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思想与自然双重枪手 从写实绘画年展看写实主义

思想与自然双重枪手 从写实绘画年展看写实主义

  无论在哪个时代,把一个东西画的惟妙惟肖,都是一件很了不起的事情。在照相术诞生以前,绘画是人们留下影像的唯一手段,也是人们尽最大真实描摹自然的唯一手段。在照相术普及以后,绘画开始向多元方向发展。在数码影像到处泛滥的今天,在各种观念充斥美术界的当下,写实主义绘画还会有多少观众呢?其实,观念艺术树立起来的时候,一直是拿写实主义当反面教材的。而现在,当观念艺术已经在全世界范围内成为当代艺术的主流方式,那么艺术界留给写实主义的空间还有多大呢?当所有的评论家都认为“艺术不能仅是炫耀手艺”的时候,偏偏还就有这么一群艺术家,就是偏执地在画面上“炫耀手艺”,而这种在痴迷传统基础上的,对手艺的炫耀,恰恰还赢得了大多数公众的认可与喜爱。

  很难讲真理是在评论家手里,还是掌握在公众手里。反正当年观念艺术兴起的时候,正是以“小众”的姿态赢得了文艺青年们的心,现在在当代艺术界,该轮到写实主义是“小众”了,对于文艺青年们来讲,凡是“小众”的,就是有价值的。这是为什么呢?

  中国写实画派由几位擅长写实的油画家组成,他们每年都要在中国美术馆举办年展,展出他们的新作。今年的展览刚刚谢幕,从展出的效果来看,仍然赢得了很多喝彩。当今的美术界,理论太多,弄得很多观众一头雾水,对于许多种艺术形式搞不明白,一来二去,也就失去了搞明白的兴致。而写实绘画非常简单,很明白地告诉你,这没什么高深的复杂理论,就是来让你看画的。就像大家又回到了许多年以前,画家们在一起谈论最多的不是想法,而是技术。在工业化进程越来越快的今天,一切“慢生活”的,手工的,传统的方式开始又成为都市人群的向往。在这个社会背景下,那些当代艺术家们与其用晦涩的,谁也看不懂的艺术方式去批判工业社会的弊端,还不如以身作则,让自己的工作方式复古一点,传统一点,从写实主义开始下手,修炼自己,也陶冶公众。

  不要以为画写实主义就会丧失掉自己的原创性,就会千篇一律,没有了自己的面貌,其实同样是写实主义,也可以形成自己独特的面貌,从选题,到造型方式,到制作方法,传达出来的情调是很不一样的,倒是很多观念艺术,弄来弄去就是那几种方式,反倒看不出来谁对谁,反而丧失了个性。无论如何,在画布前平心静气地用一个月,甚至几个月的时间来完成一件作品,这个行为本身就是对艺术的一种最高敬意。

  相对于在艺术品投资市场中当代艺术的大起大落,写实主义绘画的走势相对平稳,呈稳步上升的态势。因为写实绘画的画法、技巧决定了其作品数量非常有限。据专家分析,写实绘画的收藏群体主要包括两部分,一部分是刚刚接触艺术的藏家,他们觉得写实绘画容易接受和理解。另一部分是对传统艺术、唯美主义绘画具有深厚理解的藏家。他们比较成熟,更倾向于艺术收藏,而不是简单的艺术投资。对这些人来说,购买写实油画多用于装饰居室,长期收藏。特别是他们对传统美学比较认同,很多人是从古董、古代书画转到写实油画上来,对于艺术收藏有着持久、稳定的观念,不会轻易受市场热潮的影响,也就形成了非常稳定的收藏群体。

  中国写实画派重要成员、著名画家艾轩讲,写实油画的特点是慢工、精品、专业性非常强。写实油画在这方面,中国跟西方传统写实油画的最高水平已经非常接近了。

  著名画家杨飞云认为,除了非常明确的绘画标准,写实画派还有一个最根本的特点,就是关注时代特征,如时代精神,时代情感与时代审美。“只有真诚才能打动人,只有善意的东西才被人类需要,只有美才是艺术。不是说刺激人就叫艺术,应该刺激人的美感。或者说,唤醒人的美感。这才是艺术。”

  有评论家认为,许多人现在对待写实绘画的态度是存在着偏见的,大家常把写实手法与写实风格混在一起。说到写实绘画已经终结,其实是指某一特定历史时期的写实风格的终结,不能归结为写实手段的终结,写实手段现在仍然是一种重要的艺术手段。

