油画百科

博乔尼

博乔尼

  翁贝托·博乔尼(Boccioni, Umberto, 1882-1916),博乔尼1882年出生于勒佐·卡拉布里亚,父亲是省府雇员,为了工作不得不经常搬家,年轻的博乔尼在意大利的不同城市渡过了他的青年时代:弗利、热那亚,帕多瓦和卡塔尼亚(1897),他在卡塔尼亚毕业,并开始为一些当地的报纸工作。四年后,他移居罗马,经常走访一个招贴画家的工作室,从而被引向素描和插图家的生涯。在罗马,他结识了年轻的画家塞韦里尼,他们一起去巴拉的画室,后者向他们传授了分色主义的技术秘诀。
  1906年,他在巴黎学习印象派绘画,尤其是塞尚的绘画,并结识和经常走访奥古斯达·彼得罗夫娜·波波夫,一个嫁给了别尔德尼科夫的很有修养的俄罗斯少妇。受到别尔德尼科夫夫妇的邀请,博乔尼在俄罗斯旅行了五个月,参观了察里津、莫斯科和圣彼得堡,11月时还去了华沙,年底  回到意大利后,他定居帕多瓦,并进入威尼斯美术学院学习。
  1907年末,他到米兰与母亲和姐姐住在一起,在那里开始喜欢并学习达·沃尔佩多的作品,尤其是画家普莱维亚蒂的作品,后者教授他把分色主义手法和象征主义手法结合在一起,使博乔尼的绘画几乎具有了表现主义的色彩。他和普莱维亚蒂都对社会问题有兴趣。同一时期,他的绘画主题开始变得更为“现代”,出现了以米兰郊区的日常生活为主题的作品。
  1909年,他被马里内蒂同年2月20日在巴黎《费加罗》日报上发表的《未来主义宣言》所震撼。1910年2月,与画家朋友卡拉和鲁索洛一起,他开始拜访文人圈,这是他未来派活动的开端。同年,他签署了《未来主义画家宣言》,并与巴拉、鲁索洛、卡拉和塞韦里尼一起共同撰写了《未来主义画派技术宣言》。还是这一年,他在威尼斯佩萨罗宫举办展览,这是他的首次个展,展出了42幅作品,并出版了马里内蒂作序的图录。1911年开始,博乔尼参加了未来派的所有活动,并用撰文和公共活动的形式对运动的理论建构给予了极其重要的贡献。1911年秋,他与卡拉一起前往巴黎,为未来派画家组织展览。在巴黎他再次遇到好友塞韦里尼,并通过他结识了毕卡索和阿波利内尔。1912年2月5日,他回到法国首都,参加在小贝尔南画廊的“意大利未来派绘画”展,同年4月,他出版了他最重要的理论作品《未来派雕刻技术宣言》。
  1913年他成为帕皮尼主编的杂志《辛辣》的首批合作者之一,这份杂志几乎是未来派的正式“喉舌”。随后的几年中,博乔尼参加了意大利和欧洲的众多展览,积极参与了未来派的所有战役。1914年初,他出版了文章《未来派的绘画和雕刻》,旨在给予未来派的审美观一种系统的理论。在绘画和雕塑中,他言行一致地使用他自己给予理论化的未来派原则:同步视象、造型动感、线条力量、形状光线。1915年7月,意大利参战,博乔尼与其他未来派画家一起,应征入伍,参加志愿军。
  1916年8月16日,在维罗纳附近的一次操练中,他坠马去世,年仅33岁。

