。投资油画可从选购小品开始,因为小品便宜,又能体现画家的个人风格与技巧。

油画小知识

油画小知识

从世界范围来看,俄罗斯的绘画作品具有着浓厚的艺术底蕴,但由于政治、经济等多方面的原因,俄罗斯油画与欧洲其它一些国家相比,在价格上的差距是十分悬殊的,甚至很多现代画家作品的价格,比我们国内一些画家作品的价格还要低得多。但俄罗斯油画的价格虽然不高,在艺术性方面却并不显得逊色,其价值也正处在一个被人们发现的过程。
油画其实产生于六百多年前,起源于欧洲,由镶嵌画和壁画演变而来,在木板或布上绘画,作为西方文化的一个重要组成部分,油画占有着不可动摇的地位。油画兴起于中世纪末期,同伟大的文艺复兴一起成长起来,经过几百年的发展,已形成了众多流派,造就了列宾、苏里科夫、达芬奇、丢勒、安格尔、毕加索等一大批艺术巨匠。
油画具有较强的表现力和艺术效果,丰富的色彩变化,透明、厚重的层次对比,变化无穷的笔触而产生的肌理,及其坚实的耐久性(可以收藏几百年而不变),使得油画几乎涵概了所有的绘画体裁。
俄罗斯油画起源于公元十八世纪的彼德大帝时期,它兼有东西方的文化色彩,鲜明的现实主义绘画理念,深沉、厚重、大气,有浓浓的理想主义情怀。俄罗斯是一个热爱艺术与绘画的民族,绘画作品具有较高的艺术性,表达了一种浓郁的俄罗斯风情。