油画艺术流派之新写实主义

油画艺术流派之新写实主义

  新写实主义 Nouveau Realisme

  新达达(又叫作新写实主义) 1950年代

  现代美术呈多元化格局,流派纷呈各显神通。一度被否定的写实主义艺术在新的历史条件下又重新登上画坛。但必须认识到它决不是回到过去的创作观念、创作方法上。新写实主义画家在创作目的、绘画观念以及表现方法方面,并不是老一套翻版,他们吸收了现代艺术的观念进行创作。可以说他们是现代艺术的另一种艺术形式的继续。正如美国评论家希尔顿·克雷默说的:“这个运动的很大一部分,都是非常直接地从现代艺术理论和实践中派生出来的,它是现代派的另一种形式的继续。”当今许多写实主义画家只是用写实的手法来达到现代派探索的造型、色彩、线条与画面的关系的目的而已。

  「新写实主义」是法国的美术评论家雷斯塔尼 (Pierre Restany)、 克莱因(Yves Klein)以及其它艺术家所组成的,与美国的新达达 (Neo-Data)相等。他们为了纠正「抽象表现主义」(Abstract Expressionism)、「硬边艺术」(Hard-Edge) 、「色面绘画」(Color-field painting)等抽象艺术,把艺术带入极端主观而愈与生活环境不发生关系的倾向,力倡艺术必须回归到实在(reality) 的世界,而以表现吾人生活的环境或生活的行为为主务。

  雷斯塔尼说:「新写实主义是不用任何的争论,忠实地记录社会学的现实(Sociological reality); 不用表现主义 (Expressionism) 或社会写实主义 (Social Realism) 似的腔调叙述,而是毫无个性的把主题呈现出来」事实上,美国的新达达、集合艺术 (Assemblage) 以及普普术家,都参加了法国的新写实主义美展;所以新达达、新写实主义、普普艺术的界限是很难划定的。

  克里斯多 (Jaracheff Christo) 是以捆包的写实主义知名, 他以巨大的塑料布把各种各样的东西包装进去,我们常见的事物若用人工的面纱,把它捆包进去的话,则这一种行为已脱离了商业性,而行为本身已能获得自律性的美的现象。同时,被捆包的东西,因为蒙上了一层人工的面纱,它就具有新的艺术意义。

  史波利 (Daniel Spoerri),把人们的消费行为带进美术的领域里; 吃剩下的食物、碗盘、乱放的刀叉、烟蒂等人们无意识的行为的结果,他认为也具有美的成分,而主张它就是消费文明的新的自然。

  莱斯 (Martial Raysse) 他把和人同大的印刷美人剪切下来,与阳伞、沙滩等实物配在一起,做出类似广告的效果,而谱成半讽刺性、半抒情性的画面。

  弗洛伊德 (1922年- ) 卢西恩·弗洛伊德是英国新写实主义派画家,他从现代表现主义观念出发,运用写实手法塑造艺术形象和创造画面意境,以此来打动观者。

朱大建:老弄堂与时尚美女

朱大建:老弄堂与时尚美女

  自己画自己,在外国画家中并不稀罕,印象派大师凡高,一生为自己画过40多张自画像。读读凡高的自画像,就像在读他的自传。他将自己内心的痛苦、恐惧、自我怀疑、自我折磨及偶尔的欢乐,都毫无保留地呈现给观众。但在中国画家中,自画像却是一件很稀奇的事。在我的印象中,好像只有现已故世的大师陈逸飞,在赴美留学前夕画过一幅《踱步》。画面上那个凝神沉思、向往未来的青年人的背影,正是陈逸飞的自画像。这是一幅享誉海内外、具有人文精神的经典结晶。

  张颖琦是画坛的新人,正在华东师范大学艺术学院攻读硕士研究生,师从唐耀忠先生。正可谓初生牛犊不怕虎,她的第一次个人画展,就拿出了6幅自画像。主题是老弄堂与时尚美女,是一次怀旧的艺术行为,也是一个很吸引人的话题。

  张颖琦是在弄堂里长大的,对上海的老弄堂怀有美好的记忆。老弄堂的点点滴滴,一直珍藏在她的心底。长大后,这些儿时的记忆一直在张颖琦的脑海中闪回,她产生了一种强烈的艺术冲动,她要画出自己对老弄堂的回忆。

  记忆是客观的,记忆又是主观的,是画家个性气质、人生经历的艺术化反映。张颖琦画笔下的老弄堂,既是细腻写实的,同时又是她主观想象中的产物。所以,这些老弄堂、老房子似乎比实际生活中的更美丽,更安宁,更有情调;少了一份嘈嘈杂杂的烟火气,多了一点宁静优雅的朦胧美。漂亮的年轻女人,身着各种色彩的艳丽旗袍,或坐或站,眼睛里闪耀着沉静的光芒。这知性的光芒,包含着对儿时弄堂生活的记忆,也描绘着对未来新生活的渴望。古老的安静房子,80后的时尚美女;今日的活泼美女与昨日的安静房子构成了动与静的关系。在画面上,美女姿态各异,眉眼相似,正是姿态的异,使得画面有了各自的个性,显得生动活泼起来,这就构成了异与同的关系。美女艳丽的服饰和黑灰的房子,又构成了色彩上的明暗对比呼应关系。80后的时尚美女,表情是明朗的,是充满了希望的,是面向未来的,与她的祖母外婆年轻时的忧郁拘谨表情也有着明显的区别,这个区别正好反映了时代的进步。

