九月 2020

波提切利

波提切利

  桑德罗·波提切利是15世纪末佛罗伦萨的著名画家,他画的圣母子像非常出名。受尼德兰肖像画的影响,波提切利又是意大利肖像画的先驱者。

  波提切利生于1445年,先是和马索·非尼古埃拉一起学习,制造金银首饰,后又成为菲力浦·利皮的学生,作为对利皮的报答,他培养了利皮的儿子菲力浦·诺。波提切利经常受雇于美迪西和他们的朋友们。这些与政治和文化的联系使他创作题材非常广泛。在1481年,波提切利应招到罗马画壁画,这是他唯一一次离开佛罗伦萨到外面作画。据说波提切利从15世纪90年代起追随“沙瓦耐罗拉”风格,这在他后期所作的宗教画中得到体现,他的晚期作品少了些装饰风味,却多了些对宗教的虔诚。

  在15世纪80年代和90年代,波切利是佛罗伦萨最出名的艺术家。他的风格到了19世纪,又被大力推崇,而且被认为是拉菲尔的前奏。

  桑德罗·波提切利(Sandro Botticelli,生于1445年3月1日,死于1510年5月17日),原名亚里山德罗·菲力佩皮(Alessandro Filipepi)。他是欧洲文艺复兴早期佛罗伦萨画派的最后一位画家。

  波提切利出生于意大利佛罗伦萨的一个中产阶级家庭,“波提切利”是他的绰号,意为“小桶”。从小酷爱绘画的他最早被做皮革工匠的父亲送去一家金银作坊里做学徒,但后遵从他本人的意愿,将他送到菲力浦·利比的画室学习绘画。利比继承了晚期哥特式的手法,其对三维立体事物的把握、对细微人物脸部表情的表现和对细节的重视都对波提切利日后的绘画风格造成了深远影响。此外,波拉约洛兄弟的雕塑作品也对波提切利产生过影响。之后他又师从韦罗基奥,有一个比他小7岁的同学叫做莱奥纳多·达·芬奇。1470年,他自立门户,开设个人绘画工作室,很快就受到美第奇家族的赏识,向他订购了大量的画作。与强大的美第奇家族保持着良好的关系也使画家获得政治上的保护,并享有有利的绘画条件。此外也是通过这一层关系,波提切利得以接触到佛罗伦萨上流社会和文艺界名流,接触各方面多种的知识,开拓了视野,并为他的艺术打下精雕细琢、富丽堂皇、华美多采的贵族印记。

  在美第奇家族掌权期间,波提切利为他们做了多幅名画,声名大噪。1477年他以诗人波利蒂安歌颂爱神维纳斯的长诗为主题,为罗伦佐·美第奇新购置的别墅绘制了著名的《春》(The Allegory of Spring)。这幅画已经和《维纳斯的诞生》(The Birth of Venus)一起,成为波提切利一生中最著名的两幅画作。在这幅画中,波提切利运用自己丰富的想象力对古代神话故事重新演绎,人物线条流畅,色彩明亮灿烂,却又在充满着欢乐祥和的气氛中,带有一丝忧愁。1485年完成的《维纳斯的诞生》是波提切利的另一幅杰作,表现的是希腊神话中代表爱与美的女神维纳斯从大海中诞生的场景,这幅画的绘画风格在当时颇为与众不同,不强调明暗法来表现人体造型,而更强调轮廓线,使得人体有浅浮雕的感觉,而且极适合装饰作用。画面中的女神肌肤洁白,金色的长发飘逸,无愧为是完美的化身;但脸上却又挂有淡淡的忧愁、迷惘和困惑。

  另一幅为世人所熟知的画作是他的《三博士来朝》。 这幅画为他在整个欧洲赢得了声誉,并也因此于1481年7月被教皇召唤到罗马,为西斯廷礼拜堂作壁画。

  然而,社会政治形势多变,1492年,佛罗伦萨发生政治巨变,劳伦佐去世,美第奇家族遭放逐,宗教极端主义的萨沃纳罗拉掌权。波提切利也是他的追随者之一,并曾在臭名昭著的“虚荣的篝火”中烧毁过多幅自己的画作。或许是因为这个原因,波提切利的后半生声名下滑,晚年贫困潦倒,只能靠救济度日。在生命的最后几年,他不问世事,孤苦伶仃。1510年,波提切利死于贫困和寂寞之中,安葬于佛罗伦萨的“全体圣徒”教堂墓地。

