油画百科

莫迪利阿尼

莫迪利阿尼

  阿米地奥·莫迪利阿尼(1884~1920年)生于利沃尔纳,逝于巴黎.他的母亲—-一位破产的银行家遗孀,很早便预感到儿子的天职,并且从不与之作对,她让他看了伊比里亚半岛上所有的博物馆,送他进佛罗伦萨和威尼斯的美术学院习画.最后,年青人于1907年来到巴黎.他有着贵族的美貌,不过已为肺结核所啮.他古怪、犬儒、无志向,却又不乏脉脉温情.于是他很快便成为蒙马特奇特青年中最不安分的一个.
他在蒙马特住了六年,沉默寡言,游手好闲,不断地更换住所,在酒馆间晃荡.不过,他也参加美学论争,画素描,搞雕塑和涂抹油画.他参加了洗衣船的讨论,在图卢兹·劳特累克常去的那些地方,也可看到他高大而单薄的身影,因为那时,他正喜爱劳特累克的作品.
这位大资产者的儿子有些人道的表现,他喜爱卑贱者,同情生活中的贫苦人,这些都由他的行动和作品以及选择的模特儿:看门人的女儿,孱弱的儿童,平民的女孩……表现出来.他和其他许多画家一样,发现了塞尚.他还和雕塑家布朗库西是好友,后者使他看到了黑人雕塑,从此对于他的绘画有着深刻的影响.在和布朗库西的接触之中,他感到自己也有雕刻石头的愿望.于是他作了一尊雕象,不过没有完成.
  事实上,他的雕塑的确没有他的绘画高明.1913年,莫迪利阿尼离开了蒙马特高地,来到蒙巴纳斯,徘徊于不安和醉意之中.这个游荡的可怜人身上充满了酒精、毒品和天才,挥霍着自己的天分和金钱.不过,他也确实从未有过足够生存的钱.他几个生丁一张地卖着用惊人的肯定手法画出的美妙素描,几个法郎一张地卖着他作的肖像和人体.
人们经常看到他在园亭酒店或穹顶酒店里,用尖细流畅的线条画着肖像,毫不在乎地把它们送给碰到的模特儿,换上杯酒,一饮而尽.他在约瑟夫一巴拉路基斯林画室作过画,苏丁和帕斯森都是他的朋友,他就象一块漂流物,从一家咖啡馆漂到另一家咖啡馆,从一间阁楼搬到另一间阁楼,有时会碰到一个避难所或一个怜悯人的灵魂
英国女诗人贝阿特丽丝·哈斯丁帮助了他一段时间,然后又收留了他,拿出自己的生活所需,使他得以继续画着为日后博物馆和收藏家竞相争购的人物和人体.他结识了一位名叫扎娜·埃布戴尔娜的年青姑娘,和她结了婚,并有了一个孩子.这个不安定的人终于该定居下来,至少该有一点安静了吧?但是没有.他被烧痛耗尽,被肺痨击垮,进了一家医院,并于1920年1月25日,在三十六岁上嗫嚅着最后的一句话"亲爱的,亲爱的,意大利!"离开了人世.在安德·萨尔蒙和基斯林为他组织相当轰动的葬礼之日,他的妻子从六层楼上跳下,摔死在人行道上.
作为杜乔、卡斯坦尼奥、波提切利的同胞,莫迪利阿尼首先是用线的行家、素描家和样式主义画家.尽管他的颜色用得很正确,既不少共鸣,也不乏高雅,然而却并没有给其素描带来什么.不管怎么说,莫迪利阿尼在这上面是忠于托斯卡纳传统的,他完全使用图象,使用柔韧、巧妙、富有旋律的线条进行表达.
在一个时期中,他醉心于线条要超过讲究理智.这种忧郁而瘦削,高雅而柔弱,灵活到矫揉造作地步的线条并不去刺激或伤感地迎合人的感觉,它是多么得意地在一付面孔的椭圆形上弯来弯去,沿着肩头回转,将一个脖颈拉长,和表现着胯骨啊!既然它能够指挥形,那么,对于体积、空间来说,也就足够了!莫迪利阿尼以他自己的方式解决了立体派画家所致力的问题.他们事实上是尝试通过增加透高点来表现对象的全体.
莫迪利阿尼并非不知毕加索和布拉克的研究,然而他既非构成主义者,也非构图家,他的智慧也不大适合组织和深思.因此,他很聪明地拒绝参加立体派的行列.他搞变形,但不去创新,使用一些方法,但不采用严密的体系.
如果说他和一切立体派画家一样,对于光和气氛,对于"轮廓模糊画法"不感兴趣的话 ,他却有表现物体的结实和质感的雄心,而他所拥有的手段又是有限的,仅只有线,永远是线.他以任意确立的标准,把形状拉长和歪斜,使它具有对比,让它的轴线碎裂,面与面交迭在一起,这些人们称之为他的"表现主义"的东西为现代艺术作出了自己的贡献, 看看那些倾斜的头、削肩、长颈、无限延长的手臂、躯干、腿、头之间的不合比例,再看看面部那削瘦到极点的鼻子,缩短了间距、画成弧形的杏眼,狭窄紧闭的咀巴,还有那四肢瘦弱、上身短小、带着蜿蜒曲线的裸体,一切都竞相表现出纤细、稀有、纷乱、娇弱,表现出波提切利决不会非难的"柔和美妙".
莫迪利阿尼不会被当作当代绘画的一位创始者,但他找到了一种既是图象,又是装饰的风格,一种总的说来相当有限,但对他已经足够,并且不容辩驳地作用于观众的语言.这种曲线,涡形,延伸,这种温柔中的严峻,敏捷中的颟顸,模糊中的朴实,符合现代精神要求的意大利主义,被严正拯救出来的样式主义,以及包括在一种说不出的单纯和贵族持重之中的表现主义,这些就是人们欣赏莫迪利阿尼而不希望他有摹仿者的原因.
莫迪利阿尼属于大部分成员是外国人的"巴黎画派", 这派画家的作品特点是宣告生活中有某种痛苦,然而受苦超过别人的莫迪利阿尼却把对苦痛保持缄默看作是有关荣誉的事.他的简练当然不是总能成功地击退一种无法医救的悲观主义.
可是,天生的高傲和某种纯洁又使他免于形成过分狂热和放肆的画风.犹太画家特有的焦虑、紧张的理智主义给其作品染上幻想破灭的情调.可以说,莫迪利阿尼带给本世纪的不是一种新的语言,而是一种"新的战栗".
他身上有着某种隐晦的,不合常理的,复杂的东西, 都由他的素描和油画展示给了渴望强烈感受和乐趣的一代.他那以唯心为主的艺术是文雅、脆弱、高贵的:这是一种呼吸起来沁人心脾,但又有点害处的艺术.
在莫迪利阿尼去世后不久,1922年巴黎举办了画家的回顾展,而关于他的传奇性传记也于1926年问世。直到这时,莫迪利阿尼才开始声名鹊起,人们评价他是“堪比梵•高的悲剧性天才”。