  张颖琦很年轻,她的专业是艺术设计,却对油画情有独钟,尤其对肖像画格外痴迷。自师从唐耀忠先生后,画技大进,尤其在人物形象塑造,在主体与背景的整体把握上,在细节和特征的揣摩上,有了属于她个人的艺术个性和体验。这显示出她的天资聪颖,也预示她在画艺上的广阔灿烂前景。

  是为序。

刘永刚:我从草原深处来

刘永刚:我从草原深处来

  这是一批近似中国文字的作品,却又在造型与形式的表达上完全摆脱了文字的符号功能;无论是立体化的雕塑还是平面化的绘画,每件作品都将中国千年来最令世人探究又折服的线性艺术诠释得淋漓尽致。艺术家在西方的油画布上,用西方的油彩将东方特有的线性抽象和书写性有机地结合了起来。看似曲折、方圆的线条在艺术家的手中却充满了刚硬和力量;简单却永恒的黑白色让画面简单却充满激情,背景中星点般的淡蓝、淡绿和淡黄,让这股激荡澎湃的强悍又充满了东方的柔情和温暖。这就是近日正在上海美术馆展出的旅居德国十多年的中国当代艺术家刘永刚的作品。

  刘永刚:职业艺术家,1964年出生于内蒙古左旗根河,中国美术家协会会员,中国雕塑学会会员。1982年至1986年就学于中央美术学院油画系,1992年至1997年留学德国纽伦堡美术学院并获硕士学位。现工作于北京宋庄和德国柏林。

  应该说,刘永刚的艺术既是对源于传统书法中的书写性、抽象性的继承,也是对其在形式与语言上所进行的超越。他的创作从一个侧面反映出那些从海外归来的艺术家的一个创作共性——用西方的现代语汇来表述属于中国本土的文化经验。正如艺术家自己所说的,他要创造的是属于中国式的,属于刘永刚式的艺术,而不是模仿的,照搬的,人云亦云的东西。

  海外求学后的东西融汇之路

  著名批评家殷双喜先生曾如此评价:刘永刚的归来是2006年中国当代艺术中一个令人振奋的现象。他传递了一种新的信息,这就是一批长期在海外研究学习的艺术家获得了一种国内艺术家的文化视野,并且在艺术语言的表达上初步找到了属于自己的方式。具体地说,这是一种真正有价值的融汇东西、打通中外的中国当代艺术,虽然这仍然不是十分成熟,但具有深厚的文化底蕴,是可以持续发展的艺术道路。

  从刘永刚长期的创作历程看,他的艺术风格大致呈现出以下的发展轨迹:从写实主义出发,经由表现主义,最后走向抽象主义。大学时期,他的创作以学院写实语言为主,同时着重吸纳了西方现代绘画的表现语汇;前往德国留学之后,他完全摒弃了之前的学院化创作成规,在德国表现主义的传统中另辟蹊径;2003年,刘永刚回到了祖国,并深深陷入对中国传统文化的研习中,一段全新的艺术历程在他内心展开。2006年以来,他的绘画出现了变化:一方面,他依然远离了西方现代艺术的参照,力图超越西方既有的形式表达系统;另一方面,他强调作品内在的文化观念与深层次的文化诉求,将一批源于文字的作品融入到中国本土的艺术史发展脉络中。

  从草原深处走来的艺术之梦

  1964年,刘永刚出生于内蒙古呼伦贝尔盟额尔古纳的左旗根河。由于额尔古纳当时的艺术教育较为滞后,加之地理位置偏僻,信息闭塞,刘永刚早年的求艺生涯走得异常的艰辛。不过,求学的痛苦与挫折并没有削减他对艺术的热情,相反塑造了他坚毅、果敢的性格。1982年,刘永刚以优异的成绩考上中央美术学院。

  当时他就读的是中央美术学院油画系的第一画室,由我国著名油画家靳尚谊负责。第一画室强调研究和学习欧洲文艺复兴以来的古典写实传统,注重造型基础,并积极地探索油画民族化的发展道路。在大学一、二年级阶段,刘永刚接受了严格的学院化教育。然而到了大学三年级,他开始认为学院教学模式缺乏活力,太多的成规抑制了个人情感的自由表达。于是,他在创作观念有了转变,由此创作了具有表现主义色彩的毕业作品《鄂拉山的六月》。