契马布埃

契马布埃

  Cimabue 契马布埃
  契马布埃是西方绘画的创始人,被称为“画家之父”。他是13世纪末第一个发现人类的伟大的画家。契马布埃于1240年出生,1302年去世。他对绘画的要求非常严格,经常将不满意的作品毁坏,所以他很少有作品流传到今天。为此,他还得了个外号“牛头”。
  他之所以成名,主要是因为但丁〔Dante〕以他为例说明尘世光荣的短暂:”契马布耶自认为在画坛有举足轻重的地位,但是现在乔托的大受欢迎,已使他的声名渐衰”。早期的评论家以为乔托﹝Giotto﹞就是契马布耶的弟子,由于乔托将一种更自然的风格引介到十三世纪托斯卡尼﹝Toscana﹞当时所流行的拜占庭式绘画中,因而赢得声誉。实际上契马布耶曾于1272 年住在罗马,并受到当时壁画家与镶嵌画家特别致力于让作品展现自然风格的影响。他唯一有可靠的记录的作品,是作于 1302 年的《福音书作者圣约翰》﹝St John theEvangelist﹞。这件作品是比萨主教堂东侧半圆形室大幅镶嵌画的一部分。其它被认定可能是他的作品还包括了:亚西西圣方济教堂的上教会﹝UpperChurch﹞圣诗班席上,严重受损的壁画;下教会﹝Lower Church﹞已重绘的《圣方济的圣母像》﹝Madonna of S.Francis﹞;以及收藏于弗罗伦斯乌菲兹美术馆的《宝座圣母像》﹝TheMadonna in Majesty﹞。

博斯

博斯

 博 斯 (1450-1516年)希罗尼穆斯·博斯,出生在艺术世家,祖父和父亲都是地方有名的画家,博斯本人也声名显赫,他生前和死后都受到当地统治者的重视。  
  博斯早期的艺术,具有稚拙和含蓄的个性;中期的创作,充分发挥了艺术的表现力和丰富的想象力:他特别善于运用幻想以此区别于重形象真实性的画家,他巧妙而滑稽地将写实与浪漫的表现方式结合起来,创造了既富于幻想又有真实感的形象,用幻想的形象来赞颂生活美好的人和事,揭露、讽刺生活中丑恶的现象,成了他独特的艺术语言。他所创造的艺术形象继承了尼德兰民间艺术中幽默和风趣的成份,同时还吸收了意大利、德国艺术中的精华。  
  博斯晚期的作品无论是构图和造型,还是色彩和笔触都具有新的创见和高深的造诣。博斯在美术史上历来被认为是个不可思议的画家,他那充满着奇思怪想的画面像迷一样难解,其实他所创造的艺术形象并非凭空臆造,而是为了表现自己强烈的反封建思想。他从传统的哥特式雕塑中、中世纪动物故事插图、色彩抄本和中世纪的宝石古钱币中吸收有意思的形象,同时还借用占星术来间接表达自己的思想。他的艺术创造和影响是超越时空的,他被誉为“现代绘画的始祖。”
这幅画完成于他艺术最成熟时期。画家以丰富的想象力,描绘了天堂、夏娃的创造、最初的诱惑三个画面。  
  这幅《人间欢乐园》又叫《夏娃的创造》以寓言性造型,讽刺了世间男女种种怪相。画中人物繁杂有序,但无法说清画中人物情节,在全画中充满着人性、情欲以及飘忽不定的人间寻欢作乐的梦幻。在画家看来人类本身处在各种诱惑之中。  
  画面分三层:上面是神奇的天堂,中间是旋转着的无节制的追逐,下面是夏娃后代的众生相各有各的乐园。这是一个幻想的世界,隐寓人兽共处的罪恶社会,以此表达对社会现实的揭露和抨击。