油画技法的基本知识(3)关于笔触和画刀的使用

油画技法的基本知识(3)关于笔触和画刀的使用

笔触是油画中经常使用的一个术语。它的意思是画笔接触画布(纸、板)所留下的痕迹。笔触也就是笔法和用笔的问题。画家作画时运笔的方法不同、情绪不同,可以产生各种形状、节奏、气势不同的笔触,它是塑造形象的重要手段,是一种重要的油画技法。
正确而熟练地使用笔触对于是否能真实、生动地描绘对象的形体,色彩有密切的关系。初学时常常苦恼不知如何下笔,觉得横画,坚画都不对头。这是因为用笔、笔触都是和观察、理解对象相关的。不理解对象的形体结构和色彩关系,也就谈不上准确、生动的用笔和笔触。准确而生动的笔触是正确观察、理解对象的表现,是眼、脑、手协调一致的结果。深一步说,笔触和线条一样,还具有感情因素,不同的笔触可以给人以不同的情绪感受。对于成熟的画家,笔触带有明显的个人特征,是一个风格问题。例如,鲁本斯、伦勃朗和委拉斯开兹同是十七世纪的画家,但他们的笔触显著不同,一眼就可以分辨出来。鲁本斯的笔触潇洒豪放,伦勃朗的厚重多变,委拉斯开兹的自然贴切。近代以来,笔触的重要性受到进一步的强调。
笔触、笔法虽然因人而异、丰富多彩,但仍有规律可循。油画笔法归纳起来大致可以分为下述四类(由于笔法的重要性,这四种笔法也常称作油画的四种画法)。
平涂法
所谓平涂法,就是笔迹隐蔽、色层平整,不显露笔触的一种笔法。颜色可以是完全单一均匀的,也可以有变化,然而是柔和渐变的,可以局部地采用,也可以整幅画都采用平涂笔法。早期油画(如意大利文艺复兴时期的作品)大多采用平涂法。颇似我国传统的单线平涂的画法。稍后比较重视表现明暗、体积,但笔触仍不显露、柔和、光洁,如达芬奇、拉斐尔的作品。西方现代油画也大量采用平涂笔法,如高更的后期作品,马蒂斯的作品,常常采用平涂、勾线的画法,具有很强的装饰效果。
散涂法
所谓散涂法,就是笔迹显露,笔触分离,但色层厚薄变化不大的一种笔法。这种笔法在十六世纪末十七世纪初开始出现。十七世纪荷兰画家哈尔斯的作品是很典型的散涂法。散涂笔法至今仍是许多画家所采用的基本笔法。它要求根据对象的形体结构、体面转折关系,结合色彩使用笔触,塑造形象。也就是平常强调的根据形体下笔。这种笔法可大可小、可重可轻,运用自由,显得十分活泼多变。
厚涂法
所谓厚涂法,就是用色厚重、堆砌,色层错综重叠、厚薄相间的一种画法。厚涂法使油画表面高低不平,如浮雕一般,给人以厚实感,有助于表现物体的质感和体积感。厚涂笔法也是从十六世纪末、十七世纪初开始出现的,历来为许多画家所采用。伦勃朗的作品是使用厚涂笔法的范例。不过他采用的是透明画法,是厚涂笔法和透明的油色层相结合的方法。在直接画法中使用厚涂笔法的代表画家是莫奈、塞尚等人。塞尚常常使用画刀,把颜色厚堆上去。
点彩法
所谓点彩法,就是利用色彩的空间,视觉生理混合的原理,用密集的小色点的拼凑来塑造形象的一种笔法。这是一种在散涂笔法的基础上发展起来的画法。印象派画家莫奈常用的短小笔触,已接近点彩笔法。严格的点彩法是新印象派画家修拉、西涅所提出来并加以实践的,所以他们又称为“点彩派”(他们自己则称为“分光法”),基作品由无数的原色点组成,色点的大小是根据画幅的大小和考虑观画时的距离来决定的。这种点彩笔法画起来很受拘束而且费事,一幅作品要很长时间才能完成,因此除修拉、西涅克等少数几个点彩派画家之外,很少画家严格采用此法。但这种笔法所包含的色彩原理,却为不少画家所吸收和加以不同的运用。
油画还可以用其它工具代笔作画,常见的如画刀、毛笔、笔杆、手指等。其中以画刀的使用最为普遍,许多作品都是用画笔、画刀结合并用的,也有整幅都用刀画的。画刀有大小不等的型号,就是同一把刀由于使用方法、部位不同,能画出许多不同的效果。画刀画出的色彩比较鲜明,适合厚涂,可以象泥水区刷墙一样把颜色“糊”、“堆砌”到画布上去。反之,画刀也可以薄画,采用“削”、“刮”的方法,使色层变薄,甚至显露出画布的布纹。一般画刀多用来画对象上的高光、近处、实处,以造成一种突出、厚实的感觉。同时用“刮”的方法来画暗部、阴影、虚处和远处。此外还可以用画刀的侧锋画一些细小的线条等。(也可以用画笔的笔杆趁色层湿时“划”出,如画深色背景前的电线杆,栏杆之类。)
国外生产的油画笔除扁形方头的猪鬃笔外,还有一种圆形尖头的鼬毛、貂毛笔,我国尚末生产,但它与毛笔有些相仿,可用毛笔代替。用毛笔着色可以使色层显得柔和润泽,同时又适合用来画细部和一些细线条。例如用来刻画眼睛和嘴角这些需要精细描绘的细节,以及用来表现象冬日明亮天空前的枯树枝(先画天空,待色干后,用毛笔蘸颜色——混入油剂,画出树枝),这样画起来既方便又能画得很细致,容易画出树形的完整姿态。
为使色彩变得柔和、润泽、贴切,有时还可以用手指揉擦画面 。如人体、脸部、花瓣等对象时,可以局部地用手指揉擦,取得所需要的效果。
此外,还有用砂纸等工具参与作画的。例如曾来我国展出过的十九世纪法国画家勒帕热的《垛草》一画中的农妇,她的脸部和双手色彩十分细腻,柔和,看不出一丝笔触,十分逼真。这是怎么画出来的呢?原来画家是先用笔画,再用砂纸打磨,消除笔迹,然后再施以透明的油色,渲染而成。这种用其它工具参与作画的方法还很多,而且是在不断创造发展的。
油画的笔法、笔触技巧是很丰富的,初学时最重要的是应首先明确笔触是塑造形象的手段之一,而不能片面追求笔触。要学习把笔触和色彩有机地结合起来,根据形体下笔。在上面谈到的四种笔法中,最重要的是散涂笔法和厚涂笔法。初学时应首先学习散涂笔法,再逐渐结合顾涂笔法。因为这二种笔法不仅充分体现出油画的性能,要求色彩一素描的统一,能真实地刻画形象,而且变化丰富,可以根据不同的对象,灵活运用,最适合基本练习的要求。
对初学者经常强调的用笔要“摆”和“压接”的画法,也就是一种散涂笔法和厚涂笔法。所谓“摆”,就是笔触要根据形体结构和色彩关系,一笔笔地画上去(象镶嵌画似的),达到笔笔融合。这是依靠色彩自身的准确性,达到表现对象的体面转折和色彩的渐变过渡。这要靠理解而不是靠模棱两可的用笔涂、扫、刷来获得的。这种用笔方法能严格地训练自己,并使画面色彩关系明确,形体结实。所谓“压接”,就是先画的颜色比原来实际的形体要画得大一些,第二、三笔颜色画上去时,是压放在已画的色层上,压出原来的形。这就是油画中常说的“先破形而后有形”,是一种色层、笔法厚薄相同的画法。“摆”和“压接”结合起来,再加上前面提到过的用刀刮和厚堆,表现是很丰富的,也能充分表现出油画的性能和魅力。
油画用笔一般在画暗部、阴影、虚处和远处,笔触宜乎、薄和不要显露。反之,画亮部、受光处、近处和实处,笔触宜明晰、厚重。但平薄、厚实、模糊、清晰的程度如何,要根据对象和整幅作品的处理意图,具体考虑。一幅画的笔触,同样要求变化则又统一。
初学时也宜多用大笔,大块大块地画。油画可以“压接”、覆盖,使用大笔也可以刻画细节。要避免用小笔谨慎微地细抠细磨。初学时整体观念本来就比较弱,再用小笔就更容易离开整体去钻细部。
为了使画面色彩鲜明,有倾向性,而避免产生“粉”、“灰”、“脏”等毛病,画笔要尽可能保持干净。要多准备一些擦笔纸,调色时要勤擦笔,画笔可分类使用。例如,画人物头像时,可以画背景用一支笔,画服饰一支笔(背景、衣服的颜色比较复杂,色彩距离大,可以多用一二支笔),画面部二三支笔,一支用来画亮部、中间色,另一支用来画暗部、反光,再一支用来画头发或头饰。

