油画百科

油画人体步骤

油画人体步骤

1。 构图起稿:此阶段主要抓住对象大的形体结构关系,注意头与躯干的结构关系,画出人体的外轮廓,明确人体结构与动态规律,用单色表现。

2。画大体色,用较大的笔,整体地观察和表现对象大的色彩关系,颜色要稍微薄一些,颜色要全画面铺开。

3.深入刻画:这幅画从肩臂部位开始,要注意深色的头发与背景所形成的在明度上的协调关系;人体的实在与背景又形成了一对虚实关系。这三种对比关系反复作用,可以使画面的主体更加鲜明。人体写生中躯干的刻画是一大难题。既要理解躯干的形体结构,也要注意躯干的色彩变化。

4。调整收拾:要注意暗部色彩与亮部色彩是否连贯统一;各大色块之间的区别是否统一在相应的节奏当中,是否具有一定的次序感;主体与背景的空间关系是否明显。
关于头部五官的描绘

1.画眼睛的要点
画眼睛时,应先画眼窝、眼球的形体特征,再画上下眼皮和眼球及虹膜等,一般中国人的眼珠是黑色的,可用深红、群青、熟褐等颜料调和。上眼皮背光,多用重 色表现,下眼皮一般多处在受光部分,稍微要浅一些。

2.画鼻子的要点

用色彩塑造鼻子的形体,要注意三大结构块面色彩的微妙变化,鼻孔的深色宜用暖色表现。

3 首先要注意嘴周围的造型,上下嘴唇一起画,嘴的合缝处是一根重要的线。一般下唇比上唇厚。注意不要把嘴唇的颜色画得太红。
画嘴的要点

4.画耳朵的要点
耳朵一般呈有节奏的盘曲状。一般画耳朵容易出现的问题是把耳朵的位置放得太前。耳朵的色彩稍微有一点偏暖。也要注意耳孔的色彩一般是较暖的深色。
5.画头发的要点
头发由于面的不同而有冷暖色感之分,遮盖在脸额上的投影呈暖色。头发的高光色彩是一种冷灰色。要注意头发跟部和脸部的衔接,要画出蓬松感。

油画市场投资的基础知识

油画市场投资的基础知识

中国的油画市场3年前开始苏醒,慢慢成了一个火爆的投资市场。以下数据就可以提供佐证,过去价值被低估的林凤眠、吴冠中等人的作品3年来的画价增幅达到了400%~500%,一般画家的画作升值也在50%以上。这个市场处在供不应求的状态,现在的大部分画家都无画可卖。
油画市场水涨船高
“3年前我就预期,内地油画市场的兴旺是必然的!”这是保利上海前总经理洪平涛一贯的观点。因此这位台湾人早早地就到上海落户,他在台湾从事过30年的画廊生意,见识了艺术品市场从国画热转到油画热的过程。那段时间他花了很多钱收购了上百幅国内画家的作品,“当时的价格真的很便宜。”一般的也就几千块钱。和他一样有先见之明的还有苏州的李先生,早在4年前就开始了油画收购,“到去年初全部转手时,差不多赚了10倍。”
“中国的经济在不断发展,艺术作品的价值会随着经济的发展而被发现。”洪平涛说。中国经济的发展,使得新兴的产业阶层与白领阶层日益崛起,社会审美风尚发生改换。这个阶层有钱、有文化、有审美趣味,都乐于接受充满新意、具有挑战性的当代艺术。油画对于国画相对容易理解,因此体现时代气息、色彩丰富、充满节奏感的油画肯定会逐渐受到所谓中产阶层的喜欢。
炒画鉴赏能力不能少
尽管许多油画已经升值不少,但作为一个新兴市场其对资金的需求量相对较小,因此“算是一个比较容易进入的市场”。但问题是投资画和投资其它艺术品一样,首先需要具备一些基础知识,才能真正理解它们的价值。
因为供不应求,市场上已经出现了伪造的画作。“在同一时期的不同画家以及他们的不同画作,因为当时的历史条件以及他们在美术史上的不同地位,画作的价值出入会比较大。”洪平涛说,因此投资艺术品的人一定要有相当的文化修养以及历史知识。“除非你就是想买幅好看的画挂在家里。”
此前颇有几位民企老板花大价钱买了画,却被发现是假的。这种时候“都不知道是否该告诉他们真相”。如果自己没有专业知识,那么业内人士的建议就是委托给专人。即使是颇有些文化修养的人,也免不了要和收藏界人士多沟通。
值得关注的四类画家
在中国油画市场上,四个群体的作品增值幅度比较大。其一是以徐悲鸿、林凤眠、常玉、刘海杰等为代表的早期油画家。他们是中国油画艺术的奠基人,在中国现代美术史上拥有崇高的地位。加之他们的作品历经战乱,存世不多。
其二是以赵无极、朱德群、吴冠中为代表的作品,他们的作品融合了东西文化精髓,具有独到的艺术表达方式。
其三是以陈逸飞、靳尚谊、陈丹青为代表的学院派画家。他们的古典主义倾向的写实画风,最早被市场所接受,拥有广泛而稳定的市场基础。
最后一类则是以张晓刚、方力钧、王广义为代表的当代画家,他们的画作受到先锋派艺术收藏家的追捧和西方艺术市场的推崇。
提示:炒油画作为一个新兴市场,其对资金的需求量相对较小,因此“算是一个比较容易进入的市场”。同时,投资画和投资其他艺术品一样,首先需要具备一些基础知识,如果自己没有专业知识,那么最好委托给专人,即使是颇有文化修养的人,也免不了要和收藏界人士多沟通。

色彩鲜艳的油画棒砂纸画

色彩鲜艳的油画棒砂纸画

油画棒砂纸画是用油画棒在打磨用的砂纸(砂布)的磨面所作的画。油画棒色彩鲜艳,颗粒细腻,质地柔软:砂纸的磨面较为粗糙,有利于油画棒色附着在画面上,而且砂纸较深的底色更能衬托出油画棒的色彩。因此,油画棒砂纸画色彩明快,画面统一,工具简单,是孩子们易学乐学的一种儿童画,深受广大师生的喜爱。
工具材料:油画棒、打磨用的砂纸或砂布
作画过程:
  1、构思。想好要画的题材和内容;2、布局。把要画的内容在画面上作适当的安排;3、作画。把画面上所要表现的对象具体地描绘出来;4、完成。对画面作适当的调整和修改,完成整幅画的创作。
涂色方法:
  1、勾线涂色。先用油画棒轻轻地勾出轮廓,再按作画需要涂上颜色;
  2、直接涂色。不勾轮廓,直接用油画棒在砂纸(砂布)上描绘对象;
  3、叠加涂色。在涂完第一层颜色后,可根据需要用相同或不同的颜色再涂第二层、第三层颜色;
  