布丹

布丹

  (1824-1898年)欧仁·布丹是法国19世纪风景画家。他曾跟米勒和特罗容学画。35岁的布丹开始在巴黎经常展出他的油画。他的画多为小型的海洋风景画,大多是不列颠和诺曼底海岸,往往描绘海滨浴场上的人群,使风景生动,富有生活气息。布丹以高度的油画技巧真实地描绘出透彻明亮的空气,蓝天上飘着朵朵白云,动荡的海洋水面上波浪追逐,呈现出变幻莫测的光影。库尔贝和柯罗十分推崇布丹的写实艺术成就。但是,布丹只是把自然界看成是一种纯粹的绘画对象,他的那种对景写生,笔触粗放地描绘阳光、空气和色彩的风格,得到后来的印象主义画家们的肯定。他被称作“印象派之父”,他是莫奈的启蒙老师。布丹对莫奈的忠告是:“当场直接画下来的任何东西,往往有一种你不可能再在画室里找到的力量和用笔的生动性。”布丹的忠告渗透莫奈的灵魂,终于形成了他追求的画旨:“我想在最易消逝的效果前表达我的印象。”由此可见布丹对这位被世人称之为印象派之父的莫奈影响之大,可谓决定性的。布丹才是真正的印象派之父。不过他只是印象派的铺路石,当印象派兴起时,他已暗然失色了。