  1987年,他的《北萨拉的牧羊女》获首届中国油画展优秀奖,并使他声名鹊起;2年后的第七届全国美展上,他的《北萨拉的白月》又获得了铜奖和中国美协的“新人新作奖”。这也使得他在其后探索现代风格有了更多的自信和勇气。

  艺术梦想伸向了遥远的西方

  1990年,刘永刚在朋友的帮助下拿到了去德国留学的签证。而这个梦想源于他五年前在北京民族文化宫看过的一个德国表现主义展。通过两年的语言学习,1992年刘永刚终于获得了就读纽伦堡美术学院研究生的资格。

  在德国读研究生的几年里,刘永刚面对的是一个全新的艺术教育体系,并选择跟从一位具有表现主义风格的老师学习。他彻底摒弃了之前的创作思路,一切从头开始。1992年至1995年间,他创作的《向大师学习》和《新花卉》两个系列作品在形式表达上已具有了现代主义的外观,但并没有形成自己的风格。此时,他面临着一个新的挑战,那就是如何让作品的形式表达与个人内在的情感有机地融汇在一起。直至1997年其《十字》系列问世,最终为刘永刚在德国的学习划上了圆满的句号。《十字》由60件作品组成,既是他的毕业创作,也是当年德国的一个重要奖项——达纳奖的获奖作品。在刘永刚笔下,“十字”不仅是一个简单的造型符号,而且是西方文化的象征。作品介于抽象和表现之间,并有了新的特点:将东方的线性表现与西方的团块结构有机地结合起来,其观念与手法被认为是“非德国表现主义的,也不是美术史上曾经有过的,而完全是刘永刚式的”。

  寻根之情让艺术回归定位于文字

  在对德国现代艺术有了系统而深入的了解之后,刘永刚更加坚定了要走自己艺术道路的信心,并强烈地感觉到自身血缘里流淌的“中国经验”。他意识到,唯有将自身的“中国经验”融入作品,才能使作品的形式表达不落入西方现代艺术的窠臼中。于是他告诉自己:“从根上找,从中国的传统文化上找,要回归”。

  因为从小就对中国的文字感兴趣,对传统书法也有很多研究。于是,刘永刚将自己的艺术回归的起点定位在了中国文字之上。1995年,刘永刚以汉文、蒙古文和八思巴文作为原型,尝试从文字的结构中提炼出一种形式来。1996年,他创作了文字作品《母子》。“文字”在刘永刚的作品中一开始就被赋予了双重的意义:一种是作为形式的文字,一种是将其看作是中国文化的象征。

  1999年以后,刘永刚创作了大量与文字相关的绘画。从2006年开始,刘永刚的绘画就形成了自身的个人风格。其作品既吸纳了德国表现主义与美国抽象表现主义的色彩处理方法,也具有立体主义以来所推崇的团块结构,同时,艺术家还尝试将源于文字自身的线性表现与书写特征有机的结合起来。2008年以来,刘永刚的绘画创作进入了一个高峰期,实现了媒介、风格上的多元化。虽然它们仍然以文字为母题,但艺术家尽量将个人对文化的感悟、对生命的激情、对艺术的理解融入其中,突出其个性化的表达。

为什么美术学习要从素描开始?

为什么美术学习要从素描开始?

素描,是美术中最单纯的造地形式。广义上的素描,涵指一切单色的绘画;狭义上的素描,专指用于学习美术技巧、探索造型规律、培养专业习惯的绘画训练过程。美术是表现事物的一种手段。美术的基础是造型,艺术造型是人按照自然方式进行的复杂劳动,是一项需要长期训练才能形成的特殊技能。艺术造型不只是塑造孤立静止的物体形态,更重要的是表现物体中各种形式的有机关系。掌握艺术造型的方法,需要恢复人的自然思维方式和操作方式,需要研究自然物体的形式特点和认识它的变化规律及条件。素描是解决这些造型问题的最佳途径,这在艺术造型的实践中得到了完全证明,因此,素描被称为“造型艺术的基础”。
   素描的工具是最简单的造型工具,只有纸和笔。初级的素描训练是用铅笔完成的,这种工具使用灵活,便于修改,既可以表现微小的变化,又可以涂成大面积的灰色;既可以进行短时间的练习,又可以进行长期的作业,很适合初学者对素描造型方法的反复学习和把握。
   素描研究的对象是物体的基本形态和一般变化规律,基本形态有物体的比例、形状和明暗等结构形式,变化规律有透视缩变、视差对比等视觉因素。掌握这些形式和规律是造型的前提条件,素描可以利用它训练上的长期性和反复性,将这些条件逐一加以解决。
   素描不但可以解决造型的基础问题和一般问题,还可以解决造型的应用和特殊问题。例如造型的变化与统一问题,整体结构问题,观察、操作方式问题,概括美化问题,情感表达问题等等。可以说,素描是一种工具简单、表现丰富的造型形式,它可以完成从初级到高级的造型学习任务,因此,学习美术要从学习素描开始。