  4、用力变化。在涂颜色时,用力有轻重的变化,会使画面颜色出现浓淡变化,产生立体感和空间感

丙烯颜料使用的几个建议

丙烯颜料使用的几个建议

1、用笔的时候可以用鸭嘴笔(油画笔)或者合成黄毛的笔(价格较油画笔贵点)因为毛比较硬,粗度统一点,较好把握。
2、找一件没有用的衣服,或者烂布试笔,先看效果。
3、建议用油性笔勾边线,注意:衣服下面一定要垫一层废旧干净毛巾,避免油性笔的水化开。或者渗透到衣服的背部。还有下笔要准和快。

中国油画市场二十年(下)

中国油画市场二十年(下)

 四、中国油画艺术市场面临的问题
  中国油画市场作为一个新兴的艺术市场,越来越引起世人的关注。它所蕴含的巨大的商机是显而易见的。在世界范围内,艺术品投资回报率最高的就是当代艺术品。目前中国油画艺术品市场份额在整个艺术市场中所占的比例还是非常小的,与书画、古董等传统艺术品市场相比差距巨大。除了油画艺术市场启动的较晚,历史较短以外,市场尚未得到充分发展的众多因素中,有以下几个问题值得研讨:
  1、民众对油画、雕塑等现当代艺术还是缺乏相当的了解,这实际上是艺术普及教育与市场推广的问题。只有在充分了解与懂得欣赏的前提下,人们才会去参与、去收藏、去投资。中国是一个具有收藏传统的国家,古董、书画等传统艺术品,无论从知识背景、视觉经验、还是鉴定收藏中介等商业体系上都有深厚的基础,并且在群众的参与性上也非常广泛。而对一百年来的油画、雕塑等现当代艺术史的研究与梳理工作还不是十分充分,将这一百年数代艺术家探索与创造的视觉成果以及丰富的宝贵的文化资产如何呈现在世人面前,这需要艺术史研究者、艺评家、美术馆、博物馆等公共艺术机构,画廊、拍卖行等商业中介机构以及媒体、政府部门等方面的通力合作,加大力度进行推广与宣传,并且要更为积极、更为主动地参与社会的文化生活。市场的发展促使我们更加认真地总结近现代中国绘画艺术的发展历程,关注当代文化建设,进而能够为市场发展提供明晰的参考体系以及建立博物馆等公共收藏体制。这是艺术市场得以充分发展的前提。
  2、画廊、拍卖行等中介机构的规范化操作。伪作泛滥、赝品成灾、盲目炒作、哄抬物价等现象在书画、古董传统艺术品市场中比比皆是,这严重损害了市场的健康发展,增大了风险性。其恶果早晚会爆发出来。2001年,纽约佳士得、苏富比宣布停止中国近现代书画的拍卖,为中国书画市场敲起了警钟。所幸的是在中国油画市场这些现象较少,只是在前辈油画家作品中存在部分赝品问题。我们在拍卖会、画廊中也曾见到一些伪作,所以要求画廊、拍卖行一定要引以为戒、严格把关,不要为了自己的一点点私利而对刚刚兴起的油画市场产生危害。台湾画廊业在赝品与盲目炒作方面已领略到教训;最近的市场低迷,除了经济不景气的原因外,不规范的炒作必将导致市场的惩罚与报复。画廊、拍卖行是艺术家与收藏者之间的桥梁,是油画市场的代言人,应从大局出发,从长远利益出发,以讲究商业信誉与服务为至上原则,以规范化、专业化的运作机制来赢得市场。
  3、鼓励与扶持艺术市场发展的相关政策,对艺术市场的发展起着巨大的推进作用。
  
  政府管理部门作为市场的管理与协调者,应密切注意市场动向,顺应市场的发展,因势利导,制定相应的政策法规,为市场的充分发展提供保障。目前最为突出的就是税收制度,即有关购买与捐赠艺术品的减免税收制度,还有大型公建设施中有关艺术品购藏与投资额的法定比例等。有减免税收制的保驾护航,就能促使大企业、财团去涉足艺术品市场,去投资、去收藏、更多地参与公益设施的建设,比如兴建企业所属的收藏单位——美术馆或博物馆,或者是捐赠作品给现有的美术馆、博物馆。企业既投资、保值,又赢得一定的社会声誉,何乐而不为呢!只有吸引了大规 模资金进入新兴市场,才能使艺术市场得以迅速发展,并提携其他相关产业的兴起,如:画框制造业、材料业、出版业、印刷业等,相关产业的税收以及艺术家个人所得税、中介商业机构所得税等诸多方面的总和远大于所减免的那一部分税收。西方艺术品市场历经200多年的发展与积累,拥有一整套的相关法规、制度,他们保障了大企业、大财团,既把艺术品作为投资理财的金融工具之一,又大大促进了文化艺术产业的发展,进而也就有了文化艺术产业的输出,从而形成了艺术产业的良性循环。我们完全可以借鉴与吸收,制定符合我们国情的一系列制度与监督机制,虽然这不是一蹴而就的,但市场的发展促使我们必须去应对,去研究,去尝试,尽快将有关政策、法规出台,以顺应市场经济的发展需求。唯有这样,中国的艺术市场才能真正的健康发展,走向成熟。
  4、收藏者的不确定性。目前进行油画艺术品收藏的人越来越多,但与收藏传统艺术品的收藏者数量相比还相差甚远。他们绝对是现今社会中的精英分子,拥有一定的财富,有品位,受过良好的教育,并且有胆识,有魄力去参与油画这一新兴市场,无论是从投资、保值出发,或者是为了视觉上的装饰作用,还是真正意义的收藏,虽然目前称上专业的有体系的收藏家寥若晨星,但在目前条件下,以个人的方式,做到如此,实属难能可贵,十分值得尊敬。也正是由于他们的参与,油画市场才能蒸蒸日上,但也真是由于个人性较强,其中的变数也较大,会有突然间的进场,尔后又突然间地消失,经常被市场中某些炒作现象所迷惑。那么,如何把对于艺术的一腔热情以有限的资金进行合理地利用,如何能从琳琅满目、风格多样的众多艺术品种进行准确地选择,达到既欣赏艺术之美,又获得投资升值的成功,这就需要藏家在不断地学习、研究的同时,与专家、专业画廊、信誉好的拍卖行进行合作,避免走弯路。以平和的心态,少一些急功近利,减少盲目性与不确定性,必能走上成功的收藏之路。
  五、结束语
  以上我们通过对中国油画市场发展历程的回顾,分析市场兴起的原因与发展现状,以及提出所面临的急需解决的某些问题,目的就是对这20多年的发展予以必要的整理与沉淀,其中的观点与建议,权当抛砖引玉。当一个新兴市场崛起之时,当一个历史性的机遇出现在你面前时,我们没有丝毫的理由不去把握住它。望所有关心中国油画艺术市场以及中国当代艺术市场发展的同仁们,共同去努力,共同去经历这一伟大的历史进程。

