油画百科

洪特霍斯特

洪特霍斯特

  (1590.11-1656.4)出生于荷兰。早年在乌得勒支跟布鲁马尔学画。后来成为画家,并很快成为荷兰乌得勒支画派的主要成员。从1610年起移居意大利,深受卡拉瓦乔的"黑暗法"色彩的影响。卡拉瓦乔因长期流浪在外,身染寒热病,就在这一年死去,然而他的艺术并不因他的死去而结束,相反,他得到欧洲各国现实主义艺术家的尊重。卡拉瓦乔主义在西班牙、法国、荷兰、佛兰德斯几乎存在普遍的影响。除了鲁本斯、伦勃朗这些绘画大师以外,荷兰画家洪特霍斯特也是一位卡拉瓦乔的崇拜者。他决心以这一风格为楷模,与当时学院派的画风分庭抗礼。洪特霍斯特在运用卡拉瓦乔的色彩阴暗法时,大胆使用人工光线,如烛光、灯光照明等,使画面的昏暗背景与人物的受光部位构成强烈对比,以增强其表现力。在这方面他显然比卡拉瓦乔用得更为巧妙,时人称之?quot;夜画家 "。他的杰作《圣彼得的否认》(1622年作)等即是如此。但他最成功的是一些描绘日常生活的风俗画,如《牙科医生》等。
  这一幅《撮合者》是他的代表作。《撮合者》(又称《媒人》)为世俗生活题材。作为一幅风俗画,它表现荷兰民间最为熟知的生活一角–看相、算命和保媒拉牵之类趣事。画上那被撮合者处在逆光下,烛光只照见了这个年轻风流的女撮合者形象。那个急切想知道自己婚姻凶吉的青年,只勾出一道暗影。烛光的反射使整个场面富有戏剧性。女主人公谈笑诙谐的脸部表情被刻画得入木三分。女媒人敞着丰满的胸部,手拿月琴,一手正在作手势。她满脸堆笑,在绘影绘声地向男青年谈论婚姻"天机",形象极富魅力。头上所插的羽饰又加强了这个民间巫师的神秘感(这里是局部。在男青年的左侧还有一老妪的背景被切割了)。此画作于1625年,是在画家三年前回到乌得勒支时构思的。1627年,鲁本斯拜访他时见到此画倍为赞赏。之后画家被推举为圣路加乌得勒支画家行会会长,他的画风也被称之谓"乌得勒支的卡拉瓦乔"。1628年,洪特霍斯特受到英王查理一世的聘请,赴伦敦为英国宫廷服务。1637-1651年间,他去了海牙。他的画风又进一步被传到西欧各地。此画现藏乌得勒支中央博物馆。

海达

海达

  威廉·克莱兹·海达(1594-1680.8)是荷兰17世纪最富诗意的一位静物画家。那时荷兰从事静物画的人已经不少,阿姆斯特丹的威廉·卡尔夫(1619-1693)就是与他同时代的静物画代表。但海达的静物题材比较专一,往往在他的画面上,总是离不开几样基本物品–金属与玻璃器皿。他从这些具有反光效果的器物中发现了绘画色彩的表现力。一般地说,他的静物比较集中,食物加杯盘是他作画的主题,所以人们称他的静物为"早餐画"。
  这幅《早餐》是他的最富个性的静物画杰作之一。他画的静物,有一种精细的运色能力。这里的银灰、绿色和棕黄的和谐结合,几乎找不到一丝色阶之间的界限,自然光似乎把这些色彩天生地融而为一了。画上静物的体感与质感十分强烈,人们的视觉甚至会被愚弄,它们不象是物的幻影,而是可产生触感的物体本身。海达很注意光线对这些器物的反作用,他在描绘第一件静物时,仔细观察自然物本身在不同环境中的色度表现。他画的静物调子总是那样细腻,没有色斑,更不会有笔痕,只有物的形态、质感、光和空间感。这种静物画我们管它叫古典画法的静物画,它带有巴洛克装饰成分,但是毫不虚浮夸张,与后来19世纪的写实静物画在运笔方法上迥异其趣。海达的静物画已在欧洲许多美术馆有所保存。苏联的莫斯科造型艺术博物馆和列宁格勒的艾尔米塔日博物馆也收藏他的不少作品。此画作于1631年,尺寸约为54×82厘米,现藏德累斯顿国立美术馆。