安格尔

安格尔

 安格尔,J.-A.-D.Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780~1867)法国画家,新古典主义美术的最后代表。1780年8月29日生于蒙托邦,1867年1月14日因肺炎卒于巴黎。他的父亲约瑟夫·安格尔是蒙托邦皇家美术院院士。安格尔1791年进入图卢兹学院学习美术。为了减轻家庭负担,13~16岁做过图卢兹剧院乐队的第二小提琴手。1797年安格尔来到巴黎,进入-L.大卫的画室。1801年以《阿伽门农的使者》一画获罗马大奖。1806年赴罗马法兰西学院学习,自此一直在罗马学习工作到1820年。后又于1835~1841年担任罗马法兰西学院院长。1824年在法国展出《路易十三的誓愿》(为蒙托邦教堂绘制),受到官方赞扬,翌年被选为皇家美术院院士。在他82岁(1863)高龄时,蒙托邦市赠予他黄金桂冠。安格尔首先是坚定的新古典主义者,他十分崇拜希腊罗马艺术和拉斐尔。他的代表作《路易十三的誓愿》描绘法王路易十三虔诚地跪在圣母子前,其形式完全是模仿拉斐尔的《西斯廷圣母》;《荷马礼赞》(1827,卢佛尔博物馆)则是对希腊传统的无尽赞美。在捍卫古典法则这一点上,他和大卫一样忠诚不渝,然而从他的作品中却再找不见曾经存在于他老师的艺术中那种刚勇的力量和民主的性质。《路易十三的誓愿》产生在波旁王朝复辟时期,正是表明了他的政治倾向;而在《荷马礼赞》的构思和绘制过程中,他在描绘那些希腊文化哺育的历代杰出的文学家、艺术家的同时,却有意将他认为是浪漫主义作家的莎士比亚和歌德排除在外,这又暴露了他的艺术偏见。从这样的意义上看,从大卫到安格尔,法国的新古典主义美术可说是经历了从革命古典主义到保守的学院派古典主义的转变。但是安格尔同时却是注重研究自然的。当他在谈到他和大卫的区别时,他曾说:尽管事实上我始终忠于他的英明原则,但我仍然认为,我得开辟自己的新的艺术道路,因为我在被他培育起来的对希腊艺术的感情之上又增加了对研究活生生的模特儿的兴趣,并且还研究意大利著名艺术大师们的作品,尤其是神圣的拉斐尔的作品。评价他对总结和发展欧洲古典主义传统方面所作出的贡献时,不应忽略他曾一再谈到:希腊人就是自然,拉斐尔之所以为拉斐尔,就是因为他比别人更了解自然。正因为他是通过希腊人和拉斐尔的媒介去研究自然的,他才在肖际画和表现女性裸体等方面取得了独特的成就。安格尔受学校正统观念的影响,总是称自己为历史画家。他确是画了大量的历史画。把当时取材于神话、圣经和中世纪传说的作品也通称作历史画;安格尔的历史画代表作除前述作品外,著名的还有《皇座上的拿破仑一世》(1806)《洛哲营救安吉莉卡》(1819)《圣西姆弗里昂的受难》(1834)。但是,他的这类作品多是臆造出来的,因而常常给人以僵硬、冷漠和浮夸、虚饰之感。 安格尔的真正优秀之作实际是像《雷维尔夫人肖像》(1805)《贝尔登肖像》(1832)和《瓦平松的浴女》(自收藏者的名字命名,1808)《泉》(1856)那样把古典美的理想和对具体对象精到的直观把握完满结合起来的肖像画和裸体画。他的上层社会妇女肖像不仅构图严谨单纯、轮廓柔和自由,出色地表现了服饰和肌肤的质感,而且突出地描绘出人物本身迷人的风韵和雍容自信。《辩论报》创办人、出版家贝尔登的肖像也由于性格刻画得极为成功而被认为是例外地创造了一个足以表现整整一个时代的坚强人物的形象。
  
  安格尔对描绘女子裸体表现真正的热情。他从1820年起就在佛罗伦萨画《泉》,但直到1856年才最后完成。显而易见,在这幅作品中安格尔是把少女的青春健美和妩媚与泉水般的纯洁作为美的象征的。当时评论家曾说:这位少女是画家衰老年岁的产儿,她的美姿却超过了所有姐妹。这可以看作是他毕生致力于美的追求的结晶(见彩图《泉》(1856))。安格尔并非不讲究色彩,但他却认为色彩是装饰绘画的,不过像个宫廷小姐,仅仅对艺术的完美起些促进作用,因此他宁愿称自己是素描学派。他的素描作品,如《帕格尼尼肖像》(1819),特别显示出他在用精练的线条把握对象方面的高度造诣。他的优美的线描既得益于对希腊瓶画的研究,也得益于对东方艺术的爱好。