中国油画市场二十年(中)

中国油画市场二十年(中)

陈逸飞《浔阳遗韵》
  二、油画市场兴起的原因
  油画市场兴起的大前提是中国经济的持续发展,人民收入的不断增加,文化生活与精神需求的不断提升,促使对于艺术品的收藏与投资日趋升温。而直接促成油画艺术市场的因素有以下几个:
  1、中国艺术市场在经历20世纪90年代狂飙突进式的发展,目前进入一个相对平静的整合期,一些积累的问题也就凸现出来。比如作品的真伪、价格的炒作等等,尤其集中于近现代书画名家作品上,使艺术市场的风险性增大,也使进入书画领域的收藏与投资的资金需求量越来越大。这里除了有市场初期不可避免的机制不健全、投机分子作祟、中介机构的不规范操作之外,也与收藏者、投资者的急功近利、盲目投资有关。正是在此背景下,油画开始兴起。油画作为一个新兴领域,资金的需求量与书画市场相比较少,书画市场所面临的种种问题与尴尬在油画领域内几乎还没有到来,易于进入。因此,部分投资从书画市场投向油画市场,这是油画市场兴起的这主要原因。
  2、第二个重要因素是随着中国经济的不断发展,新兴的产业阶层与白领阶层日益崛起,社会审美风尚的改换。由于这个阶层日益发展成为社会的中坚力量,他们无论在资金能力、文化水准、审美趣味上,都乐于接受充满新意、具有挑战性的当代艺术,他们的年龄与知识背景决定着他们与中国当代艺术的亲和力。所以体现时代气息、色彩丰富、充满节奏感的油画逐渐成为这一阶层的需求对象。由于目前视觉环境、视觉符号无论是立体的还是平面的,都在向着现代的、时尚的、国际化的方向快速发展,人们的审美口味已经发生了潜移默化的转变。这也促使中国人对油画、雕塑原本来源于西方艺术体系的艺术品,从视觉上并不觉得陌生,从简单了解发展到欣赏的层面。
吴冠中《红莲》
  3、第三个因素是中国油画艺术体系的自身发展。油画从海外传入到今天也只有短短的一百多年的历史,但却在中国生根开花,产生了象林风眠、赵无极、吴冠中等中国油画大家,尤其是改革开放以来,中国油画艺术空前发展,形成多元化的局面。经过数代人的努力,积累了丰厚的艺术资源,为我们进行收藏与投资提供了广阔的空间。从创作的活力、风格的多样化以及当代性上,油画的品质当之无愧成为这个时代的代表。
  4、第四个因素是近年来拍卖业、画廊业等中介机构逐步走向规范化,大力推陈出新,培育了新兴市场。虽然从市场份额上与传统书画市场相比还相差不少,但其发展潜力决不可小觑。这可以从嘉德油画专拍的历年成交额与成交记录中窥见一斑。
  如:1994年全年成交总额为805.9万元。从1995年至2002年成交额平均为1200万元左右。其中1997年与2002年成交额最多,分别为1983.8万元和1482.4万元。这些数字表明油画市场发展态势稳定,没有随着周边国家与地区的金融危机而大起大落,反而稳中有升。
  三、油画市场的现状及未来走势
  有关中国油画市场的现状,在前面回顾油画市场历程时已略有提及。不论是哪种画风此消彼涨,都在市场中占有一席之地。只是所占比例及价格随着时间的推移而有所变化。了解油画市场现状的最直接方式就是观看专场拍卖或翻阅专场拍卖图录,还有一定要去代表性的画廊观察它们的经营方向,就可以对行情及走势有个大致的了解。我们仍以嘉德的油画专场拍卖图录为例来加以简单分析,我们可以看到市场是由以下几大板块构成的:1.早期油画作品,大致占整场比例的 15%;2.东方格调的华人经典画风,比例约占6%;3.古典倾向的学院派画风,比例约占40%;4.青年油画家的多元化风格,包括部分前卫艺术作品,比例约占39%。
  1、早期油画作品是指20世纪初期留学海外的前辈画家作品。他们是中国油画艺术的奠基者,在中国现代美术史中拥有崇高地位。他们的作品历经战乱、文革,存世不多,具有很高的艺术价值与文物价值。其中的代表性人物有徐悲鸿、林风眠、刘海粟、关良、庞薰琴、丘堤、吴大羽、卫天霖、潘玉良、吴作人等。其中徐悲鸿、林风眠的价值最高。徐悲鸿的作品《风尘三侠》在2001年中国香港佳士德秋季拍卖中以704.37万元港币成交;林风眠的《丰收图》在2002年香港佳士德秋季拍卖中以556.50万港币拍出。其它知名画家的作品价值亦在20-50多万不等。这批前辈艺术家的市场在以中国台湾省为主的海外华人市场中已经成熟,中国台湾省的收藏家以早期油画作品的主要收藏对象,中国台湾省画廊业从80年代后期就为此进行了大量的发掘、梳理工作,同时也获得了相当丰厚的回报。随着中国国力的增强,文化自信心的增强,早期油画中的经典作品还会再创新高,但第二代、第三代普通作品升值空间不大。
  2、东方格调的华人经典画风的代表者就是赵无极、朱德群、吴冠中等,他们于20世纪40、50年代留学海外,在前辈画家的基础上融合东西方文化精髓,以独到的艺术表达方式开创出充满东方精神的现代艺术视觉空间。他们的作品得到海内外华人收藏家的广泛而有力的支持,是目前市场上最炙手可热的艺术家,价位基本上在几十万至上百万之间。赵无极作品《1.4.66》在2002年香港佳士德秋季拍卖中以755.41万港币,创下中国油画最高成交记录。中国油画的百年史,实际上是一个不懈地探索与缔造新文化、新艺术体系的历史。这是在中国传统文化与现代西方文化的冲突与融合中进行的。林风眠、常玉等前辈大师打开了这扇大门,赵无极、吴冠中等又继续在这条道路上不断地探索与创新。这是中国新艺术发展的主脉。后继者以他们为榜样,努力开创具有中国气派而又有当代精神的艺术风格,有很多中青年艺术家正在为之奋斗着。这是最具有艺术价值与投资价值的绘画风格。前辈画家作品价值的不断走高恰恰证明了这一点。
  3、古典主义倾向的学院派画风是国内最早,也是最容易为市场所接受的绘画风格。这批艺术家成长于80年代。他们受到良好的学院派训练,从崭露头角的那天起,就开始面对市场。其中的代表者有陈逸飞、陈丹青、王沂东、艾轩、杨飞云等。他们得到东南亚、港台及欧美市场的认可,价值多在10-30万元之间,其中的佼佼者当属陈逸飞,最高价曾达到300多万元。写实画风的作品目前虽不在潮流浪尖上,却因其拥有广泛而稳定的市场基础,所以其市场较为稳定,但大幅度的增值空间也不会存在,因为历经多年市场的检验,其价值已近顶点。
  4、青年油画家是目前中国艺坛最具创作活力的一群。他们成长于90年代,技术扎实,思维活跃,注重个性风格,形成多元化的创作格局。无论是“新生代”,“政治波普”,还是“后新生代”,在短短几年时间里创造出了作品价格飙升数倍,乃至几十倍的市场奇迹。从最初几千、几万乃至十几万、数十万,其中的代表性画家 有方力钧、张晓刚、刘晓东等。这里尤以“政治波普”最为热闹,是在海外画廊,经济人以及欧美资金的直接操作下,将其推入西方艺术市场体系,获得商业成功的典型案例。但这类风头正健的“前卫风格”更多的是依靠了政治社会背景的支撑,是现实主义传统的另一种表达形式或延续。在一定的历史条件下起到了其相应的社会作用与艺术职能,但在大量的符号化与复制的情况下,内容与精神趋向空洞画与矫揉造作,所以其市场在表面形势大好下,隐含着一定的风险。但无论怎样,青年艺术家的发展潜力是毋庸置疑的。其巨大的市场机遇乃至升值空间都是绝对大有可为的。只是如何更准确、更科学、更为理性地去选择、去投资、去收藏。