油画技法的基本知识(4)关于画布底子的利用

油画技法的基本知识(4)关于画布底子的利用

巧妙地利用画布底子(主要是指布纹),是油画技法的一个组成部分。它影响笔触,也关系到画肌的构成,最终与形象的描绘大有关系。画家们都十分重视选择不同的粗细、凹凸的布纹结构,把它们组和自己的画面。一般来说,粗纹画布比较适宜于厚涂和多层画法。细纹画布则比较适宜于平整妥贴的运笔。在画暗部、阴影、虚处、远处时常常色层较薄,用刀刮或用稀薄的油色淋、擦,露出明显的布纹。而在画亮部、受光处、近处、实处时则用厚涂,盖去布纹,突出笔触和色层结构。通过这种对比,使人感觉到一种塑造感、浮雕感,增强画肌效果和有助于形象的描绘。
在其它油画底子(纸、板)上作画,有些画家也常常利用画面底子。例如纳比派画家维亚尔和波纳尔,他们喜欢在有底色的纸板上作画,并经常露出一些底色,成为整个画面色彩的组成部分,使画面的色彩,用笔显得生动活泼,具有特殊的画肌效果。不过这中间含有一定的趣味成分,有一定的偶然性,初学时不要从表面上去模仿、追求。
五、关于如何避免出现吸油现象
所谓吸油现象,是指已经画好的油画在过了一段时间之后,画面颜色由于失去油分,色彩变灰、变暗,甚至发黑、龟裂等不良现象。造成油画吸油现象的原因是多方面的,最常见的一个原因是初学时片面地认为油画是可以覆盖、厚涂的,而随意涂涂改改、厚堆厚加而引起吸油现象。
油画颜色的确有很强的盖色力,可以覆盖、厚涂,但这只有在画面颜色潮湿时或已经充分干透了的色层上,才能进行。如果已画的颜色实际上没有干透,只是表面上结了一层硬皮(薄膜),在这样的硬皮上涂盖颜色,事后画上去的颜色的油分就会被低层颜色所吸收,而出现吸油现象。因此,要牢记不在似干而实际未干的色层上作画。
长期作业过程中,每次结束时都要对整个画面的颜色作一番估计。对认为没有画好,需要再画的地方,应该用画刀将颜色从画布上毫不吝惜地刮去,等下一次重画。这样做,不仅可以避免出现吸油现象,而且可以使分多次画完的作品看起来象一次画完似的。或者,是等已画的色层干燥后再往上画颜色(一般来说,第一天上午画的色层如果不是太厚,第二天便已干了,可以接着画。但是阴雨天、黄梅天情况就不同了,要干得慢些)。
如果画上颜色未曾事先刮去,表面上已结起了硬皮,就不要再在上面继续加色,可以采取如下几种办法:一是用刮胡子用的刀片小心地把硬皮清除掉;二是用切开的生蒜,轻轻涂擦颜色硬皮,利用蒜汁使硬皮化开;三是在需要再画的地方蒙上一层纱布,用干净的画笔蘸一些阿莫尼亚水,轻轻涂刷,直至下面的颜色硬化开(一般纱布应当敷上二十三十分钟,再用清水洗涤敷过的地方,清除阿莫尼亚水,让其干燥即可再画)。上述这些方法都是比较麻烦的,可见重要的还是在于预防。
吸油现象产生的原因除上述之外,某些颜色存放太久,锡管封合不好,油分走漏,用这样的颜色作画也会出现吸油现象。还与画布的底子有关。涂胶、涂油质底子不匀或未涂刷到,画布上的这些地方也会出现吸油现象。
如果已经画好的作品发现吸油现象,又无法将色层刮去重画,就只能在吸油的地方擦上光油、或调色油,再作补笔。

油画技法的基本知识(2)关于油剂的使用

油画技法的基本知识(2)关于油剂的使用

直接画法也可以不使用油剂,但一般或多或少都使用亚麻仁油(“调色油”)、松节油。各人的习惯不同、画布底子的不同和描绘对象的不同,油剂的使用也各不相同。一般来说,调色油与油画颜色相混合,可使颜色变得稀薄、透明或半透明,并保持颜色的光泽感,有助于运笔的流畅自由。调色油的干燥程度一般与油画色相同。遇到油画布(纸、板)底子太过干涩、粗糙,油画颜色太过浓稠时,可适当调入调色油。在一暗部、阴影和虚处,为了使色层薄,富有空气和透明感,也可适当调入调色油。在已干的色层上重新上色,可以先擦一点调色油,以防止吸油。
松节油比亚麻仁油更能起稀释的作用,但松节油没有光泽感。用松节油稀释颜色,薄薄地画到画布上,可以有类似水彩画的效果,可以大笔挥写,一般多用来起稿,铺大色调。为了让画面颜色快干或不要有发亮的光泽感,调色时都可适当混入松节油。
为了达到稀释、快干和又能保持颜色的光泽感,常把调色油和松节油混合起来用。在油画开始阶段多按松油二份、调色油一份的比例混合(松节油所占比例也可更多些),主要起稀释的作用。油画的后期,二者混合的比例可以倒过来,以保持颜色的光泽感。这也就是所谓的“始以淡彩,终于油彩”。
某些介绍油画技法的小册子说使用松节油会使颜色变暗、变黑而使用调色油可以保持颜色的色泽和光泽。这样笼统地说是不恰当的。我 现在生产的松节油质地纯净、透明,一般使用对颜色并无不良影响,只有画布底子做得不好,太多使用松节油和来回涂改,才会影响颜色。而目前生产的调色油,油色带黄,对颜色的色泽倒是有所影响,多用会使色彩变黄变暗,一般没有必要,以少用为好。
涂上光油可以避免作品受水气和污浊空气的侵袭,不易退色、变色、龟裂,保持色彩的光泽感。涂上光油必须等画面油色完全干透,一般需在作品完成后一年以上,还要避免在潮湿天气涂上光油。涂上光油前,最好先用洁净的松节油把画面轻轻擦 洗干净。一些旧油画把画面擦洗干净后再涂一层上光油,可使旧画翻新。涂上光油后,画面有一层发亮的光泽。时间久了上光油容易变成淡黄色,会影响画面的色彩。所以也有画家不喜欢给自己的作品涂上光油。初学时的习作也无需涂上光油。

油画技法的基本知识(1)

油画技法的基本知识(1)