夏尔丹

夏尔丹

  夏尔丹(Cherdin,Jean-Baptiste-Siméon1699~1779),法国画家。1699年11月2日生于巴黎,1779年12月6日卒于同地。早年入学院派画家P.-J.卡泽的画室,后为N.-N.科伊佩尔的助手。 1728年静物画《鳐鱼》展出,一举成名,被接纳为皇家学院院士。他的大量静物画都追求装饰效果和表面趣味,能赋予静物以生命,给人以动感;所描绘的均为市民家庭日常生活用品,如《铜水箱》等。他的风俗画受小荷兰画派影响,但思想内容更深刻,善于把人物形象和生活环境联系起来。代表作有《洗衣妇》(藏斯德哥尔摩国立博物馆)、《厨娘》、《小孩和陀螺》(藏卢浮宫博物馆)及《午餐前的祈祷》、《吹肥皂泡的少年》等。他也画肖像画,用色粉笔完成的自画像,是这类作品的代表作。
  18世纪下半叶,在法国罗可可美日益兴旺的同时还出现了另一种风格倾向—-平民写实主义美术。平民写实主义与罗可可美术同样反对远离生活的古典主义,同样热衷于反映现实生活。但是,前者只面向社会上层,表现封建贵族和新兴资产阶级追求浮华享乐的审美情趣,而后者面向的是社会中下层,表现普通市民的日常生活和自然、亲切、朴实的审美情趣;前者突破了17世纪法国艺术只满足于君王口味的狭小范围;而后者则进一步突破了罗可可艺术只满足于上层贵族欣赏趣味的局限,使艺术更进一步走向了民主。
  夏尔丹使极受狄德罗称赞的画家之一。他擅长静物画,也擅长风俗画;并且试图通过静物画来反映城市平民的生活趣味,通过风俗画来反映城市平民和善、友好、勤劳、俭朴的美好品德。
《素描练习》(局部)这是让·西梅翁·夏尔丹1753年在沙龙展出的作品。精致的材料、颜料层艳丽的光泽、保持纯粹谐调感的中间色的雅素色调、浸透于暗部的纤细的光的表现、充满思索厚重感的人物、室内静谧而冥想的气氛等,这一切使这幅小品富于夏尔丹的魅力。彬彬有礼的主题中充满丰富的诗情与祝词–肉眼可见的喜悦。在构图上,画家的脸部形成画面的中心,对角线的线上集中了所有要点。白色的雕塑为皮加勒制作的《黑丘利》,这是夏尔丹乐于表现的主题。

格里高莱斯库

格里高莱斯库

 (1838-1907年)尼古拉·格里高莱斯库出生于德姆保维茨的皮达鲁村,家境贫寒,6岁丧父,母亲带他迁居布加勒斯特郊区居住,受到叔父的照顾。10岁时做肖像画家赫拉捷克的学徒,两年后就走向社会,在街上出售他画的圣像画,17岁为当地教堂画壁画,想赚钱出国留学,直到23岁才获得助学金赴法国留学。在法国初期,入学院派画家考尔纽画室学画。后来一次偶然机会到枫丹白露写生,结识了巴比松画家,从此他也定居巴比松,这里的森林、土地、人民和空气都使他联想起祖国和人民。巴比松的画家尤其是米勒给予他很大的影响,使他后来获得“罗马尼亚米勒”的美称。格里高莱斯库早期的艺术表现形式和手法多样,他想尝试一切艺术表现手法,尤其是在巴比松那段时间里,格里高莱斯库锻炼了对形象敏锐的感觉能力,对每一个色块,都要进行仔细的研究。他长期居住在法国,20多年中曾先后四次回国,他把在法国学到的绘画成就用来描绘自己祖国的风土人情,尤其是歌颂祖国人民的爱国热情。1877年,39岁的画家毅然回国投入独立战争,把精力倾注于战争题材创作。他像士兵一样亲临前线,和战士们同甘苦共患难,所以他后来创作的战争题材画十分真实生动。战后又回到法国继续创作表现农民的画和优美的风景画。他曾说过要用感情表现色彩,而不是用画笔。他确实是用色彩传达画家对景对人的深情厚意,他的画中人不像米勒那种听从命运安排,而是充满自信心和力量。49岁的画家又回到祖国举办画展,展出了220幅作品,三个星期内卖出一半,从此他定居乡间一个小镇。他虽功成名就,而农民本色不变。