贾科莫·巴拉

贾科莫·巴拉

  贾科莫· 巴拉1871年生于都灵,是意大利画家,未来派最杰出的人物.他先是以学院式绘画崭露头角,受到当时评论界的赞赏.在巴黎的暂短逗留使他看到印象派和分色主义,对色和光的总是表现出狂热兴趣.回到罗马以后,他了塞韦里尼和波丘尼,把自己的新信念告诉了他们.
  1909年,马利奈蒂又使他变成未来动力论者.三年之后,他现存纽约现代艺术馆的小说诗歌文学作品《被牵住的狗》得到当时极度反对先锋派倾向的公众的青睐.他有点稚拙地分析了运动,重现了行走的机理,象慢入电影一样地在画布上画出一位妇女的腿和一只小狗的脚的边疆位置.在《未来派绘画宣言》的五位签名者中,他是唯一未参加巴黎展览的.他真正的动力主义的含义是在看了塞韦里尼《球面在空间中扩展》一画之后.1913至1916年,他进行了一系列创作,其中包括《水星在太阳前面经过》,这些从观察自然中获得启示的小说诗歌文学作品是未来派所留下的最抽象之作.他在给予感受、运动和心灵状态以独特完整造型上取得了成功,可以说,分析未来派和未来派都是以他为榜样,把感受、运动和心灵状态融合为一种表达方式的.我们若重意愿而不重结果的话,就应承认巴拉无疑是不自学地逾越了未来派的界限,而跻于最初的抽象派大师之列.遗憾的是,这个真正的创新时期在全力进行战争的世界上并未引起任何反响,而且只持续了很短的时间.他作为先驱者的那件小说诗歌文学作品在很长的年代里也几乎无人知晓,只是在最近,由于展览会和编排了非常认真的出版物以后,才被人重新发.

霍德勒

霍德勒

  (1853-1918年)费迪南德.霍德勒出生于瑞士的伯尔尼,逝于日内瓦。霍德勒19岁时来到日内瓦,初师一位想像风景画家森马,后改师安格尔的学生和柯罗的朋友麦恩。他的绘画曾受到荷尔拜因的影响。他的艺术探索和创作具有多样化不确定状态:有时是自然主义、理想主义,有时又是象征主义。事实上霍德勒从未与任何艺术流派发生联系,他是位奇怪而孤僻的人物,而他的画总有一个程式:总是将画中人物精确的造型,孤立地分布在一个平坦的、中性的背景之上。人物与人物之间,人物与环境之间,人物与观者之间的这种孤立,实在是反映了画家精神上的孤独,尽管他的画有一种阴郁的气氛,但却是优雅生动的。这是因为他运用了矫饰主义的动态以及装饰性线条的外轮廓。
  晚年的霍德勒画了一些色彩高雅的湖泊风景画。人们说在他的身上画匠的成份多于画家,但他的作品不乏有雄强之气,富有非凡的表现力,这使他的作品仍具有持久的价值.

  《被选者》画中描绘一个男孩跪在一座微型的花园前面,在一群身着睡衣,排成半圆形的天使保护下,进行奇思遐想。这是一个具象的人物造型和抽象的神秘境界相结合的画面。六位美丽的人间女子,身着天使般的外套,腾空而立,每个人手中所持不同小花,两侧天使手势各异,这些小花和手势究竟象征什么?耐人寻味。

米罗

米罗

  胡安·米罗(1893-1983) 西班牙二十世纪绘画大师,超现实主义绘画的伟大天才之一。米罗艺术的卓越之处,并不在于他的肖像画或绘画结构,而是他的作品有幻想的幽默——这是其中一个要素。另一个卓越之处就是,米罗的空想世界非常生动。他的有机物和野兽,甚至他那无生命的物体,都有一种热情的活力,使我们觉得比我们日常所见更为真实。米罗是非常多产的,画风始终如一而又多样变化。以至想要一般性地追述一下都十分困难。早期作品受塞尚、梵高和毕加索及野兽派画家的影响,作品或带有极为精雅的色彩和线条的运动,或具有立体主义的作风。在1920年代中期,他在他的新天地中,探索了非常困难的一些方面,从《哈里昆的狂欢》的复杂性,到《犬吠月》和《人投鸟一石子》这类作品非常有魅力的单纯性。1928年他访问了荷兰,受到荷兰少有的几个大师的影响。他制作了一系列的绘画,题名为荷兰的室内,那是从真实到幻想变形的实例。1920年代末至1930年代初,米罗开始探讨拼贴和装配,并创作了一些怪人物。这些探索一直又继续搞了十年。这个时期给人印象最深刻的作品,就是1933年的大型组画,到此时为止,这也是最抽象的作品。有一些是以拼贴的要素为基础的,把从报纸上撕下来的真实细部,贴到纸板上。母题有工具、家具、碟子和玻璃器皿,暗示他的抽象有机形状,有时是指面部或人体。这些绘画的意图是以抽象为主体,并用中性的标题表现出来。