下面把油画技法的一些基本知识分成数点加以介绍。在实际作画时,它们是密切结合在一起的,是无法截然分开的。而且,下面所讲的也不是死板的公式,作画时要从具体对象出发,灵活运用,大胆创造。
一、关于颜色的使用
油画颜色的使用、油画的色彩方法,总的说来也不外乎混合、重置、并置这三种。只是由于颜色性能的不同,油画颜色的混合、重置、并置,又有自己的特点,是和水粉画,水彩画有所不同的。
混合法
通过不同的颜色的混合,调配出所需要的色彩,这是油画最常用,最基本的色彩方法。油画写生时很少完全使用从锡管里挤出来的原色。尤其象画人像、人体时,用色都需要经过仔细的调配,才能得到许多接近而又有变化的色彩。水彩、水粉画颜色混合时,水是重要的结合剂,画到纸上时可以利用水分,助帮色彩的衔接和转折,会有一些偶然效果。油画在表现对象形体、色彩的转折时,是靠色彩自身的变化,是靠一块块色彩的拼接、压接,表现对象复杂的色彩、素描关系。因此,油画写生时,不仅要准确地观察,理解对象的形体结构和色彩关系,而且要有准确、得心应手地混合颜色的能力,要有熟练的调色技巧。
油画颜色混合时,同样是以红、黄、蓝(青)作为三原无能。颜色相调时,种类也不宜过多(除白色外,一般不宜多于三色),时间不宜过长。过多、过久都会使混合了来的颜色变灰,变脏,影响色彩的鲜明度和光泽感。
调色时,要把调色板清理干净,除了用笔调色外,还可以用画刀调色。画刀容易保持干净,混合所得的颜色比较新鲜,不易调”死“。
油画颜色的粘着性,遮盖力都是相当强的,但程度也有差别。调色时要熟悉各种颜色的染色力和盖色力。染色力强的颜色如玫瑰红、普鲁士蓝等,调色时只用少许这些颜色,作用就很大。玫瑰红还有泛色的毛病(油色干透后会泛出玫瑰红的淡紫红色),这二种颜色都宜少用。此外,深红、紫红、翠绿等色的染色力也较强。相对来说,染色力强的颜料,比较适合薄涂,也较透明。盖色力强的颜色适合用来厚涂,覆盖,粘着性强,不透明。一般土质颜色和白色的盖色力都比较强(其中锌钛白的盖色力更强一些)。
调色时还要考虑颜色的耐晒性、耐久性,应尽可能选择耐晒性强的颜色,锌钛白、淡铬黄、土黄、金土黄、生赭、桔黄、熟褐、朱红、大红、翠绿、钴蓝、酞青蓝、群青、钴紫、象牙黑等国产颜色的耐晒性都比较强。
油画颜色与水粉、水彩画颜色比较,在颜色混合时,容易产生化学变化,而影响色彩的耐久性。例如含硫化物的颜色(如镉类颜色、群青、银朱等色)与铁土质的颜色(如土黄、土红等土质颜色)、与含钴颜色(如钴蓝、钴紫等),都容易产生化学作用,调出来的颜色日久易变暗变黑。
初学时,对这些不必太过注意,以免束缚自己的手脚,影响对形象的观察和表现注意力。在绘画实践中逐步了解各种颜色的性能和混合效果,在有一定的基础之后,再阅读有关专门介绍油画颜色成分、性能的书籍,即可解决。
重置法
这是利用色层上下重叠以取得所需要的色彩效果的方法。油画颜色虽然一般说是不透明的,盖色力强,但如果和调色油、松节油混合,也可以变得很稀薄,而有透明、半透明的效果。因此通过色层的上下重叠,利用光的透射,可以获得新的色彩效果。透明画法就是色彩重置的方法。如前指出的它也具有丰富的表现力。自从直接画法取代透明画法而成为油画的基本方法以来,不少画家在画暗部、阴影等处时,仍然用比较稀薄、透明的油色(但仍是色彩重置的方法。直接画法常常采用的一些颜色,斑驳陈,以取得所需要的色彩和画肌效果,这也是一种色彩的重置方法。)。
并置法
这是二种或数种颜色并列在一起,通过空间和视觉生理混合,取得所需要的色彩效果的方法,如红、蓝小色点排列在一起时,远看起来变成紫色。这种通过视觉生理混合排列在一起时,远看起来变成紫色。这种通过视觉生理混合得到的色彩,要比在调色板混合出来的颜色来得活跃、跳动和富有空气感。油画颜色不调用清水,颜色不会流动、渗代,容易保持清晰的笔触和色块(色点)的形状,可以象镶嵌画似的一笔笔、一块块地拼接,在一定的距离上看起来,形成完整的色彩形象。因此,色彩并置的方法在油画中是比较多见的。在古典绘画中,散涂笔法的出现已经具有色彩并置的含义。只不过当时的画家还没有自觉地从色彩理论上来认识。十八世纪法国画家毕托、十九世纪的德拉克洛瓦所运用的分离笔法,也就是一种色彩并置的方法。随之,印象派和新印象派画家,根据色彩的光学原理开始自觉地、大量地使用色彩并置的方法。他们结合点状、条状的用笔,使色彩并置发展成为一种专门的油画技法。这种技法。对于描绘阳光、空气的相互辉映的光色气氛,特别富有表现力。色彩并置的方法还容易获得一种装饰效果。新印象派代表画家修拉的作品,带有明显的装饰趣味。后来,后期印象派画家凡高所使用的条状笔触、纳比派画家波纳尔的点状小笔触、奥地利维也纳分离派画家克里姆特用色点组成的风景画,都是运用色彩并置方法的范例。
色彩并置法需要较深的色彩知识和绘画实践经验,初学时不宜急于尝试,更不要从表面上去盲目模仿。可以通过鉴赏莫奈、毕沙罗、修拉、凡高和波纳尔等画家的作品,逐步了解各种色彩并置所产生的不同效果,经过自己的真正理解和消化,适当地运用。