中国油画市场二十年(上)

中国油画市场二十年(上)

林风眠《丰收图》
一、中国油画市场发展历程回顾
  1、油画市场的开端
  中国油画市场最早可追溯到二十世纪八十年代初期。随着中国的改革开放,国内与海外的经济文化交流日渐频繁,一些常驻中国的外交家、外企工作人员,还有部分游客开始零星的购买中国艺术家的油画作品。所以,早期的交易行为经常发生于外企、外交人员的家里或领事馆举办的聚会或小展览中。当然,也有部分作品挂在酒店中同工艺品、旅游纪念品一起销售。那时的画价非常低,除了当时市场经济并不十分发达、生活消费水平较低以外,在很多人心目中甚至是艺术家本人也从没有想过作品是可以自由买卖的。在传统理念中艺术与商业毫无瓜葛,艺术是纯粹而高尚的。
  2、写实古典风的流行
  油画艺术作品是有价的。油画作品开始频繁交易大约始于八十年代中后期至九十年代初期。其主要原因是港、台及东南亚地区经济历经七、八十年代的迅猛发展,社会积累了一定量的财富,并且中国大陆的艺术品价位较之本地区的价位要低廉得多,品质与功力又相当不错,所以一些经纪人、画廊与藏家纷纷将目光投到大陆艺术家身上。中国油画作品的输出,很快成为东南亚市场中的重心,并且对本地艺术家作品产生了一定的冲击。由于地区差价的存在,早期投资中国油画艺术的人们获得了相当可观的利润。中国早期画商或经营商就是在这种背景中涌现出来的,他们大多以个体户、跑单帮的形式奔波于海内外,与海外画商们共同输出了大量的中国当代油画艺术作品。目前,他们中的绝大多数早已改弦更张,只有极少数人还在坚持。当时油画作品的走向主要是两路:一路集中于港、台、新加坡、马来西亚等地,另一路是美国。就是从那时起,海外艺术市场的趣味开始或多或少地影响着中国艺术家的创作。主要流行风格为写实的古典主义风格,情调是东方的、怀旧的、乡土的。
  中国油画艺术品或者说中国当代艺术品正式进入海外艺术市场的标志性事件是1994年、1995年香港苏富比拍卖公司推出的中国油画拍卖和1992年香港佳士得拍卖公司推出的中国当代艺术专场拍卖。正是世界顶尖拍卖行的专场拍卖为中国油画艺术品的市场发展起到了推波助澜的作用。这里需要提及两个人,是他们的努力促成了这两家拍卖行的中国当代艺术品拍卖。他们是生活工作于美国纽约的龚继遂和吴尔鹿先生。他们二人一直从事于中国古代艺术品与现代艺术品的经营工作,其中龚先生曾任纽约苏富比的拍卖顾问,直接促成了苏富比对中国当代艺术品的拍卖。吴先生是最早将中国油画艺术品推向美国市场的代表人物,1992年他向香港佳士得拍卖行建议推出中国当代艺术品专场拍卖。从此开始,商业因素作为一个重要环节开始渗入中国当代艺术的发展历程,艺术与商业再也难以分离。
  3、前卫风闯入国际艺坛
  在九十年代的初中期,港、台、东南亚油画艺术市场逐渐由盛转衰,来自于祖国大陆的油画作品也渐趋饱和,质量更是良莠不齐。正是此时,欧美市场趣味开始取代东南亚市场,以“政治波普”为代表的前卫画风开始抢滩欧美艺术市场,价格更是迅速飚升。很多前卫画家虽然身居国内,但与海外画廊有着千丝万缕的联系。也正是借助海外画廊的运作体系,他们才得到了长足的发展。在这一波行情中,我们要提及“政治波普”风的始作俑者——中国香港翰雅轩,正是其主人张颂仁与国内艺评家栗宪庭的通力合作,策划推出了一系列中国当代艺术展,如“后八九巡回展”等。随后,参加“后八九巡回展”的代表画家又陆续参加了“威尼斯双年展”等国际重大展览。从此中国艺术家的身影开始闪现于欧美国际艺术舞台,引起了欧美市场的关注与反应。这一进程的背景是随着改革开放的不断深入,无论从政治上、经济上,中国都取得了巨大的进步,世界越来越关注中国,希望参与中国的发展。
  4、早期油画的飚升
  与此同时,中国台湾省画廊以其敏锐的商业嗅觉开始缔造另一波迅猛的油画市场行情,这就是华人前辈油画家的作品。在大陆尚未意识到早期油画的历史价值与商业价值时候,精明的中国台湾省画商以其财力与经验在祖国大陆悄悄吃进,使本来就幸存不多的老画家们的作品尽量掌控于手中,经过梳理与包装之后,以高于进价十倍或数十倍的价格售给中国台湾省本土藏家,获取了极其可观的利润。中国台湾省的很多画廊藉此完成了从经营本土画家向主营中国大陆艺术家的转变,于此同时,从客观上也发掘、梳理了中国近现代美术史,以商业的手段使部分宝贵的文化资产得以保留。中国台湾省的画廊经营也步入了一个新的时代。
  5、拍卖行的繁荣
  在整个80年代至90年代初期,中国油画市场是完全面向海外市场的。国内的购买力微乎其微。唯一的规模较大的例子就是民营的长城艺术博物馆对部分中国当代艺术作品的收藏,其主人宋伟是中国最早购买当代艺术作品的民营企业家,由于个人的身体原因,他的抱负与理想未能完成。但当我们回顾当代艺术市场时,他仍然是一个不可回避的人物。中国大陆艺术市场的真正启动,是以1993年中国嘉德国际拍卖公司的成立为标志的 ,它率先推出的中国油画雕塑专场拍卖第一次全面地将油画呈现在世人面前,置身于中国艺术市场中,也正是专拍的不断努力,迅速地扩大了油画的知名度,促进了中国藏家与投资人对油画或当代艺术的了解,嘉德拍卖公司亦成为中国油画拍卖市场中的领头羊,成为中国油画艺术市场的重要风向标。后来的很多拍卖公司都曾推出过油画的专拍,但大多数拍卖行都没有坚持下去,唯有嘉德拍卖行始终如一的在坚持。
拍卖是中国艺术市场中的一件大事,它以其集中的、大规模的、完全市场化的运作机制以及强有力的宣传,对社会产生了广泛的影响,加速度地促进了大陆艺术市场的发展。
  6、画廊业的兴起
  90年代中后期,中国画廊业的兴起进一步坚实了油画艺术市场的基础,开始引导艺术市场向规范化、制度化方向迈进,并与拍卖业形成了互补的局面。而先有拍卖行,后有画廊这一有趣的现象,在世界范围内,唯独中国如此。当然,这与我们市场发展的程度与国情相符合。因为久经封闭之后,突然面对市场,我们面临的是西方经济发展一、二百年的结果,将其最快速、最有效的形式拿来直接使用也不为过,但其中的市场基础是不健全的。但为了速度就只好在发展中去调整。画廊是一级市场,拍卖行是二级市场,只有一级市场的真正繁荣,二级市场才能更加兴盛。画廊是整个艺术市场体系中最为重要的基石,在艺术家与收藏家,个体与社会间起着桥梁的作用,而是否采取较为规范的艺术家代理制度,是区别专业与非专业画廊的显著特征。专业画廊所代表的规范化机制正是艺术市场真正得以确立的保障。当然,这并不是一蹴而就的,需要艺术家、经纪人、画廊、收藏家、投资者,以及政府管理部门共同的努力。我们的油画艺术市场,当代艺术品市场正处于迈向成熟的这一历史进程中。在这里,我们有必要对中国画廊的历史予以回顾。中国的画廊主要集中于北京、上海等大城市,这与经济发展速度密切相关。早期的代表画廊有北京音乐厅画廊、东方油画艺术厅、大陆艺术家画廊、红门画廊、东海堂等。这些画廊都是市场初期与海外交易过程中形成的。由于种种原因,当时的很多画廊到现在都不存在了,只有两三家在坚持。到90年代中期,一些更具有主动性与多样性的画廊涌现出来。代表者有北京的翰墨画廊、四和苑画廊,上海的香格纳画廊;这期间有相当部分的画廊是由外国人开办的,而北京翰墨画廊是国内再造的尝试按国际惯例推行签约代理机制的画廊。90年代后期,由于上海经济迅速发展,向国际化大都市迈进,上海出现了很多私人画廊,绝大多数都是中国人自己开办的。其中的代表者有艺博画廊、华氏画廊、亦安画廊等。画廊从数量上超过了先行地北京。进入21世纪,一些海外画廊看好中国大陆经济发展态势,开始纷纷涉足国内,有欧美的、日本的,还有中国台湾省的。相信在不久的将来,画廊的繁荣局面就会到来。无论是本土的,还是海外的,在全球经济一体化的背景下,相互竞争,相互融合,在这一进程中逐步形成各自的经营风格与理念,中国油画市场、当代艺术市场的繁荣将指日可待。
通过以上的简要回顾,我们可以看到:中国油画艺术市场在经历了短短20多年的发展,从无到有,逐步向着规范化、制度化迈进,一个新兴的市场正在崛起。在潮起潮落之间,蕴含着无限商机。无论从经济利益角度而言,还是历史价值与责任的角度而言,中国正在经历着一个伟大的历史进程,我们没有理由去忽视这一历史性的契机。

中国当代油画概观(五)

中国当代油画概观(五)