美术高考素描考试中应注意的几个问题

美术高考素描考试中应注意的几个问题

随着我国高等教育的发展,美术院校及专业招生数量越来越多,许多爱好美术的高中生报考美术院校和专业,而素描考试是美术专业考试的主 要科目,如何在高考中提高素描成绩,是考生苦苦寻觅的问题。因此,对素描考试的研究是高中美术教师教学的重中之重。
  一、调整心态。高考是一种选拔性的考试,需要考生有良好的心态,能否在考场上发挥出平常的水平,除了造型基础外,考生心态,是教师不可忽视的工作。有的考生在平时画的较好,可是考试时,由于心理紧张,考试时发挥的不理想。有的考生由于心态较好,同样的基础,则可能发挥得更好。因此教师,应在考前多进行考前训练,有意识的进行三、四个小时的素描作业,创设一定的考试氛围,让他们在这种环境中逐步适应考试的时间、考试的心理状态,并做到对试卷的效果心中有数,使考生的心理状态平和、稳定。同时引导学生,欣赏一些较高水平的素描作品,在教学中我们发现,许多学生在报考美术时由于众所周知的原因,对美术作品的欣赏并不重视,导致在平常的训练中只知道亦步亦趋的按照教师所教方法去画画,不知道自己与别的同学的作品差距在那里,通过欣赏既可以知道什么样的作品是优秀的作品、经典的作品,也可以知道自己的作品好在什么地方、缺点在什么地方。在训练中我们常对学生说眼高手低的道理,只有眼界高,学生才能有进取的方向,才能有前进的目标,学生在训练时才能在较高的起点上把握自己,即使当时手低一点,也没什么,只要方法得当会在一定的时间内,达到眼、脑、
手的协调。反之,我们的学生就会缺乏目标和动力,进步也就很缓慢。
   二、明确目的。素描是造型艺术的基础,不管我们将来从事美术的那个专业,素描对学生产生的影响是重要的。既然素描是基础,那么素描考试对考生考察的主要方面就是素描的方法和造型。许多考生可能不理解,过早的分析哪些院校偏向于什么风格的素描,什么样的画法,甚至在高考前到所报考学校参加考前培训班的学习,这些对于造型基础的素描来讲,都没有多大的实际意义。每一个高等院校,不管它有什么样的风格传统、什么样的画法,其入学考试的目的都是考察方法和造型。我国的高等美术院校从建国后由于历史的原因,一直沿用了前苏联的切斯恰科夫的素描教学体系,美术专业的教师绝大多数还是从这种素描教学的方法中培养出来的,尽管改革开放以后,我们接触了西方国家的许多风格、许多样式的素描教学法,但由于固有的观念和氛围,其它的方法在国内还不可能成为主流,那么素描的呈现状态,应该还是以造型结构、明暗关系为主的素描。这就要求考生在进行基础训练时,严格要求自己,准确的把握造型,努力在造型结构上下功夫,不断提高在短时间内准确造型的能力。这是由素描考试的时间所决定的。在三、四个小时的考试时间内,如果把过多的时间花在造型上,势必影响下一步的进行。当然,在考场上发挥的水平,与考生在日常训练时的基础有着密切的关系。造型的正确与否,直接影响着素描成绩的高低,是考生不可忽视的一个重要环节。
   三、注重方法和效果。素描是进入高等美术院校、专业的“敲门砖”,因此正确的方法,是取得理想成绩的重要前提,作为考生,随着美术院校、系、科招生数量的增加,其考生近年来多数是从文理科转学美术的,学习时间较短,美术基础比较薄弱,有的甚至是考前三个月才开始学习美术的,虽然我们有点揠苗助长,但是由于社会、高校、高中、家长及学生本人所构成的不同需求,要求教师不管是什么样的学生,都要尽最大可能,在较短的时间内,让学生掌握正确的方法并尽量使学生达到升学的目的。素描考试时,考生要使用正确的方法绘制物体,无非就是整体的观察,整体的表现,用长线、直线、辅助线等等,在这里方法是指的事物的普遍规律,而不是特殊规律。因此,任何风格、画法都无法掩饰你在造型上的漏洞,不如扎扎实实的以严谨、科学的态度,获取正确的造型能力。