油画的特点

油画的特点

油画经凡·爱克兄弟革新后,迅速成为西最主要的画种,并在全世界范围内广为流行,这是与油画工具性能的优越和丰富的表现力所分不开的。 油画与水彩画、水粉画相比,水彩、水粉画虽各具长处,有其它画种不能代替的特点,但在工具性能和表现力上都存在着明显的局限。例如,水彩画的水分不易控制,水的流动性、随意性和对作画时间的限制,影响对对象的精确、具体的描绘,画幅也不能太大,画面怕光、怕晒、怕潮,极易褪色,难于保存。水粉画虽然表现上比较自由,可大可小,可粗可细,表现手法也比较多样,但由于颜色含粉量大,使画面色彩干湿变化显著,不易衔接和修改,暗色调和丰富的中间层次比较难以表现。水粉画的画面也怕潮、怕晒,颜色易发霉、脱落,同样难于长期保存。相对来说,油画就不存在这些问题。油颜色的色彩丰富、稳定,不发生干湿变化。作画时,油色干得不快不慢,可以仔细考虑,从容下笔,色块的形状、大小、方向都比较容易控制,容易衔接,也便于修改。油画颜色色既可以变得十分稀薄,具有透明、半透明的效果,又可以十分浓稠,具有极强的遮盖力和粘着性,可以多层次地覆盖、厚涂,可以进行长时期的制作。油画的表现形式和手法,也十分丰富多采,可大可小,可粗可细、可薄可厚,透明与不透明,灵活多变。总之,油画的工具材料的性能具有比较明显的优越性,绘画中的各种造型因素色彩、明暗、线条等等都可以得到综合的、充分的运用。油画可以非常具体地、细致地表现对象的全部造型和视觉的特征——即再现对象在具体的时间、空间里的光色关系、明暗层次、形体结构、空间感和质量感,使画面形象达到异常逼真的地步。而且,油画颜色干透后,十分坚固,不易损坏,可以长期保存。韩默藏画在我国展出时,其中有鲁本斯、伦勃朗的原作,虽然已经历了数个世纪,仍光彩夺目,恰似新画一般。
再从画面总的效果来看,如果说水彩画给人以透明、轻快、流畅的感觉,水粉画给人以鲜艳、柔润、浑厚的感觉,那么油画的特点是丰富、厚重、沉着和有光泽感。由油画的色彩、笔触和色层厚薄相间(包括把画布布纹组织入画)所构成的油画画肌显示出油画独特的质地感、质地美,并且十分丰富多变。
当然,油画也有它的局限。大家常把油画比作是交响乐、重武器,可以说是很恰当的。交响乐音响丰富,震憾人心,但并不能替代轻音乐。大炮打得远,威力大,但某些地方比不上一支小小的手枪。油画就不象水彩画、水粉画那样简便易行。油画对工具材料的要求较多,价格比较贵,要配套配齐很不容易。尤其在我国农村,很难看到油画原作而且缺乏油画教师。要学油画又要有一定的素描、色彩基础,因此油画比较难于普及。油画的工具材料又多又重,画面油色也不象水彩、水粉画那样快干,外出写生、携带都不大方便。油画的表现力、表现手法虽然是丰富多彩的,但也不是万能的。某些绘画体裁、样式,如年画、插图、连环画以及象工艺图案设计等,采用油画并不是完全不可以,但毕竟不大合适。我们也需要通过实践,更好地了解和掌握油画的性能,扬长避短,充分发挥油画的长处。