九、新世纪前后的绘画走势
  90年代中期,一些很另类的艺术,如行为艺术、装置艺术、影像艺术等等十分活跃,而架上绘画则显得相对沉寂。但到了90年代末中国当代油画又兴起了一股新的浪潮。我认为,这既与年青的艺术家们主动借鉴另类的艺术有关,也与市场的启动有关。从整体上看去,虽然新绘画呈现出了多元化的大好局面,但还是有着共同之处的,那就是在关注人的生存状态与回归叙事的同时,一方面越来越远离宏大叙事的传统,转而走向了微观叙事;另一方面越来越强调虚构与夸张在艺术创作中的作用。
  关于前者,我在一些文章与场合中已经说过,这首先是因为在改革开放中成长的年轻艺术家对大而无当的宏大理想与泛政治化的现象毫无兴趣,其次是时代的风潮已经从强调集体主义经验向个人经验的转换。所以,年青轻艺术家更加关注发生在他们身边的人和事,并由此还创作了一大批表达碎片般感受的艺术作品。
  但是,这些年轻艺术家为什么不愿像他们的前辈那样从“反映论”的立场出发,即用“现实主义”的手法去真实客观地再现或记录现实,而要从虚拟美学的立场出发,去制造一些现实中并不存在的“假象”,难道年轻的艺术家的所作所为就是出于创造新艺术风格的考虑吗?
  答案是绝对否定的。从我的了解中,我发现,受康德思想的影响,在这些年轻的艺术家看来,现实或自然仅仅只是一种表象或幻象,只有按自身的理解去破坏这个表象世界,进而制造出一个个“假象”与虚构的事件,才能真正解释本质的世界。可以说,他们是在以自我虚构的方式表现他们自己。当然,因为成长背景、艺术个性、记忆方式与关注点完全不同,所以每个人进入“虚拟”表现的艺术方式是很不一样的。也正是在此过程中,年轻艺术家们方才逐步建立了更新的表征与形式系统。
  而在艺术的表现上,一直以强劲风头席卷当今艺坛的新绘画无论在艺术风格上多么丰富与新奇,其实大多与借鉴各种非绘画类的图像资源有关。作为一种必然结果,大多数新绘画在图像的呈现方式上是完全不同于传统“现实主义”绘画的。总的来说,大多数新绘画在图像资源的借鉴上有着以下三种主要的创作趋势,即重视对影像、各类现存公共图像或卡通、网络与电脑游戏资源的借鉴。毫无疑问,这在具体的实践中其实是很难分开的,因为一些按后二者方式处理画面的艺术家,也在很大程度上借用了摄影抓拍的方式,他们不过是在以非写实的方式处理照片而已。
  云南艺术家李季画的《宠物》,近年来,李季常以没有头部的女人与宠物为表现对象,意在针砭社会上出现的“二奶”现象。在画家看来,画中女郎虽有小猴作为宠物,可她自己也不过是某有钱人的宠物而已。他的作品是请人化装、拍照后,再根据照片画出来的。这与做影像的搞后期制作一样。
  李大方画的《无题》,作品是根据图像的拼装改造后制作出来的,而且用荒诞、夸张的方式表现青年人在一起聚会的感觉。作品中男女青年的着装、姿态与生活方式都清楚地说明了西方文化对他们的巨大影响。
  沈娜的作品《右手系列》表现的是女同性恋题材。可以说,她的作品既涉及了一些人们长期无视的客观现实,也充分表现出西方女性主义在中国的萌生并对当代艺术的影响。她的画受了日本漫画的影响,不过其中也结合了一些表现主义的手法。

中国当代油画概观(一)

中国当代油画概观(一)