韦登

韦登

 (1400—1464年)凡· 德尔·韦登出生于图尔奈。是康宾的学生,他杰出的成就甚至超过了老师。35岁的韦登移居布鲁塞尔,开始他一生中最重要的艺术创作活动,并获得了布鲁塞尔艺术家的称号,被聘为官方画家。39岁赴意大利考察旅行,饱览了古典艺术的精华,而且以自己的艺术活动引起同行们的重视,米兰大公曾选派青年画家到他的画室去进修。  
  韦登常常表现一些具有劝诫意义的宗教题材,但偏重于抒情性的描绘,较多地保留着哥特式的艺术影响,也注重笔下人物激昂情绪和强烈的运动感,更着意于人物的个性描绘。所以,他的作品更为世俗大众所接受。
  《基督降架》画中描绘耶稣的门徒们从十字架上降下他的尸体情景。构图依凸形框布置人物,以耶稣为视觉中心,十个等身大的人物充满画面。每个人物的动态表情,既同有的悲怆气氛,又有符合各自性别、年龄、身份和个性的特点,呈现出整体 的戏剧性效果。韦登的画面简略,一般不画环境道具和配景,往往将人物置于单纯的背景上,着力刻划人物的衣着复杂褶纹变化,使画面人物具有浮雕效果。他的画显示出哥特式雕刻的影响和尼德兰细密画精微刻画的质感和空间感的特点。

弗美尔

弗美尔

 弗美尔(旧译微米尔,1632.10-1675)是17世纪荷兰最独特的风俗画家。他一直生活在德尔夫特,故又称“德尔夫特城的扬·弗美尔”。他一生的绘画作品,据有案可查的仅40余幅。这是他去世后的几十年,一度湮没无闻的缘故,在荷兰美术的著录中也几乎找不到他的名字。后来人们曾把他有限的作品与荷兰另两位画家德鲍赫与霍赫的作品相混淆。1849年,一位因参与革命而流亡在外的法国艺术评论家迪奥菲·杜尔,在荷兰发现一幅题为《德尔夫特城风光》的油画,上面的签名是“德米尔”。为了弄清此人是谁,这位评论家跑遍了荷兰、比利时、德国、英国等的各大美术馆,最后才解开了这幅画的原作者之谜。他正是这位专擅荷兰城市生活风俗的画家弗美尔。这位评论家除了自己倾囊收购已证实是弗美尔的5幅作品外,还向欧洲各美术博物馆推荐,并编出了弗美尔的50来件作品目录。这份目录据后世学者们鉴定,其中三分之二是弗美尔的真迹。1866年,杜尔出版了弗美尔的研究文集,从而引起了西方美术史界的重视,使这位湮没了将近两个世纪的荷兰风俗画大师的名字再度光照史册。
  弗美尔出生于德尔夫特一个小业主家庭。后据市档案馆的材料证实,他于1653年结婚,并于当年12月加入国家公会。1662-1663年以及1670-1671年,两度担任过画家公会主席。但在荷兰资产阶级文化很快丧失其民主传统的生活变迁中,他一贫如洗,只得靠当画商,而不是靠卖画来维护生活。
  弗美尔的绝大部分绘画的内容是他周围的日常生活。《倒牛奶的女佣人》、《读信少女》、《和士兵调笑的女人》、《试项链的贵妇》、《情书》、《花边女工》……这一系列题材,足以说明他的风俗画的内涵与其特点了。他以德尔夫特中产家庭的妇女生活为主线,刻意去表现室内陈设,以及女性的闲情逸致的生活,或者是家庭主妇的杂务等。画上的平面透视有一定深度,通常是两个套间,房间有增开的窗户,毛织的帷幔,素雅的摆设,反映了荷兰德尔夫特一些富裕的家庭生活的平静、安逸与自我满足。不论是他的前期作品还是后期作品,大多是这个基调。
  这一幅《倒牛奶的女佣人》作于1658年,构图不很复杂,轮廓较清晰,环境纯朴。将一个简朴的厨房画得很有感情,甚至能令不少观者产生不同的怀旧心理。女佣人是个健壮如牛的村妇,她塞起了胸前围裙的一角,正忙着准备早餐。左边墙角有一窗户,一边挂着一只藤篮和一盏马灯。桌上杂乱地摆着一些食物。所有人和物的质感都很强烈。
  弗美尔所生活的年代,是荷兰独立后新兴市民阶层高度发达的时代,而弗美尔所居住的德尔夫特城,据说有“欧洲最清洁的城市”之称(在丹纳的《艺术哲学》里对17世纪荷兰市民喜爱清洁与有秩序的生活方式作过详尽的介绍)。我们只要遍览弗美尔不同时期的风俗画,就能领略它的这些特点。这幅画虽然只能见到一户人家的厨房一角,然而女佣人的随遇而安的精神面貌,似乎可以给我们提供那个时代人民的普遍心理信息。此画约有45×41厘米大,现藏阿姆斯特丹国立美术馆。