油画工具材料及其制作和使用

油画工具材料及其制作和使用

在开始学习油画之前必须准备以下一些工具材料,它们多数可以在市场上买到,如果不称心,可以自己再作些加工,也可以自己制作。 一、颜色
我国现在生产的油画颜色有五十种左右,一般备用十多种就可以了。常用的颜色如:锌钛白、柠檬黄、淡铬黄、中铬黄、桔黄、土黄、生赭、赭石、熟褐、朱红、大红、深红、玫瑰红、粉绿、中铬绿、翠绿、橄榄绿、湖蓝、钴蓝、群青、紫罗兰、钴紫和象牙黑等种。白色使用较多,要多备一些。选购颜色时,如发现有漏油现象(锡管尾部有油渗出),属于质量不好。我国目前生产的油画颜色质量也有多种,有些还不大稳定,不同的牌号、批号的颜色,质量不大一样,要在作画过程中注意观察,了解各种颜色的不同性能,逐步积累经验。
二、调色板
在文具、美术用品商店有调色板出售。也可以用三合板、五合板自制。其形状多为长方形、椭圆形,尺寸可大可小,一般在35*25公分左右,锯好后用砂纸打磨,再涂上一层光油或调色油即可使用。(如果找不到合适的木板,也可以用普通的玻璃板在背面贴上一张白纸代用。)
在调色板上挤放颜色,一般是在上边沿和左边沿,也要按一定的顺序放置颜色,不要随便更改,养成习惯,方便作画。每次作画完毕,要清理调色板,用刮刀把调色区域内的剩余颜色全部刮去,再用抹布擦净,保持光洁平滑,好似镜面一样。挤出来的颜色如未用完,接着要画,可留在调色板上待用。但一般也应刮去。调色板使用久了,挤放颜色的区域色层堆积太厚,可对着炉子微微加热,再用刮刀刮平。
三、油剂
油画所用油剂种类很多,一般是三种:调色油、松节油、上光油。它们性能不同,各有用处。
调色油
是用来稀释颜料用的,有时油画颜色比较厚就需要醮点油使它稀薄一点方好用。在文具、美术用品商店出售的“调色油”,即亚麻仁油,用来调色,可增加油分,使颜色稀薄,变得透明,增加光泽。油质以透明(微黄)和不要太浓的为好。如果油色太黄,或是在其它地方买不到,也可以自行改良制作。方法是把亚麻仁油倒入宽口的无色透光的玻璃瓶中,在油中浸放一小块干透了的面包或馒头,用纱布把瓶口封好,把瓶放在阳光照到的地方,二、三个月后,油色净化,变得透明,即可作调色油用。(如买不到“调色油”也可使用核桃油,并可自制,方法是把核桃仁放在锅里,加进一点水,象熬猪油一样,即可熬出核桃油。核桃油调色比亚麻仁油快干一些。)还有一种方法:买生亚麻油,放在盆子一样的宽口容器里,油中放少量活性碳,用来吸附杂质,盆口盖一块玻璃,注意不要完全密封,与盆口之间留有通气空隙然后在阳光下晒两星期,经过滤后,是最好的调色油。
松节油
松节油以无色透明的为好。松节油主要用一稀释颜色,并使色层快干。松节油有较强的挥发性,不使用时要把瓶口盖紧。一般用来起稿子。用松节油画画干得较快,有时会把颜料里的油份一起挥发掉,使油画吸油变灰,因此常常是掺在调色油里用。也有的画家不用调色油,只用松节油画画。
上光油
它是在油画完成并干透以后一般需六个月用来刷在油画表层的油。涂过上光油的油画色彩透明有光泽,并能起到保护油画色层的作用,但必须注意要涂得尽量薄而均匀,不要在画面上积起来。上光油用多了画面要发黄,因此最好选用色泽透明的上光油,使用古典的技法的画家一般都用上光油。近代许多画家很少用甚至不用上光油。因为他们不希望油画发光,有的则有意使油画吸油,有时也只在吸油比较严重的暗部稍涂一点。一方面因为上光油对油画颜色有一定影响,另一方面发光的油画在展览时容易有反光,展览效果不好。
油壶
在文具、美术用品商店有专制的油壶出售,用来盛放调色油、松节油、可插在调色板上,使用方便。但这种油壶不易买到。初学时可用普通的小药瓶代替,或用铝、铅片自行制作。
油画笔
我国现在生产的油画笔,按大小分成十二种型号,初时可隔号选购,一般备有大、中、小不等四、五支笔就够用了。国外另有一种圆型尖头油画笔,也分大小型号,适用画细部、勾线。我国也有,也可用毛笔代替。画笔是用一取颜色并把颜色放到画布上去的,它和毛笔水彩笔不同。油画颜料较厚,只有比较硬的笔毛才能把颜料捞起来,初学的人不习惯,常常象拿毛笔一样把笔毛放到颜料里去醮一下就往布上涂,结果醮了好几次画布上还是没有什么颜色。应该把颜色捞起来放在调色板上调合,再把它放画布上去。有时可以醮点油调得很稀,有时需要很厚的一堆颜色堆砌到画布上去。握笔的方法有直握与横握,一般描写都取直握。涂大面积或需要比较有力度时常用横握。作画时的笔法很多,笔法是根据画家表现的需要来决定的。有时平刷,是求得大片平整的效果,有时厚堆是为了让笔触突出画面,使物象引人注目。一般笔法有摆、刷、点、划、勾、挑、皴、擦、拍、贴、描、拖、扫、按触、挤、转等等。再加上颜色厚薄、用笔大小、用力轻重、速度快慢、力度变化等等,可以说笔法是变化多端、无究无尽。这些都需要在学习过程中逐步体会掌握。为了达到某种表现效果,有时也用手指揉,笔杆划,或用刮刀画。为了油画表现的需要,可以采取种种手段,画笔只是其中一种主要的表现工具而已。
画笔每次用过后要用肥皂或皂粉洗净,并用小纸将笔毛包好压平以保持它原来的形状。如果连续作画,懒于洗笔,每次画完后可把笔浸泡在松节油(这是最好)或汽油、清水中。国外有专制的油画洗笔罐(瓶),外壳是玻璃(或金属、塑料)、大口,罐的中下部装有一块可以活动的、有许多小孔的金属板(或塑料板)。使用时在罐中倒入松节油、或汽油,再把笔放入罐中,松节油把笔上的颜色浸化后,洗下的颜色液透过金属板的小孔,沉入罐底。下次作画时,画笔已基本洗净,用布或纸擦一下即可使用。这种洗笔罐很简单,可自行仿制。
此外,作画时还需要准备一些废报纸(或抹布)用来随时擦笔,以保持笔毛干净。
画刀和刮刀
画刀又名调色刀,比较小,刀口薄而富有弹性,它可以用来调颜色,并象画笔那样把颜料堆放 到画布上去作画。也有全部用画刀作画的。用画刀作画可以造成一种画笔达不到的效果,它适合表现岩石、建筑物等质地坚硬的物体。用画刀作画,颜料用得比较多,堆得比较厚,刀痕明显,感觉坚实有力,而且由于布纹被颜料布满,色层表面光滑,颜色一般要亮一些,而且不容易画脏。画刀也可以用来刮去画面上不好的地方。刮刀比较厚实,弹性少,主要用来铲去调色板上不用的颜色,作画不太适宜。如下图:

油画布 通常可以买到的油画布不外两类:一类布纹较粗,一类布纹较细,可以根据自己的爱好选购。画布的质地以亚麻布为好,这种布的织纹美观,质紧而有韧性,比较牢固;棉布质地较松,易受温度和湿度变化的影响,时间长了画面容易脆裂,织纹也不如麻布好看;化纤织物弹性较差不宜采用;混纺布因化纤和棉的收缩程度不同,画面容易出现裂纹,也不宜采用。布纹以经纬线的为好,切不要用斜纹布做画布。买来的画布有的质量较差,表面没有光泽,画上去的油画颜料中的油份容易被吸进去,使色彩变灰变暗。补救的办法可以在画布上再涂上一层涂料。最简便的办法可用白油画色调入适量掺了松节油的调色油,稀释以后用大画笔或刷子在画布上薄薄地、均匀地再刷一遍、待干透后就可以用了。
油画布的制作方法:
做油画布旯选用亚麻布(布纹有粗细之分,可根据需要、爱好选用)、麻布和棉布(白扣布)等。用来包装商品的打包布,百货商店常常称斤出售,价格低廉,布纹较粗,质地结实,也很适合做油画布。
先将布裁剪成比内框稍大一些(每边大出二——三公分),然后把布绷紧在内框上。绷布的方法是从内框侧面的中间钉起,对边轮换着钉,逐步钉向两角。要把布尽量拉紧、拉平,布纹的经纬要与内框边平行,绷紧的程度好似鼓面一样。钉子最好用鞋钉,一般不宜把钉子钉死,露出一些,以便需要时容易把画布拆下,钉子的间距一般是五公分左右。布绷好后,用清水把画布喷湿,使它缩水,干后可以开始涂胶。
画布涂胶一般是用牛胶(或鱼胶、龙须菜液等)。先将胶砸碎,在清水中浸泡十来小时,使其泡涨、发软(胶与水的比例是1:15以上),然后隔水用文火慢慢把胶化为胶液(切忌把胶液煮沸,煮沸会使胶性大减)。胶液不宜太稠可用手指蘸一点试试,感到有些粘性即可。接着用排队笔或刷子把胶液薄薄地、均匀地顺次刷到画布上。刷毕把画布举起来对着光亮处,检查布孔是否已经蒙住(蒙住为好),并检查布面是否平整,有否线结,如有发现,可用刀片把线结清除,用砂纸轻轻打磨。接着再刷一遍胶。一般画布刷二遍胶即可,如画布布纹很粗,可适当多刷一、二遍。涂胶后让画布在通风处晾干(切勿在太阳下晒、在炉旁烘烤)。
下一步是涂底子。底子涂料有各种不同配方,相应产生各种不同的效果,这是制作画布十分重要的一道工序。初学时所用画布的涂料不必太讲究,从节省、实用考虑,可采用最简单的油质底子或胶质底子。
油质底子是由亚麻仁油(或鱼油)和立德粉混合构成(讲究的还可加入蛋黄和少许蜂蜜),调配成稀薄的油粉质涂料,接着薄而匀地刷到涂了胶的画布上去,一般刷一、二层即可,以刷匀、刷满而又能见到布纹为好。涂好后让其慢慢晾干,数月后便可使用。
胶质底子的做法是,先将胶煮成胶溶液,同时用清水把立德粉调好后倒入胶溶液(最好也加入少许蜂蜜,以增加柔润程度),搅拌混匀,然后刷到涂了胶的画布上去,第一遍干后再刷一遍。干后即可使用。
油质底子和胶质底子的画布各有特点。前者不吸油,画面有光泽感;后者吸油,画面无光泽感,不产生反光。可以根据爱好、需要分别选用。
油画纸的制作方法:
初学时画速写、短期写生作业,用油画纸是既方便又经济,油画纸的制作方法也简便易行。卡纸、白板纸等较结实的硬纸,都适合做油画纸。印刷厂处理报废的板纸,又便宜又适合作油画纸。如果是用来画小幅的风景写生,也可以用制图纸和图画纸来做油画纸。
刷油画纸的涂料,种类很多。最简单的是到化工商店买乳白胶,在乳白胶中加入清水,调匀调稀,用排笔均匀平整地刷到纸上(干后如觉得胶液稀了一些,便再刷一二遍),干后即可用来作画。此外也可以用牛胶溶液,前面提到的做油画布用的油质底子、胶质底子涂料,同样平刷到板纸上,晾干后,即可用来作来。
也可以用滚筒把涂料滚到纸上去,或在涂了油质底子之后用铁丝窗纱(或塑料窗纱)平压,都可以使画纸表面形成细微的凹凸不平,类似画布表面的布纹效果。
现在美术用品商店出售的油画纸,是在板纸上贴有一层布面的,做起来比较费事。做法是先用胶溶液把布贴在板纸上,要贴平粘紧,干后再刷涂料。
初学时,还可以把每次作画后留在调色板上的多余颜色用刀刮涂在画纸上,干后也可用来画小幅风景写生。这样做成的油画纸,常常具有不同倾向的底色,作画时可以根据对象色调的需要选用,对掌握色调有帮助。
油画板的制作方法:
油画也可以画在木板上。达芬奇的名作《蒙娜丽萨》 就是画在木板上的。现在用来做油画板的,多是三合板、五合板和纤维板等。先在木板的四周和背面涂上一层光油,以防木板受潮、变形、裂开。干后再在板面刷上涂料。
画框
油画框分内框、外框二种。内框是用来绷画布的,外框是油画完成后,框在作品四周,用来装饰、衬托作品的(也有保护作品的作用)。
用油画布作画,小幅风景写生可以把画布钉在画板上,画幅稍大的就需要绷紧在内框上。内框现在市面上买不到,规格尺寸又要随画而定,因此学油画的也要懂得制作内框的基本要求和方法。
做内框的木料以干燥、平直和无裂缝的松木为佳。木料应刨成扁形的长方形木条,其宽、厚要视内框的大小来决定。一般宽度为四公分左右,厚度为二公分左右,绷画布一面要外口厚、内口薄一些,由外向里倾斜(背面是平的)。四个角要保持直角不要歪斜不平。四角接头最好是榫头,内边如能装上木楔就更好,以便随时可以调整画布的张驰。大的内框,应当装上横梁,可装一至二条,或用十字梁。横梁的厚度要与四边的内口的厚度一样,不要过厚凸出来 。
下面附“国际油画标准尺寸”,从制作内框时参考。(尺寸单位:公分)