 一、作为重要背景的文革美术
  要了解中国当代油画,我们有必要清理一下历史。在这里,我将从文革绘画谈起,因为如果我们对文革绘画的状况不了解,就不可能理解为什么会出现新潮绘画,也不可能理解为什么当代油画从85发展到今天的情况。那么,文革的油画是什么样子的呢?可能在文革的时候大家还没有出生。文革期间的情境与今天是完全不一样的,所有艺术创造完全是由官方统一进行控制。所以,艺术家要想出人头地,唯一的途径就是参加政府举办的美术展览。而且当时只有一本杂志就是《美术》杂志。事实上,当时艺术家出名的机会很少,也不像今天有很多画廊、美术馆,可以自由举办展览。这在当时是不可能的。文革时期由政府举办的展览,都是有明确题材限制的,而且创作都是围绕重大政治事件和党中央发的一系列文件来进行创作的,比如说毛主席到广东农村视察以后,或者出现重大的政治事件,就有艺术家去画这些体裁。这在学术上叫做“题材决定论”。
  文革美术是由内容决定形式,而不是像现在,在那个时候艺术家如果要创作一件作品,必须服从与政治的需要,如果违反这个决定,你的作品不但不能参加全国美展和各省市的美展,而且还可能被打成一个反革命分子。现在同学们听起来很好笑,当时确实有很多艺术家的绘画创作因为不符合中央精神,被打成反革命的。那个时候有一个创作模式,叫“三突出”,是江青提出的,她当时是中央文化革命小组的组长。下面我们来看一下作品。
  这是《要把无产阶级文化大革命进行到底》,(放图片)它反映了毛主席在文革期间接见红卫兵的情况,但是这幅绘画明显和文革以前的油画是不同的,文革以前的油画主要是向苏联学习,强调油画的灰色色调,强调忠实于现实,这张画并不是按现实主义原则处理的,大家知道,毛主席接见红卫兵的时候,当时有一大批领导都跟着他,包括林彪、周恩来等等,但是这张画中其他的政治领导都不见了,只有毛主席一个人,而他周围都是红卫兵。当时对领袖在画上的出现有一个严格的规定,即一定要出现在视觉中心,毛主席在这幅画中是出现在中间偏左的地方,在他周围稍微有一个空档,由红卫兵围成一个圆圈,由于他们的姿势向毛主席倾斜,就突出了毛主席的中心地位。而且,为了显示毛主席的健康,同时强调红海洋的气氛,整个画面都是用红颜色处理的。毛主席就像一个发光体一样,像一个太阳一样,四周的光线就是由毛主席这个发光体发出来的,这幅画还有一种舞台造型的特点,这在当时叫做革命的现实主义和革命的浪漫主义相结合,现在这样的处理方式已经很少了,但是文革时是大量出现的,我认为,这幅画是文革绘画的代表性作品。
  在1966年的时候,邮政部曾经发行了一套邮票,就是《毛主席和我们在一起》,在画中,毛主席处于中心,基本的色调就是红色的色调,看来,这幅画对后来画毛主席的创作影响很深。因为时间很紧,我不能给大家介绍很多,同学们可以通过相关的资料查阅一下,当时大量的画都是这样的。
  二、“后文革”时期的绘画
  到了1976年,也就是毛主席逝世以后,中共中央一举粉碎了“四人帮”,这个时期被历史学家叫做“后文革”时期。从1976年到1978年,即中共中央十一届三中全会召开以前,就是后文革。华国锋那时任中共中央主席与国家主席,他虽然把四人帮抓了出来,但是在思想上还是延续了文革时期的东西,所以,那时在艺术创作方法上和文革还是一样的,即还是强调题材决定论,强调内容决定形式。文革与后文革不同在什么地方呢?我认为在于被表现的题材发生了变化。比如文革批判邓小平,文革后期则是歌颂邓小平;文革时期说四人帮是英雄,文革后期就是批判四人帮。
  我们再看另外一幅画《叶副主席、邓副主席在军委扩大会议上》。(放图片)在这幅画中,曾经被批判过的邓小平成为了中心人物,而在文革期间,四人帮为了达到他们篡党夺权的目的,把邓小平、刘少奇等一大批革命老干部全部当作走资派进行批判。应该强调的是,后文革时期虽然政治题材很左的创作占了很大的数量,但是也出现了一些积极的因素,如陈逸飞先生当时画了一幅画《占领总统府》,在画中,一群解放军战士在蒋介石的总统府上升起了解放军的军旗,这幅画消除了极左的创作模式,更多的是借用苏联的现实主义方法,它对后来的绘画影响非常深刻。
  “后文革”时期结束是以一个标志性的日子为标志的,这个日子就是1978年12月22日“中共中央十一届三中全会”的召开。
  我们现在看到的是邓小平与陈云在十一届三中全会上的照片。(放图片)这时开始强调“实事求是”,并展开了“实践是检验真理的唯一标准”的大讨论,这一次大讨论对促进整个全国人民的思想解放,进行政治改革运动起到了重要的作用。当然,这一次会议对美术创作也产生了巨大的影响。这时出现了一种超越文革创作模式的艺术探索尝试。当时在美术界、文化界、文学界思想空前活跃,也开始出现了批判四人帮与个人崇拜的创作。而在文革中,当艺术家进行艺术创作时根本不能按照自己的想法创作,创作什么都是由领导决定的。比如在文革时期,陕西非常有名的创作集体,一个叫“秦文艺”,一个是“秦文美”,这两个艺术家群体都非常优秀,他们创作的题材都是根据领导要求进行的,比如毛主席在延安窑洞接见农民等等,毫无疑问,这在今天已经是不大可能的了。
  三、对文革美术的反拨
  1979年以后,最重要的现象就是传统的创作模式与展览模式被打破了,艺术家除了能参加各类全国美展之外,还组织了一些民间自发性的美展,比较著名的是“上海12人画展”,而在在北京,则出现了“星星画会”展与“北京油画会”展,还有“同代人”展览等等。1980年第一期《美术》杂志发表了理论家栗宪庭采访星星画会艺术家的文章,艺术家曲磊磊针对文革的创作模式提出了一个反命题,认为艺术创作应该强调自我表现。而另一个著名的艺术家吴冠中也针对文革中流行的“内容决定形式”论提出了“形式决定内容”的观点。
  在今天,我们会觉得他们提的问题很正常,但是在当时,这两个观点都受到了一些人的批判,也引起了广泛的讨论,但这对美术界解放思想起到了重要的作用。这段时间的思想解放是一步步展开的,随着国外艺术家的展览与外国画册的引入,大家都开始踊跃向西方现代艺术学习,并将其视为反叛文革的武器。于是,在文革中被禁止的创作题材,比如山水画、花鸟画、静物画、女人体等等又活跃起来。创作手法也越来越新颖。大家再来看这幅画《有过普希金铜像的街》。(放图片)画中的街道十字路口原来有一个普希金的铜像,但是文革期间被红卫兵小将砸掉了,这幅画由于学习了印象派画法,在当时引起了巨大的震动,为什么呢?因为从反右一直到文革,印象派都是当成资产阶级文化来对待的,在1957年,中国美院有一个副院长金冶提出了油画要向西方印象派学习,后来被打成了右派,现在看来这是不可思议的,有的艺术家也只是将其放在家里偷偷的看,不敢拿出来,所以当时陈钧德学习印象派的做法引起了巨大的震动。但是一些思想僵化的人却说这是在向资产阶级文化投降,不过更多的年轻人和更多的艺术家已经闯出了创作的禁区。