达利

达利

 萨尔瓦多·达利(Salvador Dali)

  于1904年5月11日出生于西班牙东北部的加泰隆尼亚省的菲格拉斯城。他的童年和青少年时代非常活跃,这对于他后来的生涯尤其重要;这个时期的一些轶事,无论真实与否,都是他以后许多持续不变的形象的基础,他与父母及妻子加拉的关系对于他的艺术个性的形成具有决定性的作用。达利总是热爱着他儿时的风景环绕菲格拉斯城的大平原和有橄榄林与尖秃岩石的加泰隆尼亚海岸。这些古老令人伤感的风景不仅作为背景而且也作为有生命的存在进入了他的绘画。"除了毕加索,萨尔瓦多·达利也许是最为知名但这并不是说得到了高度的评价的二十世纪画家"。围绕达利现象,人们有许多疑问:达利为何如此知名,几乎是臭名昭著?他究竟是一个杰出的艺术家还是一个江湖骗子?他到底是一个现代主义者还是一个古典主义的拙劣继承人?在艺术史论界尤其关注的问题是:达利的艺术在多大程度上属于超现实主义?达利在现代艺术中的地位究竟如何?达利现象向我们提出了这样一个最为根本的问题:艺术在二十一世纪的命运究竟如何?我们不妨也可以这样提出问题,类似达利的反艺术现象究竟是怎样一种文化现象?

  超现实主义绘画是西方现代文艺中影响最为广泛的运动之一,达利作为该运动在美术领域的主要代表,一直是人们关注和争论的对象。"我同疯子的唯一区别,在于我不是疯子"," 每天早晨醒来,我都在体验一次极度的快乐,那就是成为达利的快乐……"。不用看达利高高翘向天穹的胡子,不用观赏他充满奇思怪想的作品,单是这些不同凡响的妙语,就足使你想象得出他是个什么样的人。达利的盛誉主要归结于他自我推销的天分,但更应归功于他富于奇想的特殊才能。他的奇思怪想源自于生命中难以捕捉的素材,如性、死亡、变态、苍穹。他惯用不合逻辑地并列事物的方法。将受情感激发产生的灵感转变为创作过程,将自己内心的荒诞、怪异加入外在的客观世界,将人们熟悉的东西扭曲变形,再以精细的写真技术加以肯定,使幻想具有真实性。达利始终宣称自己是现代艺术文化的救世主,每天都在创造丰功伟绩,取得划时代的胜利:前往巴黎、遇见加拉、爱情田园诗、超现实主义革命……

  为了获得自相矛盾的视觉形象,他通常都十分细致,精确地用十分斜视的手法描绘这些创造的形象,也许正式这种一丝不苟的现实主义笔法,正式这些清晰存在却非真实的形象才是如此令人不安的原因。

  在达利长达70年的艺术生涯里,可谓做尽了让我们瞪目结舌的事。在那些怪事和怪诞言论里,给"巨匠们打分"已经成为达利的品牌。在西班牙绘画史上,他与委拉斯凯茨、戈雅、米罗、毕加索等绘画大师一同辉映着西班牙俊美的天空,传奇着西班牙的绘画史。