   素描考试重在结果,因此画面的效果如何将直接影响到素描学科的成绩,在考试前所作的大量的训练,就是在考场上作总结,我们知道,素描的观察方法,直接影响到素描的效果,在考场上,由于时间的限制,我们不可能像平时训练一样,画的详尽、充分,我们只能在有限的时间内画出最精彩、最主要的东西,这也叫突出主题。如画石膏头像,考试时,好一点的学生,在整体观察、造型准确的基础上着重刻画头像的五官,使之显示出你在整体基础上刻画细节的能力,也能体现出你对素描的深刻理解。刻画时不要面面俱到,什么地方都刻划的细致入微,这样一是时间不允许,二是画面不能突出主题,费力不讨好,只要五官、表情刻画的生动,其它地方就可以放松去画,如石膏头像的底座、头像向后延伸的体面等。画的稍差一些的同学,在考试时一定要注意观察方法和表现方法的正确,整体观察是素描乃至于绘画来讲是千古不变的知识,因为只有整体的观察,你才能整体的表现,初学者总是在局部观察与整体观察中发生矛盾,考试时由于心理紧张更是容易犯局部观察的错误,这时,考生要努力去调整视觉,强调视觉的第一新鲜感受,在造型较准确的基础上,始终让画面保持整体感,在刻画细节时要从石膏头像的内在结构入手画出体积感,如画眼睛时可以作为圆球镶如眼眶,然后再刻画眼睑,即使是眼睑画的不在圆球的体积上,但由于圆球大的体积感,也可以保持画面的大效果,如果刻画细节总是失败,总是画不到体积上面,那么索性只保持画面的整体关系。因为素描所考察的就是你的整体造型的能力,有没有接受过正规的训练。保持画面的整体关系,证明了你所接受的系统、严谨的训练。同时由于考试时间的关系,不能完整的刻划细节也是可以得到阅卷老师的理解的。万不可在考场上东涂西抹,前后不分,使画面支离破碎。
   四、理性思考。素描考试不同于其他文化课的考试,考生在进入考场后较文化考试有一定的自由度,即使你看一看周围同学的画,也是允许的。因为绘画作为一种艺术,只有在一定的训练后才能熟练的掌握它,不可能很快见效。因此在考试时要进行理性的思考,首先要抓主要光线,因为考试时人数太多,一般的考试都放在空间较大的公共场所,而这些场所的光线是比较散乱的,考生要抓住主要的光线去描绘物体,而不能看见什么画什么,这样必然导致画面脏、乱、灰。其次要对所画物体进行梳理,不管是人物、石膏还是静物,对素描的要求是一致的,因此考生在写生之前,对所描绘的对象要分析造型、分析构图、分析明暗关系、分析前后的空间关系,即使你不用明暗关系去表现,仅用结构线也要准确表现出这些关系来。其三要充分利用平日积累的素描知识。考试时由于光线、场所等因素的影响,使所画物体受到影响,画面效果如果完全按照现场的效果去描绘,可能效果不佳。因此考生要把在平日作画时的效果能够运用到试卷当中,使画面主题突出,效果鲜明。罗素说:“真正有用的训练,是理解若干一般原则,对于这些原则在各种具体情况下的应用,是基础训练的终极目标。”
   五、关于角度及默写。考试中对所绘物体的角度要由一个总体的把握,任何物体都由其最美的观察角度和较差的观察角度。角度的选择也受到个人审美能力的限制,同时由于人数多的原因,并不是每一个考生都能选择到一个好的角度。物体的完全正面、完全亮面、正逆光等角度都是不容易表现的角度,要尽量选择亮部占四分之三左右的角度,这样表现起来效果会更好一些,当然对于一些素描基础较好的学生,由于其分析、概括、适应能力较强,对角度的选择也无所谓,总之要以有利于画面的最佳效果为选择角度的条件。
   近几年来,素描考试的方式有所变化,有的院校以默写来考察考生的素描水平。默写是美术学习的一种基本功练习,实际上是对考生的构图、结构、空间表现、明暗关系、组织画面能力、艺术素养等全方位的考察,难度较大,也比较容易使考生的水平拉开距离,是一种较好的考试方法。这需要学生在平时训练过程中,要有意识的对各种物体进行默写训练,尤其要强调学生具备较强的画面组织能力和构图的能力,另外要多欣赏一些艺术创作,以丰富表现手段。