  这张照片就是 “星星美展”在中国美术馆门口展出的情境,不过,这一展览没到一天就被公安局封了,这个展览在中国历史上非常有名。我们现在来看 “星星美展”作品的时候,会觉得非常一般,但是在当时的确在美术界引起了巨大的震动。这是因为当时处在一个很封闭、禁锢的环境中,和现在的环境是绝对不一样的。
  这幅画是北京的艺术家冯国东画的,(放图片)他去年刚刚去世,在当时他还是一个工厂的清洁工人,他用西方的手法画了《自在者》,是将过去、现在和将来表现在一幅画面上,作品根据梦境创作而成,画的上面出现一些幽灵,既可以理解为一群在“文革”中被“四人帮”迫害致死的含恨幽灵;也可以理解成在十年大灾时被扭曲的形象,这幅画在当时引起了很大的争议,也是受批判的对象。同学们如果有兴趣的话,可以把当时的《美术》杂志翻阅一下。
  这也是同期出现的一张画,画中画的是谁呢?是法国的一名著名的哲学家萨特,这幅画叫《他是他自己——萨特》,(放图片)作品强调了存在的重要性。作者说过,“从画萨特的自我表现,我想强调的是萨特在他理论中坚定的指出,人的本质存在的意义,存在的价值,要由人自己的行动证明,决定对绘画这一学科同样存在这样一个现象,每一个艺术家创作的动源与行为中说明他自己。”
  这一幅画是艺术家詹建俊画的《高原之歌》。(放图片)画的是一个藏族姑娘骑着耗牛在日落时回家的情景,画面非常有感染力,也很有诗意。在当时全国美展上展出的时候,画周围围满了观众,影响非常深。通过对比,同学们可以看出来,油画一步一步是怎么样走到后来的情况?同学们有兴趣的话,可以查相关资料,就可以知道绘画发展到今天并不是偶然的,而是一步一步走到今天的。
  四、“伤痕绘画”的出现
  随着对真理标准讨论的逐步深入,在当时,文学界创作出了反思文革的文学作品,很著名的是由青年作家卢新华创作的小说《伤痕》,所以后来凡是对文革进行控诉、反思的小说就叫做“伤痕小说”,往后也出现了“伤痕戏剧”、“伤痕绘画”,都是对文革进行反思的。我下面给同学们放一些图片,都是“伤痕绘画”。应该说明的是,从1949年到1979年以来,30年间的作品中,美术创作全部都是歌颂党的领导,歌颂我们美好的生活,不允许你对社会阴暗面进行暴露。这个“伤痕绘画”冲破了禁区,从过去的“歌颂”转变为“暴露”,即从“文革”中一味追求“红光亮”、“高大全”的喜庆场面转换到正视现实的悲剧场面上来,很有意义。
  我们先来看一下艺术家尹国良画的《千秋功罪》。(放图片)这幅画反映的是1976年周恩来总理逝世的时候,革命群众为了悼念周恩来总理,在天安门广场举行了盛大的悼念仪式。他们在悼念仪式上提出了打倒“四人帮”的口号,“四人帮”感到非常震动,于是派武警把这些人镇压了,还说这是一个反革命活动。中共中央在打倒“四人帮”以后,为4?5平了反,艺术家便用记录的方式反映了当时的情境。在画中,有一个女青年被打死了,倒在了悼念周恩来的花圈旁边,鲜血洒在了人民纪念碑上。同学们要了解这个事件,才能够深刻了解这幅画的意义。
  这幅是程丛林画的《1968年某月某日雪》。(放图片)1968年是中国文化大革命最混乱的时期,死了非常多的红卫兵小将,这幅画反映的是战斗已经结束,有一方红卫兵失败了,有一方红卫兵胜利了,悲剧就在于双方都认为自己是忠于毛主席的,胜利的非常高兴,失败的也不向胜利者低头。这个画面用的是灰色调,人物是通过写生过来的,在造型和色调上都和文革时期红光亮的模式不一样。
  作品《为什么》也是“伤痕美术”,(放图片)反映的是武斗以后,几个红卫兵坐在马路边,有的同伴受伤了,有的同伴牺牲了,他们在考虑为什么人民要互相残杀。这样的画很多,我就不一一举例了。
  五、关于“生活流”绘画
  在当时还出现了一种绘画,是“生活流”绘画。表现的是生活中普通劳动者生活的真实状态,所以有的人把它叫做“乡土写实主义绘画”,里面的有一些画家分别借鉴了西方艺术史中不同的大师。比如有人借鉴的是米勒,陈丹青就是代表;还有人借鉴的是怀斯,又如何多苓就是一个代表。
  文革期间几乎每一个单位都要画尺寸很大的毛主席像,而作品《父亲》借鉴了超现实主义艺术手法,并以领袖画的尺寸及形式画了一位勤劳、善良、朴实而贫穷的中国农民形象,(放图片)它体现了勤劳、善良、朴实、贫穷的中国农民的真实处境,所以一出来就在中国文化界就引起了巨大的震动,影响远远超出了美术界。另外,它与其它“伤痕美术”一道引发了关于形象的真实性和典型性的讨论。据介绍,这幅画出来时几乎就被枪毙了,在四川美术界,就有领导就说这幅画有问题,不让展出,作者最后只好在老人左边的耳朵上加了一支笔,以显出了这个农民是有文化的。这就是当时特定的时代,艺术家要想表达自己对生活的真实感受是很难的,不像我们今天想画什么就画什么。如果这幅画在今天展出来,不会有人那么激动了,所以一定要在1978年,还要在文革的背景下,才会引起震动。
  再来看著名画家陈丹青画的《西藏组画》,(放图片)这幅画在当时也引起了巨大的震动。在文革中,艺术家也画生活中的人,但都是经过粉饰了的,陈丹青在学习了米勒的画法以后,直接到生活中去写生,把原生态搬到了画面上。《西藏组画》由《进城》等七幅画组成,它抛弃了主题性绘画的传统,用写实的手法,表现了藏胞生活中的寻常景象,成功地强调了藏民的淳朴、强悍,以及他们贫穷和落后的状态。《进城》描绘了一个藏族男人和妻子一同进城的场景。在色彩和笔触的运用上尽量朴实,浑厚的灰褐色几乎是画面上唯一的色彩,而且很有凝重感。画得非常潇洒。在当时中央美院毕业生展览上,这幅画抢了所有人的眼光,此后有一大批人到西藏去画西藏,一直到现在还有人在画西藏,但很多都是跟在陈丹青后面的,他当时是开拓了一个新的领域,非常了不起。
  这幅作品是何多苓画的《春风已经苏醒》,(放图片)作品取材于何多苓的知青生活。不过,这极其平凡的农村场景,被表达得非常的富有诗意。画面暗示:苦难即将过去,希望正在萌生。作品在逼真细腻的写实描绘中流露出现代中国怀斯式的感伤情调,在荒凉、寂寞的画面中传递着作者对人生价值的思考。作品非常注重写实,技巧很高,这幅画在当时引起了广泛的关注。我总觉得,如果文革晚点结束,如果没有前卫艺术的到来,何多苓肯定是中国油画史上的超级大师,他的技术无懈可击,很可惜,因为中国发展太快,他的风光、天才还没有充分发挥出来,一个新的时代就来到了。