  达利那双目空一切的眼睛无时无刻不在忧郁地注视着这个世界。

达利年表
  1904
  萨尔瓦多.费利佩.哈辛托.达利五月十一日生于西班牙费格拉斯。

  1914
  达利在费格拉斯天主教中学上学, 已崭露绘画天才。

  1918
  对彩色疯狂酷爱。 五月二日, 在费格拉斯的市立剧院举办的当地画家画展上, 初次展出。

  1919
  定期撰写有关艺术的文章并开始向费格拉斯公立中学办的评论杂志「体育场」投稿。

  1921
  进入马德里的圣费南度美术学校, 学习素描, 油画和雕塑。
  1922
  在巴塞罗那的达茂画廊展出八幅作品。

  1923
  因无政府主义思想倾向而被补, 在费格拉斯与古罗纳被囚卅五天。

  1925
  达利首次在巴塞罗那的达茂画廊举行个人画展, 引起毕卡索和米罗的注意。

  1926
  在巴黎曾拜访毕卡索, 毕卡索对达利作品印象甚深 。

  1929
  第二次到巴黎, 目的是拍摄布鲁维尔的影片《安大鲁西亚犬》。 与卡拉相遇相爱。

  1931
  首次在皮雷。科列画廊展出, 後来并三年连续展出两次。

  1932
  《软锺》在朱利恩 。 利维画廊初次参加集体展出时, 引起纽约艺术爱好者极大的好奇, 是达利作品在美国获得成功的开始。

  1933
  在纽约朱利恩。利维画廊首次展出个人画展。 十二月, 在巴塞罗那的加泰隆尼亚艺术画廊展出。

  1934
  在伦敦的兹威默画廊, 达利举行了在英国的首次个人画展。 十一月, 达利与加拉乘坐潜普莱恩号轮船初次到达纽约。

  1935
  在纽约现代美术馆作题为「超现实主义绘画和偏执狂患者的形象」演讲。

  1936
  五月, 超?质抵饕迨滴镌诶?倩?日钩觯?达利以他的设计《康德纪念碑》及《刺激性欲的外套》参展。

  1937
  达利为避开战争,住在爱德华·詹姆士家里。 他和詹姆士一同研究熟悉文艺复兴和巴洛克艺术。

  1938
  一月, 以《下雨天的出租汽车》参加巴黎美术画廊的超现实主义展出。

  1939
  再度到纽约, 参加三月廿一日在朱利恩 · 利维画廊开幕的个人作品展览会。

  1940
  纳粹入侵迫在眉睫,达利再度离开欧洲, 先住在美国维吉尼亚州,卡雷斯·克罗斯比家里。 後后运至加州卡美尔的卵石海滩。

  1941
  十月, 芭蕾舞「迷宫」於纽约大都会歌剧院首演。 歌剧剧本, 布景和服装都是达利创作和设计的。

  1942
  纽约现代美术馆举办达利作品回顾展, 并轮流在美国其他八个城市展出。

  1944
  上演戏剧作品有:《钦尼塔咖啡馆》《感伤的讨论》和《疯子特里斯丹》。

  1945
  广岛的原子弹爆炸启发了达利,开始他的「核」或「原子」等科学阶段。

  1946
  返回欧洲, 准备在西班牙科加特港定居下来。 离家乡费格拉斯约三十哩。

  1949
  开始对宗教题材有兴趣, 也对和谐几何图形理论产生兴趣。

  1950
  一月, 达利在纽约出版了「备忘录」。

  1954
  先後在罗马, 威尼斯和米兰展出重要作品回顾展。

  1960
  二月, 在纽约展出《哥伦布发现美洲》个展。

  1961
  在威尼斯首演「加拉的芭蕾舞」, 达利设计布景, 道具和服装。 莫里斯·贝贾特编导。

  1964
  达利被授与西班牙伊莎贝尔大十字勋章。 五月, 书籍「一位天才的日记」出版。

  1965
  纽约现代艺术画廊展出达利所有重要作品回顾画展。 此时他开始对摄影和二度空间艺术发生兴趣。