老荷尔拜因

老荷尔拜因

 老汉斯·荷尔拜因Hans Holbein the old(1465~1524年),德国南部奥格斯堡地区的著名画家,是德国15世纪绘画样式的最后确立者,因为是德国文艺复兴盛期肖像画大师荷尔拜因的父亲,所以史称老汉斯·荷尔拜因。他早期的作品多为大幅祭坛画,仍保留明显的中世纪哥特式特征:人物处理近似呆板和程式化,但从中却显示了一定的明快和真实的感觉,代表作品是《圣塞巴斯安的殉教》。
  《圣塞巴斯提安的殉教》塞巴斯提安因是基督教初期的教徒而被处死,人们称这位为基督教而英勇献身的人为圣徒。画中描绘塞巴斯提安被刽子手乱箭射死的壮烈场面。画家将圣徒置于画面的视觉中心,刽子手们分列周围向他拉弓射箭。由于裸体,主体形象单纯,明亮且突出。画家着力刻划圣徒视死如归的大无畏精神,表现了为了信仰,人的强大意志和力量不是任何黑暗势力所能征服的思想。画面有震撼人心的悲剧感。同时也表现了文艺复兴时期所宣传的人道主义精神,向恶势力发出了愤怒的控诉与抗议。

门采尔

门采尔

  (1815-1905年)阿道夫·门采尔是德国自文艺复兴丢勒之后最伟大的画家,他90岁去世时德国皇宫为他举行只有元帅将军才能享有的盛大葬礼。  
  门采尔不仅是19世纪的素描巨匠,而且是伟大的油画家、版画家、粉画和水彩画大师。他的作品广泛而深刻地表现了德国社会生活风俗,尤其是对工业生产和工人生活的描绘,为同时代的欧洲画坛所罕见。门采尔出生于德国东部小城布莱斯劳的一个印刷作坊家庭,父亲为了培养儿子绘画才能,将印刷作坊搬到当时普鲁士的首都柏林,他在作坊里从事石版画创作。为了深造,他18岁入柏林美术学校学习,尔后因家庭贫寒靠自学登上画坛。门采尔的创作起于石版画,曾为歌德的诗文作插图,因此成功地加入柏林青年艺术家协会,后来用10年时间创作了六百幅《腓特烈大帝传》插图,从而获得历史画家称号,饮誉欧洲画坛。21岁的门采尔开始油画创作,从现实生活中选取题材,成为敏感的风俗画家。19世纪50年代后,门采尔广游博览欧洲艺术胜地,尤其与法国现实主义大师库尔贝的会见,使他的艺术更加直接面向当代现实,1875年创作了现实主义名作《轧钢厂》。门采尔是著名的素描大师,他造型严谨,笔法生动,很有表现力。门采尔在晚年享有崇高的声誉,在他70岁时被聘为柏林大学名誉校长,71岁时被俄国彼得堡美术学院聘为荣誉院士。门采尔毕生奋斗的箴言是:“我们的命运只是攀登,达到高峰乃是下一代的事业”。

  《轧钢厂》是世界美术史上最早描绘工人劳动场面的优秀作品。普法战争以后,德国依靠法国20亿的战争赔款进行建设,发展了重工业生产,这幅画就是描绘工厂生产的现实。为画这幅画,他画了几百幅速写,还亲自深入工厂体验工人轧钢生活,他自己说:“我一直处在危险之中画这些习作,仿佛随时都会被轧钢机器吞进去似的。”门采尔曾为这幅杰作题名为《当代巨人》,画中显示了产业工人在社会发展中的智慧与力量。画面空间壮观,工人的劳动姿态真实、生动。

真蒂莱斯基

真蒂莱斯基

  奥拉齐奥·真蒂莱斯基(1562-1639),意大利16-17世纪画家,是卡拉瓦乔艺术的追随者。
奥拉齐奥·真蒂莱斯基,起初是一个样式主义改革派的代表画家。后来,他为比他小11岁的卡拉瓦乔的艺术风格所吸引,在作品的选题、构图、造型和表现手法上都以卡拉瓦乔的作品为典范。他的作品曾远传至巴黎和伦敦各地,但因为只限于对卡拉瓦乔的摹仿,而没有更多的个人建树。
真蒂莱斯基的人物造型,在一定程度上仍保留有样式主义的特色:形象描绘细腻,不露笔痕,富有质感和量感,即使描绘普通人物形象,也有着高贵气质,但缺少卡拉瓦乔的质朴,这与画家所处的地位所形成的审美观有密切关系。
  《埃及之旅》也有人称为《逃往埃及途中的歇息》。是画家的一幅宗教画,此画取材于圣经,描绘的是圣母玛丽亚和丈夫约瑟为了躲避迫害逃亡埃及的故事。画中的圣母抱着幼小的耶稣坐在路旁歇息哺乳,约瑟仰躺在行礼包上睡得很香。与同类题材的绘画作品不同的是,此画没有将人物置于风景中。