与谢芜村

与谢芜村

(1716-1783 ),日本俳句诗人、画家。本姓谷口,别号夜半亭(二世),画名谢长庚、春星等。生于摄津国毛马村。少年时代即爱好艺术。20岁前后丧失家产,漂泊至江户,拜师学习俳谐,寄寓于芭蕉传人早野巴人的夜半亭,为江户俳坛所瞩目。以后10年间游历各地,致力学画。后名声大震。1757年成家,恢复俳谐创作。1766年与其他俳句作者成立“三果社”,提倡俳句的新风格。1767年继承夜半亭俳号,发展成为一代宗匠。他提倡“离俗论”,反对耽于私情、沾染庸俗风气的俳谐,致力于“回到芭蕉去”。但他的“离俗”意图导致脱离现实和沉溺于古典的倾向,缺乏芭蕉的人民性和现实性。他的俳句扩大了题材范围,表现手法也更为细致。他的《悼念北寿老仙》(1745)和《春风马堤曲》(1777)被视为一种自由诗式的韵文作品,为日本近代新体诗的先声。他的主要作品有《玉藻集》(1777)、《摘新花》(1797)、《俳谐三十六歌仙》(1799)、《芜村七部集》(1808)、《夜半乐》(1809).

扬·凡·戈因

扬·凡·戈因

 扬·凡·戈因的风景画大概在17世纪50年代他的晚年时,更趋成熟了。这时他对祖国的河流风光观察得更仔细,胸中存留着更多的美妙瞬间。作品的产量也较高,如《多德雷赫特城的马斯河风光》(藏苏联列宁格勒艾尔米塔日美术馆)、《瓦尔河风光》(藏莫斯科普希金造型艺术博物馆)等杰作,都是那一时期产生的。
  这幅《埃廷附近的莱茵河》是他于1655年完成的又一代表作。它标志着戈因的河上风景画的鲜明个性。辽阔的莱茵河以无限浩瀚的空间感展现于画上。这条水上交通要道每天有上万艘船只穿梭来往,繁忙的运输说明荷兰埃廷附近的工商业与制造业的日趋发达。平静的河面点缀着疾驰的风帆,给荷兰水上自然的秀美增添了诱人的色彩。它又包涵着时代赋予这条河流的新的神韵。17世纪的水运以帆船为主。高高的桅杆与飘逸的风帆在宽阔的河上星罗棋布。右边中景处有两条前进着的帆船,与左边几条靠近码头等待启航的帆船形成构图上的平衡感。左侧一驳船上的货物显然还未装卸完毕。河面风势很急,水波被激起频频的波纹,远处走着的帆船疏落有致。画面的地平线很低,因而画出了大部分天空。翻滚的乌云似乎也随风势在行进。画家把握住这个时节的河上色彩,于深褐中渗入银灰色调子来控制着全局。观者从画上得到的印象是:阳光被追袭的乌云所遮住,水面充满着凉意。观者似乎能听到水波拍打行进中的船舷的声音。偏冷的银绿色调子是创造这种感觉的基础,画面的情绪略微有点沸腾。这幅荷兰风景画具有诱人的巴洛克风格特色。全画不算大,尺寸约为41×56厘米。

海姆

海姆

 (1606-1684.4)出生于乌得勒支。父亲大卫·德·海姆也是当时一位有名的画家。小海姆受其家训,使自己的绘画天赋得到更进一步的培养。他早期的作品构图比较简单,色彩深而不丰富。这时,他对日常生活用品发生浓厚的描绘兴趣。1626-1636年,海姆去莱登大学城的地方美术学院学艺,并开始专学静物。描绘题材通常是书本、乐器以及某些具有象征意义的物品。在荷兰把这种带象征性的静物画叫?quot; 瓦尼塔斯",如头颅、滴漏等物以象征"人生的空虚"等。迁居到安特卫普后,海姆的静物画发生了一些变化。原先的朴实性质减弱了,增强了一些夸饰成分。他开始接受巴洛克画风的影响,把更多的注意力放在表现色彩的华丽上。这时期他画的静物,如水果、金属盘与酒杯等,极富质感,而且色彩富丽,往往偏爱在深沉背景前突现静物。如这一幅《鲜花》就如此。此画又称为《花瓶中的鲜花》。画上的玻璃花瓶被隐没在鲜艳花朵的背后,但它的强烈质感仍清晰可见。几朵硕大的牡丹花与芍药花被扭曲地插在小口径玻璃瓶中,花姿娇艳,色彩分布调和。有人说,海姆的静物具有一种"学术性"。这无非是指他的画面层次比较复杂,色彩沉着。静物的生动与奇妙促使观者会产生极大的探究兴趣。 此画约作于1665年,尺寸为53.5×41.5厘米,现藏英国牛津阿什穆兰(Ashmoleam)美术馆。