架上油画的产生以及它的优越性

架上油画的产生以及它的优越性

  在欧洲,架上绘画是应宗教活动及商业需求而兴起的。中世纪的羊皮纸画和木板上的圣龛画可谓早期的架上绘画。15世纪油画颜料在架上绘画中得以广泛使用,从而产生了架上油画。当时尼德兰(指现在的荷兰、比利时、卢森堡以及法国的东北部)画在羊皮纸上的细密画和独幅木板画已相当盛行。在木框上绷装画布进行绘画是16世纪威尼斯画派兴起后被大量采用的。早期使用的画布是帆布,之后才有了亚麻布。在意大利等国,圣徒们就是抬着紧绷在木框上的宗教题材的亚麻布油画从事宗教活动的。
  布面油画在表现能力、色层弹性、永久保存等方面均超过了水彩画、蛋胶画、湿壁画以及色粉笔画。
  就技术而言,油画的优越性表现为:
  具有可塑性的膏状油画颜料为画家带来了灵活多变、广泛自由的绘画空间。而且除画笔之外,画家可用刮刀等多种工具作画。画家能够在同一画面的全部范围内使透明与不透明的效果并存。
  油性颜料干燥慢,画家可反复涂改画面,并能在画面上直接调色、运色。
  油画色彩光亮,利于物象质感的刻画,能够充分表达物象复杂的色调层次,具有透明、浑厚而丰富的优越效果。
  可用不同的调色剂控制颜色干燥时间,可运用色层的厚薄对比、笔触的变化产生丰富的画面肌理,或在有肌理的表面上作画,或在颜料中加颗粒状物质表现特质物体。
  油画颜料有较强的遮盖力和可塑性。可以一次性完成,也可以多层覆盖,色层不会脱落。油层干后坚实耐久、色彩光亮,颜料在干燥过程中没有任何变化。
  可绘制大型布面油画,易运输、易装饰、易收藏、易保存、易清洁。