纽曼

纽曼

(Barneett Newman,1905—1970)是抽象表现主义画派中色域绘画的代表人物之一。他生于纽约,曾就学于艺术学生联合学院。他学过自然科学和哲学,还参加过纽约市长的竞选。他起初是积极支持抽象表现主义的美术评论家,后来发展为自己动手作画的画家。他曾在贝蒂·柏森陈列馆举办过首次个展,并参加纽约现代艺术博物馆举办的“新美国绘画”展,以及其他多种联合展览。他的画通常是在大片色块上画一两根垂直的线条,这种线条犹如拉链,将平坦的底子分割为相互呼应的色块。哈罗德·罗森堡说,纽曼把这种拉链式的线条“认作自己的符号,它充当他的超验的自我……被分开的长方形呈现实际存在的多重性——且是一种崇高的多重性。”纽曼的这种画风始于1948年。当时,他创作了一幅由深红底子和红色线条所构成的作品,并深受启发,“我意识到这里很有些名堂,使我可以有一个新的开始。”此后,他便致力于探索这种色场与垂直线之间的关系。色块的大小、明暗、色彩,线条的位置、粗细、肌理,可以形成无数种可能性。纽曼在这无数种可能性中费尽心机,有时,花在推敲线条位置上的时间,竟会长达好几个星期。那看似简单的画面其实非常复杂,体现了他的哲学观念。在《新美学前言》中,纽曼这样写道:“除空间以外,最喧嚷的是什么?……我的绘画既不关心空间的摆布,也不关心形象,而是关心时代的感觉……”

《合而为一之三》作于1949年,代表了纽曼的艺术风格。画面上,平涂的暗红色底子,由一根红色线条一分为二。线条是垂直的,不规整的,留有笔触画过的自然痕迹。它像一根拉练,将深色的平面划开,让我们似乎看到了在平静的表面之下隐匿着的某种东西。纽曼这种形式简练的画风对后来的极少主义艺术产生了很大影响。

汉克斯

汉克斯

  Steve Hanks美国现实主义水彩画家,可以说是人文主义的画家。他的作品以妇女和儿童为主,画出了生活的平淡,却又让你怦然心动,那时一种平和中的感动, 激情中的平淡。他获得过很多奖项,包括西方艺术国家学院金奖(1992), 国家水彩社会贡献奖(1991),一直是美国顶尖艺术家之一,受到了批评家和收藏家的一致称赞。他的作品来自于生活的点点滴滴,来自于每一个温馨的时刻,看他的画,你会忘记美术作品的色调、笔触、甚至构图,而仿佛在读一首诗,仿佛在体悟人生的真谛,因为你在看画的一瞬间就被某些我们都能看懂的部分所吸引,至少对我是这样。他的女性人体的作品,尤其是其中表现出来的不可思议的微妙的感觉和细心而明快的空气引了大众的关注。这些作品很好的阐述了他的 “introspective solitude”的含义,也体现了某个批评家曾经描述过的艺术家独特的捕作“poised between heart beats”的能力。

怀斯

怀斯

  怀斯(Wyeth,Andrew,1917~ ),美国画家。1917年7月12日生于宾夕法尼亚州的哈兹福德。幼年随父亲学画。1937年在纽约举办首次个人画展,取得成功。他长于干笔画和蛋胶粉画,作品继承写实传统,又独树一帜,颇得人们心灵的共鸣和喜爱。作品多表现美国乡村田园生活,造型准确,描绘细致入微,具有超级写实风格,同时又流露出感伤的情调。代表作《海风》、《克里丝蒂娜的世界》(藏纽约现代美术馆)等,色彩柔和,笔触细腻,刻画精细入微?而又带有感伤、凄凉和悲冷的情调。他是美国超级写实主义绘画的代表人物。1967年获总统授予的自由勋章。他的画风对中国80年代的青年油画家产生了很大影响。
  安德鲁.怀斯是20世纪最著名、最杰出的画家之一。他延续了曾以爱德华.霍伯(Edward Hopper)为代表的美国地方主义绘画传统.并启发了后来出现于20世纪七、八十年代的美国照相写实主义绘画,他与抽象表现派画家杰克生.帕洛克 (Jackson Pollock)及雕刻家大卫.史密斯(David Smith)同为美国艺术界的代表人物.具有崇高的地位。
  许多人叹服怀斯高度的造型能力、逼真的写实技巧、浓郁的美国情调.但怀斯认为他的画里有另一种内核——一种可以称为”提炼出的抽象”。他通过自然的表面深入其中,并在作品中加进了自己的主观理想和愿望,成功地把客观现实和主观感受融合在一起,形成了具有深刻内涵的思考性艺术。同时,怀斯被誉为美国“怀乡写实主义(nostalgic realism)”绘画大师,因为他以写实手法描绘他熟悉的乡土景物,将视觉经验加以想象的组织,有浓厚的乡土色彩,创造出独特的怀乡写实风格(何政广, 1996)。
  一生经历过美国现代艺术种种变化的怀斯画风始终如一,他的创作完全是为了追求自己的境界,从不迎合风向或趋时附会。即使在第二次世界大战后的20年,美国艺坛抽象画的全盛时代,怀斯仍然坚守着他那独特的写实画风,他不但未被抽象画的洪流所淹没,反而与第一流的抽象画家齐名。怀斯的创作,不仅在美国引起巨大的反响和激烈的争论,而且还在上世纪70年代末和80年代的中国掀起了一股“怀斯风“。影响了中国一代青年画家。
  世界艺术的多样发展注定了人类的生活物质、精神产品的多样化。在21世纪,艺术产品多样化发展的今天,安德鲁.怀斯独特的写实主义画风在世界艺术舞台上仍显示着其强大生命力。所以,在今天重温这位曾影响了中国20世纪七、八十年代世界写实主义艺术发展方向的伟大画家具有重大的意义。怀斯影响世界及中国画坛的不仅是其冷峻的写实主义风格和绘画技法,还有其坚韧不拔、不为潮流所动,以一颗平常心六十年如一日的对自己创作风格的坚守。这难道不应该对正在发展的中国写实主义画家们有所启示吗7此外,怀斯画风所表现的传承性、创新性和作品中深邃的思想内涵也都应为当代写实主义画家们借鉴。这正是本文的写作目的所在。
  本文拟从三个方面进行阐述。第一部分是对怀斯写实主义风格的诠释。其画风主要表现为继承性和独创性。在美国传统的写实主义风格和欧洲文艺复兴时艺术家的影响下,怀斯开创了独特的写实主义画风,其特征主要表现为人物和背景的完美融合、象征和隐喻手法的巧妙运用、怀乡写实主义风格三个方面。第二部分是”怀斯风”在中国的传入和发展。第三部分是怀斯写实主义画风对当代中国写实主义美术发展的启示。