蒙克

蒙克

 Edvard Munch,挪威画家。1863年12月12日生于勒滕,1944年1月23日卒于奥斯陆。父亲是位医生,笃信基督教。幼年丧母,姐姐被肺病夺去生命,妹妹患精神病。童年时代的不幸对其一生的创作有深刻的影响。
  蒙克于1880年进奥斯陆工艺美术学校随C克罗格习画,受印象主义画风的影响。1889年改用传统的画法创作《病孩》变体画《春》,从而获得奖学金去法国留学,从师L.博纳。在法国,他在研究印象主义画法的基础上,转而对后印象主义和纳比派发生兴趣。他发现线条和色彩有强烈的表现力,试图用它们画出活生生的人们,他们的呼吸、感觉、受苦受难并彼此的相爱。
  在当时哲学和美学,思潮影响下,他努力发掘人类心灵中的各种状况,表现疾病、死亡、绝望、情爱等主题。因此,他的创作有““心灵的现实主义””的称号。1892年,在德国拍林美术家协会举办展览,由于受到保守势力的攻击,很快被封闭,但对德国青年画家以很大的刺激,推动了表现主义运动的产生。
  蒙克的早期油画《病孩双1886)、《在灵床旁》(1895)、《母亲之死》(1899),多是童年和少年时代生活的回忆。1890年的油画《圣克卢之夜》和1892年的油画《卡尔.约翰街的夜晚》标志着他风格的转折,显示出他表现主义画家的特质。 90年代最有代表性的作品是《春情》(1894)和《呐喊》(1893),前者描绘人对幽闭的恐惧,后者刻画人对孤独与死亡的恐怖感。他于1894年开始从事版画创作,在木刻、石版、铜版画方面,都有独特的创造。他的版画题材多取自于油画,其中以《生命》组画最为出色,被他自己称为生命、爱和死的诗歌。
  1908年,蒙克因患精神分影症入丹麦哥本哈根的一个疗养院休养,病愈后回挪威隐居。1910年为奥斯陆大学节日厅设计装饰画,于1916年完成。其中的壁画《太阳》受F.W.尼采《人山》的影响,表现了人们对光明的渴望。但在尼采的笔下,只有少数人越过牺牲者尸骨堆成的山而达到努力追求的目标,而蒙克则对生活持积极的态度,夸张地描绘太阳以代替尼采的悲观的象征。1916年蒙克在奥斯陆附近为美丽的大自然和劳动人民的纯朴生活所吸引,创作了一组色彩欢快的画面。其中表现劳动人民的作品有油画《扫雪工人》、《工人回家》等。蒙克与剧作家H.易卜生、法国诗人S .马拉梅是好友。从20年代起,他为易卜生的剧本作插图,但始终未能完成。  蒙克是一位爱国者。1937年纳粹分子把蒙克的艺术宣布为“坠落”和“颓废”的,禁止展出。在德国占领挪威期间,他拒绝与纳粹政权合作,不参加为其操纵的美术家协会的活动。蒙克去世后,根据他的遗嘱,他的全部作品无条件地捐赠给奥斯陆市,这巨大的遗产包括1200幅油画、4500幅素描、1800幅版画、6件雕塑以及大批的工具、笔记和书籍等。
  蒙克的艺术含有的悲观和消极的因素,是他生活的时代所造成的。他的功绩在于揭示同时代人的隐蔽的心灵,把人们心底里的美和丑、痛苦和欢乐揭示在绘画中。他充分发挥了绘画语言的表现力,促进了西方绘画朝写意、象征的方向发展。他在挪威享有崇高威望,1963年奥斯陆建立了蒙克博物馆,除列着他遗赠的全部作品。1983年10月,挪威蒙克绘画展览曾在北京中国美术馆展出。

克里姆特

克里姆特

  克里姆特(1862~1918),Gustav Klimt 古斯塔夫·克里姆特
  奥地利画家。1862年7月14日生于维也纳郊区布姆加特,1918年2月6日卒于同地。早年受业于维也纳工艺学校。1890年加入维也纳美术家协会。作品吸收古埃及、希腊及中世纪诸艺术要素,将强调轮廓线的面和古典主义镶嵌画的平面结合起来,创造出一种独特的富有感染力的绘画样式。代表作为《埃赫特男爵夫人》。1897年退出维也纳美术家协会,另组织维也纳分离派。其他作品还有藏于奥地利美术馆的《接吻》。
  父亲从事金银雕刻兼铜版工艺,克里姆特是他七个儿女中的长子,在这个工艺美术家庭的熏陶下,他与两个弟弟一起进入维也纳奥地利工艺美术馆附属工艺美术学校学习,毕业后进行壁画、壁饰的艺术创作。
  1905年,在奥地利首都维也纳这个有着悠久艺术传统的城市,已成为美术家协会会员的克里姆特组织发起了一场旨在反对学院派美术泥古不化的保守势力,以“维也纳分离派”为称号,力求进行艺术创新,提倡世界各民族美术相互吸取营养,发展艺术家个人的风格。他早年的画风承习了英国拉斐尔前派和法国印象派的传统,自创立“分离派”后,开始把亚述、希腊和拜占庭镶嵌画的装饰趣味引入绘画中,用“孔雀羽毛、螺钿、金银箔片,蜗牛壳的花纩、色彩或光泽”,创造了一种“画出来的镶嵌”绘画,使作品中的绘画和工艺性达到了极点。
  克里姆特是一位独具艺术个性,又以强烈民族风格的绘画大师,他所认为的“只有通过艺术,不断渗透到生活中去,艺术家才能找到基础,以取得进步”的观点与他的艺术实践证明他对现实生活的感受是相当敏锐的,这正是他所以能在艺术上取得成就的一个不可忽视的成功之处。