  1969
  「变态的情欲」出版, 这是他的偏执狂临界状态手法达到最高潮的作品。

  1970
  和西班牙建筑师埃米利奥·佩雷斯·皮涅罗研究建在费格拉斯达利博物馆的初步计划。

  1971
  美国俄亥俄州克利夫兰的达利博物馆正式开幕。 达利第一部画集「是的(Oui)」 出版。

  1972
  纽约诺德勒画廊展出他的摄影作品。

  1974
  三月, 在德国法兰克福的史达德尔美术馆, 举办作品回顾展。 九月十八日, 费格拉斯达利博物馆开幕。

  1979 年

  1975
  尼康公司资助摄影展, 主题为「达利,偏执狂临界状态方法,客观偶然性和第三度空间」。

  1976
  十月, 将一本著作「哲学家的炼金术」存入巴黎国立图书馆。

  1978
  四月, 在纽约古金汉博物馆展出第一件超立体主义的作品。

  1980
  在伦敦泰德画廊举行达利主要作品回顾展。

  1982
  妻子卡拉病逝。 达利隐居在恩波达。 创作有些是他自己设计的新主题, 有些是从米开朗基罗的作品中取材的。

  1983
  四月十五日, 西班牙国王与王后, 为马德里西班牙当代艺术博物馆举办的「从1914到1983年400件达利作品选作」展览剪彩。

  1984
  三月廿七日, 在费格拉斯正式设立加拉-萨尔瓦多·达利基金会。

  1986
  缠绵病榻且闭门谢客, 可以接近他的只有医疗小组和最亲密的合作者。

  1988
  十一月, 病情恶化, 被送到巴塞罗那的科龙医院。 在医院中, 西班牙国王亲自探视, 达利将自己写的一本诗送给他。

  1989
  心脏病突发, 一月廿三日於费格拉斯医院中去世。 他的遗体用防腐剂保存。 安葬在达利博物馆中。

凡·杜斯堡

凡·杜斯堡

 (Theo van Doesburg,1883—1931)是风格派的另一位核心人物。他是(风格》杂志的创刊人和主持者,同时也是该杂志重要的撰稿人。他曾用好几个笔名在该杂志发表文章,让别人以为那些文章是由不同国籍的好几个人所作,从而人为地扩大了风格派的影响。杜斯堡曾对风格派一词的由来这样解释,“风格是出自我在1912年的阐述:剥去本质的外形,那么你就能得到风格。”

杜斯堡生于荷兰乌特勒支,起先曾以戏剧为业,写过一些寓言和剧本。1900年,他的兴趣转向了绘画;他在里克斯博物馆临摹藏画,并以卖画为生。杜斯堡对现代艺术运动颇有兴趣和热情,经常撰写文章进行评论。1915年,他写了一篇文章,赞扬蒙德里安那些将树木、教堂等母题一步步引向抽象的系列画。蒙德里安读到该文后便到处寻找作者。杜斯堡自己也在绘画中进行与蒙德里安相似的抽象实验。“杜斯堡甚至比蒙德里安还早就认识了直线在艺术中至高无上的重要性,他甚至想给他的杂志起个名字叫《直线》。”(阿纳森著,邹德侬等译:《西方现代艺术史》,天津人民美术出版社,第226页。)而假如该杂志真的被如此定名,那我们如今所说的这个风格派,恐怕就该叫“直线派”了。1916—1917年,他在一系列表现奶牛、静物及玩牌者的画中,以几何图形简化物象,最终消除了画面物象,而走上非具象的道路。这幅《玩牌者》的母题来源于塞尚的同名作品,杜斯堡将塞尚画中的那种几何构成的处理,进一步引向抽象。我们看到,玩牌者的形象已被抽象成为无法辨认的直线和矩形。那些不同的矩形,形成了一个疏密聚散变化有致的网格结构。在这一网格结构中,所有造型要素均被水平线和垂直线控制着,形成某种节奏和韵律。这种图式令我们想起蒙德里安的作品。其实,在这件作品之前,杜斯堡已就塞尚的《玩牌者》作过抽象探索。