安德鲁.怀斯写实主义绘画的传统性和独创性
  怀斯写实主义绘画的传承性
  安德鲁.怀斯的绘画在美国美术传统中深深地扎下了根。怀斯的父亲N.c,怀斯也是一位画家,他是在受父亲绘画的启蒙后,把天才和自我磨炼结合起来的画家。作为画家的经历,大体限定于宾夕法尼亚州的勃兰蒂瓦茵河谷和靠近缅因州的库兹新固海岸的田园地带这两个地方。尽管怀斯生活在那样有限的环境中,但通过研究怀斯的大量作品及著作,仍可看出他对他所感兴趣的欧洲巨匠和美国美术前辈的作品,所具有的极为丰富的知识。
  怀斯深知每位画家与自己风格迥异之处。在他看来,诸如雷诺阿和贝拉斯科等的色彩和笔法有些过于打上欧洲的烙印。怀斯有意识地学得艺术上的真谛和技巧,是从学习意大利以及欧洲北部初期文艺复兴时期的巨匠们开始的。特别打动怀斯心弦的是那种明快感、结构感、质感,尤其是线条。在谈及构图的反差、光的反射时,怀斯论述说,他对文艺复兴时期的巨匠比埃罗.德拉.弗朗西丝卡的作品特别上心。他第一次见到那种复制品是在少年时代。然而.使他得到更大的灵感的是丢勒 (Albrecht Durer)的干笔水彩和波提切利(Sandro Botticelli)的作品看到的纤细感与强劲感浑然一体的线条。N.c,怀斯曾给儿子以丢勒铜版画的复制品。年轻的安德鲁.怀斯深深地为其主题和技法所打动。可以说,这位德意志画家是他最初的老师,是给与他干笔画示范教材的画家。在怀斯意识中特别强烈地残留着丢勒有名的素描《仔兔》和《芝草》(维也纳阿贝尔提那美术馆藏)。对后者,怀斯认为是“他的最高杰作”。怀斯的干笔画《草》(1942年)的灵感也是从那里得到的。怀斯非常欣赏丢勒对细小对象和质感的描绘,不论是从感觉上还是从文字所表达的意义来说.都带有一种质朴的彬彬有礼之感。怀斯依据这一观察方法而创作的“海尔格”系列作品已清楚地体现了这一点。
  怀斯创作的大量作品中杰出的是干笔水彩画。与历来流动的即兴的水彩画不同.干笔水彩画是为获得具体细节的丰富感而把笔中的水绞干作画。用干笔将各种颜料重叠涂抹下去,那酷似织物的过程随着水彩厚度的增加,其内部就呈现出干刷的层次。这织物的比喻,与画家所用画笔的动物毛、草的纤维、编织的头发有相象的地方。所以,以人物的头发为描绘重点的作品很多,例如《披肩大衣》、《跪拜》、《男侍者》、《花冠》、《波罗西亚人》等作品。怀斯注意到丢勒在《仔兔》这幅作品中把精力放在小动物的头部来精雕细刻,我们也不难看出怀斯本身的精力所在。从怀斯的这些作品中可看到与《仔兔》相似的自然感和稳重感得到淋漓尽致的表现。
  给怀斯以重要影响的另一位画家是波提切利。这位巨匠给了怀斯以绘画的主题和技巧的灵感。在现代画家中使用蛋彩的,还没有超出怀斯的人,所以当怀斯运用这一古老的技法时,把目光指向文艺复兴时期的绘画是很自然的,于是波提切利的技法引起了他的注意。?乘顾担骸翱疾煲酝?幕婊??颐靼琢讼蟛ㄌ崆欣?摹段?伤沟牡??罚?淙皇褂玫氖欠?迹??瓿傻檬?殖錾?N乙苍?酝加梅?蓟嬷频安驶??春懿蝗缫狻7?嫉牡?院芴盅幔?谷朔衬铡!被乘顾?非蟮氖且揽抗雇嫉拇炕?屯枷裨靥宀闹实挠捕日饬椒矫妫??竦没?娴某志眯浴S谜袅笏?偷盎萍由细稍锏幕?首鞒龅牡安驶?晒痰煤芸臁H绻?颜馔吭谀景迳希?宦墼诟芯醴矫婊故窃谛翁?矫娑挤?匣乘棺非蟮耐枷窦峁绦缘囊馔肌?amp;nbsp;