阿尔伯特·克伊普

阿尔伯特·克伊普

 (1620-1691;旧译凯普或奎普)是荷兰著名风景画家,出生于多德雷赫特。其父雅各布·克伊普(Jacob Gerritsz(oon) Cuyp,1594-约1651)以肖像画闻名于家乡,画风受伦勃朗的影响较深。其叔父本雅明·克伊普(Benjamin Gerritsz(oon) Cuyp,1612-1652)是兼善风俗、风景和宗教题材的巴洛克画家。除此以外,他的本家中还有几位画家,总共有7名,故美术史上称他们为"克伊普绘画世家"。他们都在尼德兰的多德雷赫特作画。阿尔伯特·克伊普素以农村的宁静生活为题材,画幅不大,风景上偶尔也点缀着牛和人。所画风景笔法坚实,形象生动流畅,深受家乡人民的欢迎。他的大多数著名风景画作于后期,画题通常以多德雷赫特附近的马斯河或瓦尔河岸的美丽风光为主。
  这一幅《多德雷赫特附近的船舶》就是描绘马斯河上商船繁忙景象的风景的杰作。河上晨雾刚散,透现出密集的船影。大气与光线融合为一体。河上的空气给人以一种润湿感。画家用精细的色泽去描绘占据画面三分之二的天空。云彩的徐缓伸展,令鉴赏者感到胸襟舒畅。远处有源源不绝的帆船,云雾若隐若现,淡淡的金黄色使这幕水天一色的河上景象更明朗和多彩多姿。阿·克伊普喜欢描绘浩瀚的天际,让大自然沐浴在微熹的晨光中或沉浸在夕阳西下镶金的云霞中。充满水气的空间能沁人心脾,令人从中感到画意洋溢,诗意盎然。在这幅画的近景上有一艘客运商船,在等待一只渡船靠拢。渡船上坐着一位贵妇人。大船上似乎已挤满乘客。船侧一个击鼓迎客的船员。人们都注视着一位迟到的旅客。这个细节在整个画面上不易引起注意,画家仍一丝不苟地描绘它,它也没有破坏全画的河运气氛,所绘景物细腻动人。

扬·斯滕

扬·斯滕

 (约1626-1679)是17世纪荷兰的著名的风俗画家。他的作品影响很广,在当时仅次于伦勃朗和哈尔斯。他的那些圣经题材的油画也往往有浓厚的风俗画特色。人物象在舞台上表演,众多的形象,构成一个故事性场面。他的风景画也是这样,似乎也要在画上讲点"故事",人物画得很小。有时候,故意使形象略带一点粗犷味,呈现一种幽默感,这大概与当时荷兰市民所向往的快乐的精神生活有关。晚年时的作品,显示了这位画家熟练的造型技巧,色彩处理也较凝练,笔触浑厚,具有一种现实主义性质的古典美。
  扬·斯滕曾向奥斯塔学过画,后又从其岳父学习油画技巧。他的风俗画无论从色彩上,还是从素描上看,都属于荷兰上乘画家之列。在他的风俗画上,被描绘的日常生活有个最大的特点,即有一种舞台剧性质,可能是他受到当时的舞台剧影响的缘故。这幅《画家之家》也存在某种戏剧性气氛。这幅画又名《斯滕之家》,是画家描绘自己家庭成员的愉快生活的一角。画家之妻坐在左侧,兴高采烈地伸出左手,让后面送酒的青年给自己的杯中斟酒。中间靠右坐着的是画家的母亲,她正戴上花镜,一边指着信纸,在给保姆代念家书。抱着孩子的保姆正侧着头谛听。右边一小伙用长烟管伸向旁边好奇的孩子的嘴里。对于未成年的孩子来说,越是不可问津的东西,就越想试试。最右角吹风笛的男孩,只有上半身在画内,画上人物共有10个,唯独没有画家本人。这里展现了一个悠闲旷达的普通家庭的生活。10个人物中,数画家妻子的形象画得最出色。她现出兴奋的体态,动势几乎支配着全局,突出了她那欢快喜悦的神情。此画表达了荷兰人民的自我满足的欢快生活的一面。画上每个人物都展现笑容,然而表情又是各不相同的。这就是画家的现实主义手法的精到之处。它不以夸张浮滑的动作取胜,对环境描写也很适当。斯滕不愧是一位卓越的色彩家,精细的人体素描家。他爱用黄和红两种颜色,并以蓝色作对比。这幅画137×163厘米大,现藏海牙毛里茨海斯美术馆。