那件早些时候(约1916—17年)的作品在构图上基本照搬了塞尚的,人物形象则被简化为平面的几何色块,不过形象依然是可辨的。

1917年,杜斯堡与几位荷兰先锋艺术家共同创办《风格》杂志。1921年,他离开荷兰,到中欧各地作巡回演讲。在各地,尤其是在魏玛的包豪斯学院,他成为轰动一时的人物。杜斯堡曾于1920和1921年两次造访德国,后一次是受格罗皮乌斯之邀访问魏玛包豪斯学院。不过,令邀请者始料不及和大为后悔的是,杜斯堡竟在那儿对于包豪斯当时流行的个人主义、表现主义和神秘主义的方法,发起了一连串的尖锐攻击。这自然引起了包豪斯主人的愤慨。面对重重敌意,杜斯堡毫不示弱,在学校附近建起自己的工作室,开设绘画、雕塑和建筑课程。他所讲授的课受到极大欢迎,学生们的反应迅速而热烈。这使得格罗皮乌斯不得不固守城池,而明令禁止包豪斯的学生去听杜斯堡的课。杜斯堡曾在给友人的信中不无得意地写道:“我已经把魏玛弄了个天翻地覆。那是最有名的学院,如今有了最现代的教师!每个晚上我在那儿向公众演讲,我到处播下新精神的毒素,‘风格’很快就会重新出现,更加激进。我具有无尽的能量,如今,我知道我们的思想会取得胜利:战胜任何人和物。”(转引自尼古斯·斯坦戈斯著,侯瀚如译:《现代艺术观念》,四川美术出版社,第159页。)杜斯堡在包豪斯学院产生的直接而显著的影响,在该学院师生后来的作品中清楚地显示出来。甚至,连格罗皮乌斯也没能免受他的影响。

杜斯堡才思敏捷、雄辩善论,对艺术有着惊人的洞察力。他与蒙德里安在个性及气质上恰好形成鲜明对比:蒙德里安温和且有耐性,总是缓慢地前进,不断精益求精;杜斯堡则常常显得冲动,性格中更多的是挑衅性和攻击性,而较少建设性成分。他甚至会在《风格》杂志上,把他昨日还盛赞不已的人物(如李西茨基、马列维奇)贬得一无是处。在风格派运动中,他作为活动家与宣传家的作用,远远超过了他作为艺术家的作用。新造型主义能在国际上产生那么大的影响,也许在很大程度上该归功于杜斯堡的大力宣传。