  初期文艺复兴时期的绘画和波提切利的作品给予年轻怀斯的影响不仅在画风方面,还在于人物形象具备的升华了的属性和意义。当看到《花冠》的雄辩感、端庄感时,立刻联想到《维纳斯的诞生》、《春》是很自然的。倒不是怀斯有意识地仿效波提切利赋予他的裸体画以神话的、哲学的意义。在“海尔格”系列作品中,即使她不是女神,但也确实具有自然人格化的某种暗示。这里有寓言一样的力量,就是怀斯把平凡的事物化为伟大的写照。
  带有强烈欧洲传统意识的怀斯,同时也自认为是现代美国画家。在美国传统之流中,怀斯接受下来的是作为形式的现实主义和作为风景主题这一美国20世纪美术的主流。在怀斯的作品中,可以看出他的眼中感触到了对现实的不安感、内省和孤独等等。的确,他在考虑强烈追求独立自主精神和天才的灵感时,怀斯又回到故乡,并在那里长期居住。 怀斯的作品,在美国的风景画和风俗画的广阔视野中是不难捕捉到的。他的视点和背景地形以及表现素材的选择方法.继承了美国美术界两位出类拔萃的前辈文斯洛.霍默(Winslow Homer)和托马斯-埃金斯(Thomas Eakins)的风格。就场所而言,霍默居住在缅因州.埃金斯居住在宾夕法尼亚州,与怀斯基本相同。而且,霍默与埃金斯也和怀斯一样,精于素描和水彩。
  怀斯喜欢霍默的作品.尤其偏爱他的水彩画。水彩画不仅表现力丰富.而且其亲切感、直率感.可以产生出预想不到的力度和情感。然而怀斯不仅是从显著的成就和创作方法上来理解霍默的真实价值。将两者作品的主题相比较就知道他们有许多共同点。特别是1870年左右霍默曾多次创作的坐在草地上的人、横穿牧场的人、目不转睛地凝视地平线的人、专心于身边琐事的人。这些画表现着年轻人的幻想或初涉人生的艰辛而呈现出的过度思虑的神态。霍默在35岁左右绘制了《正午》、《牧场的人们》等我们早已熟知的名作。而怀斯在35岁时,在《远送》中重现了这些情境。此后,从两者单纯化了的风景画即霍默的《东北风》和怀斯的《风雪》中,也可以看出他们的对应。最后,在近景与远景对置构图的功夫上,他们二人的相似之处可以在霍默的《月的接吻》和怀:斯的《月的疯狂》中隐约出现的满月上看到。两者皆以画家圆通的想象力产生出大胆的构图。
如果说着装的海尔格能够在霍默1870年以后创作的表现室内、外年轻女性的系列作品(例如:《黑板》1870年;《疲劳》1878年等作品)中找到关联点的话,那么完全脱去服装、无遮掩、无一丝隐讳的裸体的海尔格,可以在埃金斯的作品中找到对应物。与霍默、怀斯不同,埃金斯是年轻时受过传统美术教育的画家。最初在弗拉德尔菲亚的宾夕法尼亚艺术院学习,接着于19世纪60年代末在巴黎就学于杰罗姆等人门下。在这个时期,埃金斯依靠画室里的模特儿,绘制的各种姿态的素描力作。模特儿不是特定的人物,埃金斯的创作是毫无掩饰的、率直的,几乎没有矫揉造作和理想化、美化的意图。他所关心的只是对质感、量感、形态、骨骼、和筋肉的表现。这种诚实的观察和描绘成为怀斯和其后的现实主义画家一贯遵循的要素。然而.与埃金斯有所不同.怀斯不是直接把自身的肉体形象表现在画中。画家和对象间的无形纽带是通过凝结成的艺术作品表现出来的。怀斯向埃金斯学习的是排除了作为性的特征的伤感去率直地表现人生,着眼于把个体作为更大的真实去体现这一基点(常虹、庞开立,1990,p14)。