静物写生的构图

静物写生的构图

  面对一组静物,如何将其转置于画面的空间结构之中,我们称之为构图。一种独具匠心的画面构图会使你的作品增添无穷的魅力。而构图能力的培养是有其艺术的形式规则可循的,具体来说,一幅静物写生的构图安排,主要根据物象的组合与你的感受确定是竖幅画面还是横幅画面,然后在这个空间中运用对比、节奏、平衡等因素,充分体现自己的感受和意图,表现出对象的特定气氛。对于考生来说,构图能力应有两个方面的培养和训练:一是摆静物、组织物体的能力训练。因为在日常的静物写生训练中,大量的时间是需要考生独立完成写生练习的,所以对静物写生的构图安排,不仅体现在画面中,而且还直接反映在对写生对象的摆设和组织上。二是如何在画面中取景,即以何种视角来确立画面。特别需要指出的是考生应培养自己的应变组织能力,因为在色彩静物写生考试中,经常出现的是已确定的静物内容,而考生的考位是随机和偶然的,这就要求考生能在静物的任何角度熟练、合理地组织画面的构图,使它符合构图原则,使作品产生美感。

  上述两个方面能力的培养和训练,需要我们了解和掌握构图的原理和规则。

  无论是竖画幅还是横画幅,构图的美学原则主要是既要有对比和变化,又要能和谐统一,最忌呆板、平均、完全对称及无对比关系的画面,因为这将令人感到非常乏味和沉闷。画面如果有聚散疏密和主次对比,有内在的接合及非等量的面积和形状的左右平衡,就会产生生动、多变、和谐统一的画面效果。懂得这一规则,会使我们的构图千变万化,并展现其特有的魅力。

  构图的摆布应首先考虑主要物体与次要物体及陪衬物体的定位,即何者为主,何者为次,画面的中心在哪部分。主体物可以是一件较大的物体,也可以是几个组合物;次要物体一般在面积上应小于主体物;而陪衬和点缀物的单体面积则应更小一些;衬布的选择与摆设应考虑画面的色调联系。

  静物的组织与安排,有了主次、大小变化就能使我们较容易地制造丰富的对比和变化。在物体的摆设安排上,每个人的艺术趣味不同,对比、节奏、平衡的表现也会因人而异。一般来讲,主体物旁边应有次要物体重叠组合,陪衬物应不规则地摆放在四周。如一个陶罐与一个酒瓶靠得较近,四周是一些小的水果和几个鸡蛋,这样就会因大小、高低、聚散等对比因素而产生美感。

  如果在选定静物时没有注意大小、主次对比因素,都以相近的距离分散地出现在画面中,例如用三个同样大小的陶罐均等距离地摆放,那将会造成没有主体中心,画面平均、呆板的现象。有些静物写生全是苹果,形状大小都很近似,那又如何来理解主灰、大小的对比因素呢?其实这并不矛盾。你细心地去观察这一类优秀的静物写生作品,就会发现它一般都是用几个苹果重叠地组合在一起而形成一个“整体面积”相对较大的“中心”,周围的苹果则以自然松散、错落有致的摆放与主体物形成陪衬关系。这其间的聚散、疏密是经过精心考虑和安排的,只是因不露痕迹而显得自然罢了。

  作为画面的构图安排与静物的摆放原则是一致的,如果说有些不同的话,那就是考生在面对特定角度的静物进行写生时,可根据需要对画面中出现的个别物体作适当的移位处理,以符合整体画面的构图形式的美感规则。此外,主体物忌放在画面的正中心位置,因为这样会给人呆板、僵死的感觉,向中心线以外略偏移一些才会让人感觉舒服。画面中的静物应尽量避免出现在同一条线上或等距离位置上,而应错落有致、聚散有法。“疏可跑马,密不通风”,说的就是这个道理。

  画面的构图一般有三角形构图、复合三角形构图、椭圆形构图、S形构图、V形构图等,这里就不一一赘述了。

厚画法与薄画法的选择与运用

厚画法与薄画法的选择与运用

  厚画法与薄画法又称为干画法与湿画法。

  厚画法主要指在作画过程中调色时用水较少,覆盖时用色较厚,用色量较大。而薄画法通常是指作画时调色较稀薄滋润,具有水色淋漓的绘画效果。

  厚画法与薄画法究竟选择哪种好?又该如何运用呢?