泰奥多尔·卢梭

泰奥多尔·卢梭

 (1812-1867年)  泰奥多尔·卢梭被认为是巴比松画派中最光辉最敏感的代表,科罗称他是“艺术上的革命家”。卢梭出生于巴黎的一个裁缝家庭,母亲的亲属中有画家和雕刻家,他在外婆家受到最初的艺术影响,立志要做一个画家。他初师表舅——风景画家圣马当,尔后入雷蒙画室。16岁去枫丹白露森林作画,开始加入巴比松画家行列,他是第一个定居巴比松村的画家。卢梭很穷,因此不能像科罗那样广游他乡,当他名利俱来时,只是将茅屋换成砖瓦房而已。他一生酷爱自然,如痴如醉,他常常带着牛奶和面包从早到晚不停步行于自然中观察、写生,尔后创作。卢梭作品的新意,用米勒的话说是“有力,首先是有力”。在卢梭的风景画中,所表现的是法国乡村景色的阳刚气质美,他非常重视塑造自然界物体的坚实造型,注重构图所能显示的意境和对光的描绘,光在他的画中不是一个凭借物,而是主题生命之外溢。光是大自然的生命,被巴比松画派捕捉到了,并尝试表现出来了,这就启发了后来的印象画派。
  这是卢梭的代表作品,画面像一个舞台,帷幕刚刚拉开,呈现在眼前的是一幕壮丽、辉煌的景色。近景是粗壮高耸的树叶枝丫交错构成的一个宏伟而优美的圆拱,像一座凯旋门,透过圆拱豁然明亮,灿烂的夕阳余辉普照着大地,放牛娃不知躺在哪棵树阴下酣睡,四散的牛群,漫不经心地在池边吃草饮水,一派恬静闲适的田园景色,蕴含着无限生机,是一首光与色组成的大自然交响乐曲。

弗朗西斯科·戈雅

弗朗西斯科·戈雅

 (Francisco Jose de Goyay Luvientes,1746-1828)1746年3月30日出生于萨拉戈萨市附近的福恩特托多司村。父亲是一个贫苦的祭坛镀金工匠,母亲出生破落贵族。但是对于艺术说来,他直到1772年都还没有出生。

  1760年戈雅随父母迁居萨拉戈萨,并被送进修道士赫阿津的学校学习。在学习期间戈雅曾在巴尔姆学院获得了二等奖。此后,他从师于一位那不勒斯画派的画家何塞·鲁赞-伊-马尔底涅斯。到1770年左右,戈雅又在德里·比拉尔圣母教堂和萨拉戈萨附近的卡尔特吉教团的阿乌尔·德伊僧院画了若干幅宗教画。他在l771至1772年间画的那些画表明,他已经相当好地掌握了巴洛克的传统,并且也说明了他对大块明暗风格的爱好。我们还可以感觉到戈雅作品的影响力和突出的表现力。(如作于1770年的“基督殉难图”)但是谁也不能凭这些东西预告未来的戈雅。

  1775年重返马德里,并在那里结婚,妻子是好友画家弗朗西斯科·巴依也乌的妹妹霍塞法。也正是由于巴依也乌的关照,戈雅的生活有了改变。通过巴依也乌戈雅从孟格斯那里接受了为皇家圣巴巴拉织造厂绘制第一批葛布兰花毯图样的任务。他在l780年被选入圣费南多学院,1779年又受到国王查理三世的接见, 1780-1781年间,他摆脱了巴依也乌的监护,而在l784年由于一幅描绘圣别尔纳尔金?西恩斯在阿里方司·阿拉贡面前布教的油画,第一次博得官方好评。到1785年,戈雅在官方已经有很高的地位了。

  绘制葛布兰花毯画图样对戈雅的今后的艺术之路起到非常重要的作用。这种图样或画稿并不需要像油画所必须具备的那种学院派的完整性,这就使得年轻的戈雅可以更直率、更真挚地表现自己的幻想。除此以外,尽管必须接受孟格斯的指导,但是为葛布兰花毯所规定的题材却是带有民间的特色和取自当代生活的;因此,戈雅有极好的机会来自由地发挥自己的幻想。 陶器市场  作于1778年的“陶器市场”(图1)相当明显地显示了戈雅艺术的主要优点。绘画表现的鲜明性,人物同背景的完美溶合,构图的貌似杂乱的丰富性,为每一个仿佛信手拈来的人物增添了温柔气息的灵活用笔,使每一个农妇如同贵妇一般尊严,使每一件陶器富有夏尔丹静物式的家常趣味的18世纪优雅气派一一所有这一切都是戈雅径自创造的,虽然也并未脱离欧洲的、委拉斯凯兹的、威尼斯的和法国的极尽精致的传统。但是,在这幅画里,已经感觉到戈雅的独一无二和无与伦比的手笔:在画面上看得到一种信心、果断,一种出人意外东西的存在;每一个人物都是生动感人的,而且也是各有千秋的。戈雅温情脉脉地爱着他所描绘的人们,但也不无一点倨傲的笑意。他创造了一篇童话,并且把它纳入了诗的形式。
 