尼古拉.马斯

尼古拉.马斯

  (1634-1693)是荷兰17世纪小有名气的一位风俗画家。作为荷兰巴洛克的追随者,他所追求的主要目标是肖像大师伦勃朗。他所描绘的题材比较狭窄,从1655年起,风俗画题材几乎就是纺纱、读经、做饭三个方面。有与弗美尔同样的倾向,却无弗美尔的艺术魅力。他的风俗画也是小幅居多,这幅《纺纱老妇》是其中之一。画的构图较独特:老妇坐在房间一角,凑近从天窗直射下来的阳光。也许冬天的室内这束阳光显得格外温暖些。摇车在老妇接线的一刻停住了,她全神贯注地低着头在接线。鼻梁上的老花镜微微下滑,前额的皱纹表明老人饱经沧桑的人生,生活虽平静,操持家业却日艰月难。墙上挂着一只缠纱锭子,右边脚下有一水罐。阳光把人的阴影沉重地投在墙角下。油色运用得很重,人物的抒情体现在默默的劳动中。马斯所展现的家庭妇女,显然比弗美尔的人物要贫穷得多。1660-1670年间,马斯访问了安特卫普,那里正风行绘制肖像。凭他的画技,这一领域中他也可占一席之地。于是他专以肖像画立足于这座城内,并向凡· 代克等大师学习。 此画约作于1665年。画幅很小,为41×33厘米,现藏阿姆斯特丹国立美术馆。