  其实厚画法与薄画法在水粉画写生中常常是结合运用的。当然,也有一些作者偏爱用厚画法或薄画法,这也是由各人的作画习惯而定的。

  为了便于说明不同手法及把握其作画的方法,我们先分开来谈这两种画法各自的特点。厚画法作画时,用笔蘸色饱满,掺水较少,表现物象时须下笔肯定有力,笔触方向感明确。它非常适宜表现形体转折明确、结实厚重的物体,如土陶罐、火锅、土豆、瓜果等。在厚画法的表现中除了厚堆、塑造的方法以外,也可采用透底画法。这种方法是笔上的颜料虽然干厚,但蘸色量不多,用笔作画时轻松流畅,有意造成透底的效果,即落笔的色彩不要画死、画实,使人感到很透气,底色会在笔与笔之间显露出来,共同构筑该色彩区域的基调倾向。这种手法可造或轻松、活泼、丰富、生动的色彩效果。

  薄画法,一般是大面积的铺色,水色淋漓,然后一层层加上去。采用薄画法时,用色及用水量都要充足,一气铺好大的画面关系。运笔作画快而果断,不然会产生很多水渍。薄画法往往适宜表现柔软的衬布、玻璃倒影、瓷瓶、花卉或水果等,这会有助于表现出物体的光泽及微妙的色彩变化。选择何种手法去表现对象,一方面根据物体的种类而定,另一方面也是由个人的作画习惯及偏爱决定的。

  用厚画法和薄画法都可以画各类物体,亦可将厚画法与薄画法加以综合运用。一般而言,暗部的色彩和远处背景物体的色彩应画得薄一些、虚一些,亮部的色彩和近处物体的色彩应画得厚一些、实一些。这样容易拉开前后的色彩强度,同时也符合我们的视觉感受。

色彩写生的自学体会

色彩写生的自学体会

我在上次发表的文章中(见本站“自学工艺美术考试的体会”一文)说的“画这边晾那边”主要是指用水分画设计作品而言的,对于色彩静物,我觉得第一要注意画面总的色调趋向,不要画“花”了。可以在总体的色调下突出一些“纯色”,也就是色彩构成中说的面积对比与纯度对比、位置对比,达到协调。(所以我说色彩构成这门课很重要,哪里都用得上)

第二,写生不同于临摹,很多色彩要靠自己归纳,不要被色彩弄花了眼,用色彩时要保持“素描”的眼睛,任何物体不管色彩怎样,本身都有明暗和结构,色彩的使用不要脱离明暗和结构,记住色彩是“长”在物体上的,否则画出来就会像花床单了。色彩写生不一定要画得多么精细,但是味道一定要对。

第三是具体技法,不知你说的“太难调”是什么意思。颜料不要太稀,水粉颜料的特点就是有遮盖力,不要不敢用颜料,尤其是“前景”的小块色彩,有时就是用纯颜料调制而根本不加水,用笔时果断干脆些,不要拖泥带水。利用水粉的遮盖力时要注意等底下的颜料完全干透才能在上面画,否则翻起下面的颜料往往会把画面弄脏,甚至不可收拾。

可以多看看印象派的作品,临摹一些静物范画也是必要的。有的老师主张不要临摹,我认为不一定适用。尤其对于自学美术者来说,临摹是必须的,可以在最短的时间内掌握技法,只是要注意不要在临摹过程中形成概念化的毛病,临摹是手段不是目的,掌握技法后把目光投向现实的世界才可以迅速提高。

以上是自己的个人体会,不当之处,请大家纠正。

如何获取色彩静物写生高分

如何获取色彩静物写生高分

  色彩静物写生是目前我国各高等艺术院校美术专业入学考试的必考科目。它与素描及创作(设计)共同构成三块最为主要的专业的水平测试内容。那么,如何才能获取该科目考试的高分,自然成为每个考生非常关心的问题。

  这里所说的如何获取色彩静物写生考试的高分,并不是提示考生如何去取巧,而是把色彩静物写生这一科目的核心要求以最为简明清晰的条目形式向备考的学子们进行介绍,使考生廓清思路,能在相对较短的时间内,掌握色彩写生的基础知识和表现方法,缩短和减少盲目摸索的时间,从而使考生的学习成绩能快速提高,在高考中获得优异的成绩。

  考生若要获取色彩静物写生的高分,首先必须明确高等美术院校入学考试中,在色彩知识和技能的学习方面所应掌握的与该阶段相关的核心内容,避免进入误区。考生的色彩写生入学考试成绩是与高考入学的几个主要评定标准密切相关的。考生临场的一些非规定性的发挥,往往容易造成评分教授们的争议,从而使获取高分的可能化为泡影。在高考入学考试阶段,考生应该出色地完成考试规定性的要求。也许有些考生会产生误解,是不是让所有的考生都按规定的方法画成同一个样子呢?当然不是。绘画是强调个性的,每个人田于气质、性别和年龄的差异,当他们在面对自然界的物体进行写生时,会表现出一定的个性感受的差异。但无论每个人的感受差异程度如何,作为高考入学考试,他们在色彩静物写生中所必须遵循的基本规则是相同的,即以写实的手法准确地表现物体的形体关系,在画面的构图安排、色调把握、质感表现等方面发挥和展示自己的才能。那些优异的表现者,将获取高考色彩写生的高分。