怀斯画风的特征
  1、人物和背景的完美融合
  怀斯认为人不仅存在于风景之中.而且能与风景融合在一起。怀斯在表现这种融合时依靠的是特定场所的一般化画法上的抽象化和在人物的姿势与凝视中表现出来的思考的纯化来完成的。怀斯在主要的轮廓线上、纯化了的质感和表现力上,以其丰富的笔触,把焦点置于洗练的构图感
觉上。不一定像照相那样准确.怀斯注意和强调的是现实性。作品的内在抽象化,在某种意义上可以说是超越日常观察的美的意识的发现。与此同时,作品也表现了画家向独特思维的集中.这种融合是怀斯画风的特征。正因为如此,我们很难给怀斯的“克里斯蒂娜”和“海尔格”等系列作品划定某种范畴和定义。可以说,这些组曲是美国美术中古老的主题,即肖像画、裸体画、风景画、风俗画的交响曲(常虹、庞开立,1990)。   
  怀斯独特的写实主义和从表现媒介物引出的质感尤其能打动我们的感觉。为了达到人物和环境的融合统一,他常常在形式上使用相类似的笔触。如画原野的草.动物的皮毛和人的肌肉、毛发等。在这方面.可以看到他倾向于年轻时代的丢勒的痕迹,同时也在无意识中把人类生命的活力与动物的本质联结在一起。如在“海尔格” 系列作品中,以垂发来强调裸体或穿着动物毛皮等把毛发、动物毛皮作为重点刻画对象的作品非常多。
  怀斯擅长将人物和背景巧妙地结合。这里说的背景包括户外和室内空间。怀斯为使用不同的线和面构图,充分利用户外和室内的有关事物。怀斯的风俗画与一般的风俗画有所不同,几乎没有考虑要说明的某种情节。没注意要把故事、文学等内容绘入画中。所以很少有表现人物的明确动作或某种活动的画面。他所描绘的是比较广泛的人性和面对死亡命运的人的形象。怀斯有意识地不描绘画室,而是在自己家的室内或周围的风景中放置人物,把他们融注到那里。他认为比表现看到的事物更重要的是表现体会到的事物,并通过这种方式磨练技术。
  1946年怀斯做蛋彩画《冬》。作画的前一年,安德鲁.怀斯的父亲就在一个丘着自身对社会现实的深层的哲学思考,以及对人生的脆弱和短暂的悲叹。即使在对大自然永恒生命力的赞美中也能体味到其中的悲剧意识和忧郁色彩。在从一定程度上反映着怀斯心灵深处无形苦痛的作品《克里斯蒂娜的世界》中,我们就能领会到怀斯的这种创作心境。画中描绘的是身患小儿麻痹症而致残的少女克里斯蒂娜,身穿粉红色的衣裙在荒无人迹、杂草丛生的凄冷环境里,无助而又苍白地匍匐在草地上,正在艰难而渴望地向高居在山坡上、耸立于地平线上、孤寂而又冷漠的木屋爬去。少女抬着汗水淋漓的头,凄惨地遥望着远方孤立的家,在这满目荒凉的土地上,用她那瘦削脆弱的胳膊支撑着行动不便的身子。整个画面荒芜的大地占去了全画的4/5,远处的木板房和近景的荒草地,都是如此清晰地映入眼帘。空旷和孤寂的气氛压挤在少女的身上,形成一种凄凉和悲冷的情调,引起了岗对面因车祸身亡。那幅画不仅表明他继承了父亲的画风,也是他开始把人物和场所统一化的力作。那从丘岗上跑下来的少年的形象是旋转着的怀斯的姿态。手向苍穹,灵魂出窍似地踉踉跄跄地行进着.那座丘岗,结果成了怀斯父亲的肖像。他把那辽阔的背景与对父亲怀念之情融汇在一起,虚无飘渺的丘岗的斜面,成了安德鲁表现深刻的孤独感的物镜。
  2、象征和隐喻手法的巧妙运用
  怀斯的作品宁静,简练和纯粹是易于感知的,因为他常常在单纯的背景下画出孤寂的人。但透过表面的宁静,你可以从一种失衡的姿态,一个突然的表情,一道凝固的光线,或者从裂开的墙缝中感受到深藏不露的紧张、威胁和不安。这一切是由画家对事物的特殊关注所引起的,这种关注把个人记忆、激动和隐私变成一种不可解说又不可解脱的情绪,变成一种隐喻和象征,仿佛要在转瞬间抓住永恒之物,要在寻常对象中研读出神秘莫测的世界本质。
  如果客观地分析,我们可以肯定地说怀斯与众不同的独特画风几乎都是沉迷于他自己所认知的宇宙,而环绕在他周围可以运用的并不是一个有形物质的宇宙,而是一个属于心灵的世界。因此他的画中虽然是写实景物,但却充满隐喻。正是这种隐喻和象征,给我们观者的幻想注入了活力,感动了我们的心灵。我们必须透视他的艺术,才能从表面现象中看出深沉的象征意义,才能捕捉画面所呈现的奇异特质和根本思想。