乔托

乔托

  乔托·迪·邦多纳(Giotto di Bondone 1267年-1337年)意大利文艺复兴时期杰出的雕刻家,画家和建筑师,被认定为是意大利文艺复兴时期的开创者,被誉为“欧洲绘画之父”。在英文称呼就如同中文一样,只称他为Giotto,乔托。艺术史家认为乔托应为他的真名,而非Ambrogio (Ambrogiotto) 或Angelo (Angiolotto)的缩写。
乔托性格开朗、活泼、机智、幽默。他出生在佛罗伦萨附近韦斯皮亚诺的农村,父亲是贫苦的农民。乔托从小上山放羊,后来在画坊当过学徒和帮工。他是画家契马布埃的学生。少年时代的乔托非常喜欢画画。他一边牧羊,一边用石头或小木棍在地上画些自然景物或由放牧的那些小山羊。有一天,契马布埃路过此地,见他正蹲在地上画画,发觉他天赋不凡,便让他到佛罗伦萨跟着学画。乔托进步很快,他不仅从古今名人的优秀作品中汲取养分,而且突破了中世纪绘画缺乏艺术生命力的缺陷,创作了许多具有生活气息的宗教画。他并不喜欢僵硬的拜占庭绘画风格﹝ltalo-Byzantine﹞,他认为宗教人物如圣母和耶稣,也是有血有肉的人,因此他特别加强了人物画中的肌理和阴影感,也将过去平板的金或蓝色背景改为透视画法的一般风景。此突破获得宗教界的喜好,使他大受欢迎。
乔托曾在佛罗伦萨、罗马、巴多瓦、那不勒斯、米兰、波伦亚、比萨、维罗纳、费拉拉等地制作壁画。他的作品富有立体感,并以自然景物代替中世纪绘画贯用的金色及蓝色背景。从1305年至1308年,乔托在巴多瓦阿累那教堂创作了一组壁画,在教堂的左、中、右三面墙上一共绘有38幅连环画,其内容是描绘圣母及基督的生平事迹。这些壁画被誉为“14世纪意大利艺术的重要纪念碑”。所有壁画至保存完好,参观者络绎不绝,这座教堂成为世界重要艺术宝库之一。在阿累那教堂众多的壁画中,最著名的四幅是:《金门之会》、《逃亡埃及》、《犹大之吻》和《哀悼基督》,后两幅是乔托最有名的杰作。1334年6月,乔托设计了佛罗伦萨大教堂的钟楼,并为此楼设计了部分浮雕。当年,佛罗伦萨共和国政府授予他“艺术大师”称号。乔托在艺术上开创的人文主义思想和写实主义的表现方法为控绘画的发展奠定了基础。乔托的绘画影响意大利长达一个世纪之久。
历史背景材料补充介绍:
  乔托可说是圣弗朗西斯教派(St. Francis)的历史画家。圣弗朗西斯教派是1215年由基督教圣徒圣法兰西(Saint Francis of Assisi ,1181-1226。又译为圣方济)创立的一个宗派。教义以克苦自卑,同情弱者为主。十三世纪原是中古的黑暗时代告终、人类发现一线曙光的时代,是诞生但丁、培根、托马斯·阿奎那(Thomas Aquinas)的时代。圣法兰西在当时苦修布道,说宗教并非只是一种应该崇奉的主义,而其神圣的传说、壮丽的仪式、圣徒的行述、圣经的记载,都是对于人类心灵最亲昵的情感的表现。以前人们所认识的宗教是可怕的,圣法兰西却使宗教成为大众的亲切的安慰者。他颂赞自然,颂赞生物。相传他向鸟兽说教时,称燕子为“我的燕姊”,称树木为“我的树兄”。他说圣母是一个慈母,耶稣是一个娇儿,正和世间一切的慈母爱子一样。他要人们认识充满着无边的爱的宗教而皈依信服,奉为精神上的主宰。圣法兰西这般仁慈博爱的教义,在艺术上纯粹是出新的材料。显然,过去的绘画是不够表现这种含着温柔与眼泪的情绪了。乔托的壁画即是适应此种新的情绪而产生的新艺术。
  乔托个人的历史,很少确切的资料足资依据。相传他是一个富有思想的聪慧之士,和但丁相契,在当时被认为非常博学的人。佛罗伦萨人委托乔托主持建造当地的钟楼时,曾有下列一条决议案:“在这诸如在其他的许多事业中一样,世界上再不能找到比他更胜任的人。”
  艺术革命有一个永远不变的公式:当一种艺术渐趋呆滞死板,不能再行表现时代趋向的时候,必得要回返自然,相其汲取新艺术的灵感。
  据说乔托是近世绘画始祖契马布埃(Cimabue)的学生。但他童年时已在荒僻的山野描绘过大自然。因此,他一出老师的工作室,便能摆脱传统的成法而回到他从大自然所的教训——单纯与朴素上去。他的艺术,是表现圣法兰西教义的艺术。他的简洁的手法、无猜的心情,最足表彰圣法兰西的纯真朴素的爱的宗教。从今以后,那些悬在空中的圣徒与圣母,背后戴着一道沉重的金光,用贵重的彩石镶嵌起来的图像,再不能激动人们的心魂了。这时候,乔托在教堂的墙壁上,把法兰西斯的动人的故事,可爱的圣母与耶稣,先知者与使徒,一组一组地描绘下来,都像当时记载这些宗教故事的传略一样,使十三四世纪的民众感到为富丽的拜占庭绘画所没有的热情与信仰。
  乔托的素描与构图同样是单纯、简洁。这是乔托的特点。乔托全部作品,都具有单纯而严肃的美。这种美与其他的美一样,是一种和谐。现代美术师家贝朗逊(B.Befeason)曾这样评价道:“绘画之有热情的流露,生命的自白,与神明的皈依者,自乔托始。这也是文艺复兴绘画所共有的精神。那么,乔托之被视为文艺复兴之先驱与佛罗伦萨画派之始祖,无论从精神上或形式上来讲,都是精当不过的评语了。
  美术界但丁式的人物乔托是中世纪最后一位画家,也是新时代第一位画家。尽管他的绘画主题仍然以宗教内容为主,尽管他的绘画还带有近似中世纪蛮族美术的稚气,但在他的绘画中却潜藏着与宗教文化相对独立的世俗精神和与蛮族美术相对独立的客观精神。实际上,这即是希腊、罗马古典艺术中人本主义精神和“模仿说”的本质再现。从乔托的《宝座上的圣母》来看,虽然它的构图布局几乎没有超越中世纪画家的惯例,但在他的画中已看不到金碧辉煌的装饰趣味和飘然若仙的人物罗列了;那坚实的体积,那纵深的空间反映了乔托的绘画与中世纪绘画的明显差异,这种差异的关键并不在于技法,而在于观念。乔托全新的艺术观不仅在他的艺术中创造了质朴、清新、庄严、厚重的审美境界,而且为后人提供了一种研究和表达自然的艺术实验方式。自乔托以后,西方艺术家才逐渐的认识到,只有可视的客观物质世界,才是获取真知,取之不尽,用之不竭的重要源泉。