号码 人像 风景 海景 1 22*16 22*14 22*12 2 24*19 24*16 24*14 3 27*22 27*19 27*16 4 33*24 33*32 33*19 5 35*27 35*24 35*22 6 41*31 41*27 41*24 8 46*28 46*33 46*27 10 55*46 55*38 55*33 12 61*50 61*46 61*38 15 65*54 65*50 65*46 20 73*60 73*54 73*50 25 81*65 81*60 81*54 30 92*73 92*65 92*60 40 100*81 100*73 100*65 50 116*99 116*81 116*73 60 130*97 130*89 130*81 80 146*114 146*97 146*89 100 162*130 162*114 162*97 120 195*130 195*114 195*97 油画外框的式样、风格十分丰富多彩这里不作介绍,参观画展地可留意外框的装配,积累知识。初学时,如作品要展出,最简单,大方的办法是在作品的四周钉上一条狭边。外边木料的宽度一般在1——1。5公分左右,厚度应比内框的厚度稍厚,略高于画面,可呈外高内低的斜面、也可呈圆弧形,最后涂上颜色,一般多有白色,也可以用其它颜色(要与画面色彩有衬托、协调的作用。)

油画写生基础

油画写生基础

概述
油画是用油质颜料在画布(纸、板)上作画的一个画种。它起源于欧洲,流行于全世界。(也有一种说法认为油画起源于我国,我国古代的漆画也是一种油画,传到欧洲,对欧洲油画的发展起了促进作用。)
欧洲古代和中世纪时的绘画,主要是“胶彩画”(用胶水调色作画)、“蜡画”(用蜡调色作画)、“鲜画”(即“湿壁画”)、“蛋粉画”(用鸡蛋和胶水调色作画)。它们的表现方法和画面效果已近似油画,对油画的形成和发展有重要影响。不过,它们的工具性能和作画方式都存在不少缺点,作画很不方便。例如,蜡画要把蜡加热,趁热作画;鲜画要趁墙壁泥灰水潮湿湿时作画;蛋粉画由于调用蛋黄,颜色干得太快。因此,古代画工们一直在寻找更为理想的绘画工具材料。有人就想到用油调色作画。从欧洲十世纪以来就有关于用油调色作画的记载。但是都停留在零星的尝试上,找不到理想的调色油剂。
下到十五世纪初,北欧文艺复兴时期尼德兰画家凡·爱克兄弟(胡伯特·凡·爱克1370——1420,杨·凡·爱克1385——1441),总结前人的经验,经过反复试验,终于找到了理想的调色油剂——亚麻仁油、核桃油。用它们研调的颜色,色彩不变,色层牢固,干得不快不慢,便于作画。经过凡·爱克兄弟的革新(他们因此常被称作是油画的发明人),油画开始成形,并且很快地传到意大利等国,迅速成为欧洲绘画中的主要画种。数百年来,油画的工具材料和技术得到了不断的改进和发展,名家辈出,流派纷呈,构成了瑰丽发彩的艺术传统。
油画传入我国主要是在清末民初之际,由于历史和社会的原因,长期发展缓慢。油画在我国得到真正的重视和发展,是在新中国成立之后。随着美术教育、出版、展览以及中外文化艺术交流的日益发展,油画这一外来艺术形式已逐渐为我国人民群众所熟悉和喜爱,油画作者队伍也不断扩大,并出了象《开国大典》、《蒋家王朝的覆灭》和《父亲》等大型油画创作。油画已和中国画一样,成为我国主要的画种之一。当然,也应看到油画对我国来说,毕竟是一个外来的画种,还需要继续向外国学习和借鉴,进一步探索油画的中国气氛和民族特色,使其更好地为我广大群众所喜闻乐见。
本站上传的这是一本油写生基础教学参考书,是专门为学习写实油画的初学者入门引路的。不涉及油画创作,也不涉及各种艺术派别。这样范围小点,比较好写。而且对于初学者来说目标明确,效果会更好些。
近年来,我国油画发展很快,正处在蓬勃发展的上升时期,关于油画基础教学有许多新问题尚待研究。但是,写生仍然是培养和训练学生素质不可取代的取代的基本课程。为了避免写生中可能产生的过份依赖对象,束缚学生创造力的弊病,本书在有关章节中作了阐述,并安排了适当的练习以发挥学生的艺术想象力和主动创造精神,希望在阅读和写生实践中引起注意,细心体难其中提到的一些原则,灵活加以运用。
要培养一个真正的画家,基础训练和进行油画创作不应当被看作是完全不相干的两回事,好的写生同样可以成为一件真正的艺术品。至为重要的是不要把油画写生与摹仿自然划等号,它自始至终渗透着画家的审美意趣和发自心底的灵性。如果失去这一点油画写生就只能是自然物的一个外表躯壳,这无论对一个学生还是画家来说都将是致命的。
油画写生基础
对于一个下决心学习油画的年青人,我相信这本书将会是有用的。它将比较系统地介绍油画写生的基本原理智方法。书中安排的练习作业可以帮助有志者由浅入深地、有步骤地达到预定目标。
油画是一门比较难于掌握的画种,在画油画之前先要进行一段时间的素描训练。在专业美术院校,通常是从画石膏模型开始,接下去画真人头像。这种素描写生能力的训练对提高学生的造型能力和审美趣味大有好处。在学生基本上掌握了素描石膏像或头像的技巧以后,就可以进入油画写生阶段,在学习油画的同时仍要不断增加素描训练的难度,从画头像进入画半身像、全身像。在美术院校均设有人体课,这些课程都和油画课的进度互相交叉衔接。经验证明,素描训练是学习油画的基础。凡是学习油画的同志都要具备一定的素描基础,没有学过素描的要先学素描,不要急于画油画,急于求成,收效反而慢。