  在查理三世逝世和查理四世1789年即位之后,戈雅成了宫廷画家,虽然戈雅担任了宫廷职务,但他的心却不属于宫廷。相反地,他怀有一颗反叛者的心,尽管戈雅本人并未自觉到这一点。突然发生的一场灾难打开了他的眼界,使他看到了周围发生的事情,激起他一种殊死的勇气,促使他极其真诚地来表现自己的感情,给了他以真正道义上的自由。

宗教裁判法庭  戈雅在1792年身染重病,结果丧失了听力。戈雅在1794年写道:“我的健康依然如故。有时我会控制不住,以致自己讨厌自己;有时我又觉得自己比较平静。”但是,他失去了某种东西:乐观主义。说到耳聋,由于戈雅同世界隔绝了,他在更大的程度上是属于自己的了。结果是他的艺术的更加深刻化。他在1794年写道:“为了占据被我的痛苦景象所压抑的想象力,为了部分地抵消由于患病而带来的大量开支,我着手画一卷组画,它们主要是描写我的观察,而这在订画作品中往往就办不到,在那些作品中根本无从迁想妙得。”在这些画中有一幅“宗教裁判法庭”(图2)。试把它同“陶器市场”(图1)作个比较。在我们面前的是一种崭新的艺术;要是我们能够猜得出这就是那个画家的话,那就不能不对他的个性的这种变化感到惊异。他那轻快的笔触在“陶器市场”里表现了欢乐的信赖的微笑,而在“宗教裁判法庭”里却表现了一种隐藏着失望的嘲讽。画面上一大片、一大片深暗部分,似乎是充满着恐怖的幻影。远处的灰暗面,茫茫然恍惚不定。在这一片绵延不尽的幽灵似的形体中间,活动着一群只有恶魔才臆想得出来的充当法官的僧侣;他们充满着阴谋和残忍、伪诈和愚蠢。在他们中间,我们只能看到一个人的存在一一那在荒唐的高帽子沉重侮辱之下低下头来和在命运面前不得不屈服的被告。在表现所有这些感觉时,绘画不仅运用自己的手段,制造了光和影的混成一片,制造了闪电一样迅速的光线在昏昏冥冥之中的突然出现,而且还制造了可视的形体和精神的形体(是人是鬼反正一样)同一切造型形式的完全脱离。这样,我们就不仅看见了那个主要被告的不取决于肉体美的道德美,而且也明显地看见了那个狞笑的僧侣和那个发号施令、大逞淫威的僧侣以至旁听者中的那个神色痴呆的人物的畜生美。

裸体的玛哈  绘于1798-1805年的“裸体的玛哈”(图3)和“着衣的玛哈”(图4)是戈雅的代表作品,“玛哈”是西班牙语“俏女郎”的意思。两幅画中人物姿态都相同,双掌交叉于头后,身躯斜卧于床上,人物俊俏丰满。画家致立于表现人物身上所诱发出来的青春美的魅力。作为近代描绘赋予现实意味的女性人体,可算是一个先驱。这在西班牙宗教裁判所的黑暗统治年代,不能不说具有十分重要的反封建意义。

着衣的玛哈  这里两幅著名的妇女肖像“着衣的玛哈”与“裸体的玛哈”,是两幅同一姿态和构图的青年女子着衣和裸体像。“着衣的玛哈”穿一件紧贴身子的白衣服,束一玫瑰色宽腰带,上身套一件黑色大网格金黄色短外衣,暖调子以红褐色为背景,使枕头、衣服和铺在绿色软榻上的浅绿绸子显得分外热烈。而在“裸体的玛哈”上,背景减弱了。姑娘的娇柔躯体被软榻上墨绿色天鹅绒的冷调子所加强。这两幅画给戈雅带来了极大的声誉。戈雅在这两幅画上运用淋漓酣畅的小笔触,几乎是一气呵成地把握住同一形象的基本造型。这两幅“玛哈”是戈雅的独辟蹊径之作,因为在西班牙绘画史上极少有裸女像,它是不为西班牙宗教裁判所容忍的。不仅在绘画上,而且在工艺装饰,镜子或家具上面,都不允许有裸女形象出现。17世纪西班牙绘画大师委拉士开兹之敢于画出“镜前的维纳斯”,乃是在国王的庇护下,所以戈雅这两幅画中的裸体女性油画,也许是绝无仅有的一幅。