康斯太勃尔

康斯太勃尔

  (John Constable,1776—1837)19世纪欧洲风景画的真正奠基者。他不愧为艺术上勇敢而机智的创新者,为艺术,尤其是风景画艺术,开辟了一个新世界。作为一位卓越的风景大师,在他的祖国却长期鲜为人知。他被伦敦国家画廊所接受的第一幅作品,是他去世之后由他的朋友捐赠的。即使是无偿捐赠,画廊方面仍再三犹豫,唯恐画家大胆的创新精神会引起麻烦。幸运的是,康斯太勃的艺术,在他生前却得到法国公众的重视。一位法国记者根据著名画家藉里柯的评论,劝康斯太勃把作品送到巴黎展出。这才使1824年巴黎欧洲名画展上出现了包括《干草车》在内的康斯太勃的4幅作品。它们给巴黎的观众留下了深刻的印象。画家对大自然的深刻感受和满怀激情;他的朴素、清新、富有独创精神的表现技法;谰熟而完美的油画技巧,都使法国画家为之倾倒。当时,法国著名文学家、小说《红与黑》的作者司汤达科专门著文介绍康斯太勃和他的风景画。 在浪漫主义绘画史上,还流传着伟大的法国画家德拉克罗瓦在观看了这次展览后,从康斯太勃《干草车》一画的天空得到启示,重新修改了他的著名作品《希阿岛的屠杀》中的天空和远景。继德拉克罗瓦之后,年轻的风景画家科罗和其它巴比仲画家,都为康斯太勃的作品所折服。米勒、 库尔贝以及印象主义的启蒙者马奈等人,都从康斯太勃的技巧中发现了观察自然界色彩的方法。因此,评论家不无讽刺意味地说: “是法国人发现了一位英国绘画大师。《干草车》是康斯太勃最著名的代表作。画面描绘了一辆运干草的马车,涉过一条浅溪,往林木深处的田野走去。沾满露珠的树叶,闪烁着白色的反光;木栅围着的农舍,亲切朴素。这一切是如此自然、真实,没有一点矫揉造作。正如著名诗人和画家布莱克所说:“这可不是对自然的写生,这是灵感!”康斯太勃对自己的创作是这样解释的: “我生来就是为了描绘更幸福的大地——我的古老的英格兰”。正是出于对祖国的爱,才能创作出像《干草车》这样充满感情的作品。他正是以这种清新、自然的风格向僵死的学院派古典主义挑战。他的其它作品还有《白马》、《斯特拉福特磨坊》、 《水闸》、《斯托尔小景》、《滑铁卢大桥的揭幕典礼》等。他在56岁时所作的《滑铁卢大桥的揭幕典礼》一画中,大胆地使用了十分鲜明的色彩,以求表现光和影的效果,被认为对印象画派有重要影响。此后,由于健康日益恶化,他只能从事水彩画。1836年,他向皇家美术学院送去了最后一幅油画《克利奥顿纪念碑》。1837年3月31日,因心脏病猝发而与世长辞。
  这幅《干草车》是参加1824年在法国巴黎的沙龙展览的巨作。康斯泰勃也因此画而名扬巴黎。不单单是露里柯与德拉克罗瓦这样的浪漫主义绘画大师,连司汤达尔(“红与黑”的作者)也为之欢呼起来。康斯泰勃画了这样一个单纯的农村生活场景:一辆运送干草的马车正在渡河。马车边二个押车与马车夫正在小心翼翼地趋赶着,吆喝着淌水而行的强壮的马。粗木制成的干草车身上干裂的木轮和结节都清淅可见。四个铁轮上磨损的印迹,说明了这辆干草车已辗转了好多个春秋。浅浅的河水只漫过了轮子的很小一部份,我们还能看见几块河里的石头。只见那辆干草车吱嘎吱嘎地慢慢前进着,溅起了点点水花。河边开满了野花,树木在微风中摇曳,这远处草地上亮着斑驳的阳光,天上飘浮着白云真实得几乎带有湿润感,让我们踏着嫩绿的青草地和枯树叶,深深地吸几口这自然清新的芬芳气息,走向那个磨坊。康斯泰勃将这个磨坊画得那么朴实、简洁,给整幅令人陶醉的景色加上锦上添花的一笔!  
  这幅画上的景色,被称为典型英国式的农村风景。我们会常常在西欧的电影,尤其是英国的电影中见到这类似曾相识的镜头。凭构图色彩的配置,空气感等,康斯泰勃树立了一种完美的标准。以后的法国现实主义风景大师。如卢梭、柯罗等,都是康斯泰勃最忠实的追随者。