  怀斯有些作品构图奇特,出人意料,你常常能看到在充满诗情画意、神话色彩的画面上却隐含着莫名的恐惧与忧伤。他的作品饱含深度的个体意识和超现实的抽象性,呈现的是现代人的精神特征,即个人被抛向世界时依靠自己而不是依靠群体来面对世界的精神矛盾(李方明,2003)。在怀斯的画中,始终贯穿观者深切的恻隐之心。在这里.一种对人生坎坷的解读.一种似梦非梦的现实,清晰地映照出残酷的现实与画家心理的现实。《克里斯蒂娜的世界》是怀斯的代表作.同时也是怀斯成为一个真正的美国风格的著名画家的标志。
  怀斯以安娜.克里斯蒂娜-奥尔逊、希莉-埃里库森、卡尔.卡纳及其夫人、海尔格.迪斯托夫等为模特创作了大量作品。在克里斯蒂娜的各种肖像上可以看到明显的变化.其中有的甚至不像同~个人物。在其背后总有我们所体会不到的不可思议的但却完全自然的关系,无言的但极美好的心灵的交流。肉体是不能逆时而永存的,但怀斯在这个主题中却发掘出了永远进发着旺盛生命力的源泉。像克里斯蒂娜死后,年青的希莉暗示着从死亡向某种新东西的转生,是复活的象征,海尔格也表现了卡尔.卡纳死后向人类生命力的回归和延续。海尔格健美的容貌、沉着的举止和她欧洲人的后裔所生成的气质.与这土地的暗褐色调,平缓伸展的慢坡地形.
加以多半柔和的光线、绿色的草原和五彩缤纷的花环,表现出大地和人体中孕育的生命力和再生的生机。
  3.怀乡写实主义风格
  怀斯向往美国乡村田园的现实生活.他以对故乡无限的眷恋之情.深情地描绘着美国乡间的每一寸土地:简朴的房屋、孤寂的海滩、芬芳的泥土、优柔的花草到处弥漫着乡土的深情与怀思。怀斯也因此被誉称为“怀乡写实主义(nostaIgic realism)”绘画大师(何政广,1996),或译为“乡情写实主义画家”(孙江宁,2004)。
  怀斯20岁时便在纽约举行首次个人画展,他画的风景水彩画很快销售一空,但他没有像大多数艺术家一样移居到大城市,而是一生住在故乡.从不去旅行。他的作品多取材于身边的景致和人物,这和他力图在最简单、最平凡、最直接的事物中寻找灵感和醒悟本质的欲望相符。有人讥讽他是”摩登的原始人”、“地方主义者”。他对此回答说:”我的作品与我生活的土壤深深地结合在一起.但是我并非自然地描写这些风景.而是透过它来表现我心灵深处的记忆和感情。”.“我连身边的宝藏都还没有尽心探测.为什么不应该在一个地方常住呢?”
  怀斯最善于观察身边的印迹.透过斑驳的木窗看到起伏的荒原.古老的房屋内投下长长的阴影.皱纹爬过老人的脸颊…… 这些都深印在他的心里。他用细腻而又极精炼概括的写实手法.描绘乡间的一草一木,描绘周围的邻居、朋友和亲人.讴歌人与大自然的交融。他的每一幅作品都在促使你同画中的景物对话.让你去发现深藏于那里的隐喻和思想。
  怀斯经常被那些能够表现岁月流逝的东西所吸引.他喜欢用那些断墙、破糊墙纸、穿旧的衣服、倾斜的水桶、篮子、废弃的大车来暗示光明易逝。这些静物都不漂亮.但却自然真实、亲切纯朴.在平凡中令人惊奇,发人深思。怀斯笔下的风景也很平常.却有着浓郁的生活气息。他很少画春日和盛夏.而喜爱冬季和秋天的落叶。他的风景有着令人神往的力量.唤起人们对故乡的怀恋和对逝去时光的回忆。那老人、孤屋、村妇、乌兽和草木和那神秘的缕缕斜阳的余晖,仿佛在述说着宇宙中、天地间的平凡故事。那凝固了的空气、静寂的天籁之声与丝丝淡淡的哀愁,向世人展示了大自然和艺术家融合的杰作。
  许多人在怀斯的画前都有一种与内心深处最原始的本能和经历过后的醒悟碰撞而产生的共鸣,这是因为画家在这片并不大的范围内用心灵和智慧”开垦了自己的宇宙“。许多人叹服怀斯高度的造型能力、逼真的写实技巧、浓郁的美国情调.但怀斯认为他的画里有另一种内核——一种可以称为“提炼出的抽象”。他通过对自然的表面深入其中,并在作品中加进了自己的主观理想和愿望,成功地把客观现实和主观感受融合在一起,形成了具有深刻内涵的思考性艺术。