  1784年标志着戈雅的绘画生涯飞黄腾达和他同宫廷与贵族和联系以及他社会活动的开始。他被马德里接收为圣费南多学院的会员。随之,又升任为该院的副院长。这时期他在肖像画上有突出的表现。他给皇戚、贵族、将军、教士、演员、画家、甚至斗牛士都画过肖像,在他的画时里,大块的阴影消失了,而色彩则有了空前柔和的搭配。这些作品都充满着热情,善于揭示人物的内在特征,这是他的现实主义手法在肖像画上的最大贡献。1800年绘制的“查理四世一家”(图5)就是这种肖像画的最典型的一幅。

查理四世一家  国王卡洛斯四世是个脑满肠肥、低能昏庸的统治者,他极愿意站到画架前让戈雅作画。他臃肿的身体活象一只火鸡;皇后玛丽亚·鲁伊萨则歪着脖子,装出一副认真的样子,由于她长得丑陋,加上脸上现出一本正经的状态,反而显得十分可笑。两边则是他们的女儿、女婿、儿媳和姐弟。有的挺胸凸肚,有的呆苦木鸡。人物呈弧线形地前后交错站开。国王的姐姐唐娜·何赛法(左起第五人),因为长得实在不理想,画家只得把她画成脸转向后面的样子,国王的兄弟唐?巴斯夸尔(紧挨在国王后面、只露出一个头部,也因俗恶不堪,没有去画他的全身。只有几个儿童稍显娇秀些,如中央由皇后搀扶的小王子帕乌拉及皇后左侧的小公主伊萨贝尔,但都因表情不够灵活而使这幅画枯燥无味。戈雅倒并不在有意丑化这些皇族成员,而是凭着他那天才的洞察力,深入挖掘这些人物只知享受的空虚灵魂,从而生动地揭示出这些人物的本质特征。

  “13”在西方传统观念中是个不吉利的数字,为了弥补这一不足,可又要使皇族一家一个不漏,画家便在画面左侧后景中的暗部,添画了戈雅的半截身子。在这里戈雅没有用明亮的颜色去渲染自己,仅仅为了打破忌讳,使全书取得统一。戈雅以表现锦绣的衣服和金银宝石饰物等装饰色彩来加强这幅画的宝贵气氛。但全局上并没有蓄意的装饰意图。它的现实主义价值在于,为后世提供了历史人物的真实范例。

5月2日的起义  1808年发生了一场新的灾难,但这一回已经不是他个人的灾难,而是西班牙的灾难了:法国人入侵,查理四世退位,约瑟夫·波拿巴的统治。戈雅的一些开明的朋友都曾满意于法国人的到来。就如从前戈雅曾经认为查理四世及其宫廷是自己的主人一样,现在他也接受了约瑟夫·波拿巴所建立的“西班牙秩序”和为拿破仑的博物馆选送五十幅油画的任务。但是,现在却充满了对法国人入侵的惊恐与愤怒。在1814年2月24日法国人撤退后,戈雅向摄政王表示了“用自己的画笔铭刻我们的起义者反对欧洲暴君的丰功伟绩的无比强烈愿望”。

5月3日的枪杀  他在“5月2日的起义”(图6)和“5月3日的枪杀”(图7)两幅画中表现了那种对正义惨遭蹂躏和愚昧与丑恶得势的愤慨之情。“5月3日的枪杀”(图7)通过光与影、明与暗、冷与暖、美与丑、勇敢与怯懦、正直与卑劣的强烈对比,戈雅的激情宣泄得淋漓尽致。在描绘这一历史事件时,他运用一种概括性很强的奔放画法塑造人物形象,并不斤斤计较细节是否精确,而是一心一意抓住最重要的东西,以最具特征的动作、神态和氛围,传达他炽烈的爱憎。位于画面中心的那位穿白衫黄裤的西班牙青年,形体塑造也许并不怎么准确,但谁也不能否认他是最动人的浪漫主义艺术形象,一个民族的反抗精神在他身上获得了集中体现。这是戈雅的一件杰作,一件在整个美术史上占有特殊地位的杰作。

  让我们回忆一下,戈雅就是以这样非凡精力继续工作,一直活到1828年。我想不仅是那一件件件作品直得我们惊讶,更让我们惊讶的在于他那种不为恶运所屈服的生命力和创造力。

保罗·克利

保罗·克利

  保罗·克利(Paul Klee,1879-1940)出生于瑞士,但其一生主要是在德国度过的。作为音乐教室的儿子,他从小受到过良好的音乐教育,不过最终他走上的却是美术这条道路。曾经拉小提琴的双手创造出了极具个性、充满幻想的艺术世界,这成就使他无可非议地跻身于最杰出的现代主义艺术家之列。