阿尔玛

阿尔玛

 (1836-1912在英国被称为劳伦斯爵士sirlawrence),出生在荷兰一个公证人的家里,1852~1856 年,在安特卫普美术学院学习,他的主要导师是历史画家亨德里克•利斯。毕业后又协助老师在安特卫普给市政厅绘制壁画。在此期间,他临摹过大量17世纪荷兰的绘画。1857年,阿尔玛~塔德玛在布鲁塞尔的画展上展出了他的第一幅作品,题材是中世纪年代的一件史实,这幅画引起观众的很大兴趣。他对某些古代史迹以精到的写实笔法去再现,是具有一定的考证价值的。后来,画家开始对法国古代民族梅罗文吉亚人的历史发生兴趣,在研读史料中,曾酝酿过几幅历史画,并在1862年阿姆斯特丹的全市画展上展出,获得了金质奖章。这就更促使他全心全力地以古代社会生活为自己的绘画主题。翌年,他访问意大利,转而对古希腊、罗马和埃及的古代生活,产生浓厚的兴趣。这以后所发表的作品,几乎没有一幅不与古代生活发生联系的。问题是,他研究古代,描绘古代,并不以古代的感情去处理往事,他所选择的绘画材料,也不都是重大的历史事件,而是以新的目光去展示古代家庭生活的一角。1870年,阿尔玛-塔德玛去英国从事创作,仍孜孜以求地以古希腊罗马的生活为题材。他严格遵循学院派的古典画法,刻意追求画面的美的视觉效果,以现代人的丰富想象力去看待古代仕女的生活方式。这种独特题材深为英国上流社会的广泛赞赏,如《雕塑家菲地亚斯》、《女诗人萨福》、《维纳斯神庙》、《谒见阿格里巴将军》等等,画上的古希腊罗马时代的人与物,别有一番情趣。
  维多利亚时代兴盛着一种对古典题材的热衷之情,这种情怀以极大的诱惑面目出现在从拉斐尔前派和皇家学院派画家们的创作中。面对着老大帝国的由盛而衰,这种幽幽的伤感便可以理解了。阿尔玛-塔德玛是英国皇家学院派画家中的世俗装饰大师,他把拉斐尔前派掀起的古典主义风潮推向前进,首先以饱含情韵的笔触描绘着梦幻般的古典世俗题材,并使得这种题材创作发展成为维多利亚时代艺术的中心。许多画家便是以他艺术承继者的面目登上画坛的,其中就包括我们所熟知的沃塞毫斯、高莱特等等。

弗雷德里克·莱顿

弗雷德里克·莱顿

  (1830——1896)是19世纪末英国最有声望的学院派画家,他辉煌的艺术光芒甚至冲淡了雷诺兹的影响,成了英国皇家学院派的代名词。不像19世纪大部分画家那样,莱顿并没有在皇家艺术学院学习,他在布鲁塞尔、巴黎、法兰克福接受绘画训练,1852年他搬到罗马居住,古典艺术给了他很大影响。1855年,他回到英国,他的作品Cimabue’s Madonna展出并被维多利亚女王购买,这是他事业的转折。1878年,莱顿当选为(英国)皇家艺术学院院长。1896年受封为男爵。他是英国唯一获此殊荣的画家。他于同年去世。
  《画家的蜜月》,这件作品被描绘得十分完美,构思新颖,用色讲究,注重黑白关系的对比。画中画家与新婚妻子相互依偎,年轻的妻子在看画家作画,感情甚笃。在画面处理上,莱顿颇具匠心,精心处理了光影关系,以严谨的造型结构描绘处于侧光中的人物,使画面色彩充满贵族气息。并且由于循着古典绘画法则,对比色的运用显示一种华美感,成为莱顿绘画特有的手段。

弗朗西斯·培根

弗朗西斯·培根

  弗朗西斯·培根(1909-1992)是英国现代艺术家中最 富独创性的画家。20世纪上半叶是西方艺术领域非常活跃的时期,各种风格的绘画作品层出不穷,培根的作品以怪诞的 变形、异乎寻常的想象给人带来触目惊心之感。他那些噩梦般的影像碎片再现了战争之后人们的生存危机。培根把这种 忧患情绪形象化,重新营构了一个痛苦而恐怖的世界。画家呈示给我们的除了一种新的绘画观念外,还有他对人类生存 境遇的深入思考。 弗朗西斯·培根出生于爱尔兰的都柏林,是19世纪英国著名哲学家培根的后裔。他16岁离家,浪迹英、德、法等国, 到处打工,20年代后期定居伦敦,1929年始自学绘画,几乎未受过专业训练。有必要提及的是,他一度还曾从事过室内 装饰与家具设计。培根的作品受到毕加索的影响,1949年之前,他很少举行作品展览,第二次世界大战之后,他的绘画 才为众人所知。1954年,培根的作品《蓝色中的男人》参加了威尼斯两年一度的世界美术展览,并为他赢得了国际声誉。