九月 2020

80年代后期中国油画中的古典意向图式意义

80年代后期中国油画中的古典意向图式意义

  在当代中国油画的古典回归意向中,有两种文艺复兴时期的典型样式特别值得注意。一种是以亚当、夏娃为母题的男女裸体人物,一种是神色忧郁、淡漠、严肃、凝视观众的正面女子肖像。前者如张群、孟禄丁的《在新时代——亚当夏娃的启示》、韦尔申、胡建成的《土地:蓝色和黄色的和谐》、郭力的《忧郁》等。后者以何多苓在第6届全国美展中获银奖的《青春》为发端,有杨飞云的《北方姑娘》、宫立龙的《在镜前试妆的学生温柔玉》、薛雁群的《鸽子》、韦尔申的《满族妇女像》、张群 《和田女》、刘永刚的《北萨拉的牧羊女》等。这些作品给人的最初直觉都具有一种宗教感,如何理解这种图式的意义?帕诺夫斯基认为,文艺复兴是古典文化的再生,必须运用广泛的文化、哲学、宗教、历史材料去理解文艺复兴时期的作品。他确立了研究文艺复兴艺术和中世纪艺术的肖像学和圣像学方法。圣像学解释运用综合性的直觉,通过一般文化征兆和符号的历史(即对在各种历史条件下通过特定题材和概念表现了人类心灵基本趋向的样式之洞察)这一纠正解释的原则,去达到艺术作品的内在含义和内容的“符号性”价值世界。而肖像学分析和前肖像学描述是圣像学解释的基础,是对解释对象基本的事实性含义、表情性含义和约定俗成的从属含义的现象性分析。这种方法有助于我们分析上述两种艺术样式的题材含义。我认为,上述两种样式都表现出一种超越肉体对形而上原则的寻索,正如评论家高名潞所指出的,它们反映了青年艺术家的生命崇拜和宗教崇拜。1985年前后的青年美术创作中,曾大量出现“背影形象”,有评论家指出,这是一种共同的社会心理和情绪的流露,个人迷失了方位,全部行为的目的和存在的意义像不解之谜摆在面前,茫然与恍惚不定的心绪,是对罗中立、陈丹青的现实主义的怀疑淡漠,这是一种精神上的退潮萎缩。80年代后期,中国油画中的古典意向反映出新的精神高涨,人文主义、理性精神新的自信、对艺术价值和理想美的重新肯定。亚当、夏娃与中国的伏羲、女娲一样,作为一种文化符号,反映出远古人类对于生命绵延繁荣的不断追求,那种原始的生命冲动和生命意志,必然要冲破种种束缚,高扬人的生命主体性。而且亚当、夏娃还体现出《圣经》中的人类原罪意识和被逐出乐园后的羞耻意识、人文伦理精神的觉醒。文艺复兴时期的画家喜爱描绘这一宗教题材,一方面是宣传人文主义精神,另一方面,从世俗的角度看,则展示了人体的健美。
  80年代中国油画家的作品正是对这一题材含义的新的理解和解释,它也预示着中国人体艺术将出现新的高潮(沿着精神性的深刻与视觉性的审美两个主要方向发展)。而正面女子肖像的出现,则是一种“圣母”原形(中国则有佛祖、观音菩萨),那种对称、严肃而不失温柔的女性形象不仅反映出人类对女性、对母爱(灵魂的温暖家园的象征)的潜意识回归,更深刻的反映出当代人对生命、对存在、对永恒与美的理想追求。苏联美术评论家安娜·杰赫佳丽在谈到70年代苏联青年画家脱离60年代的“严肃现实主义”,普遍的回归古典主义时说:“古典作品、艺术史究竟在哪些方面吸引着青年画家呢?主要是通过永恒的价值来看今天,把自己个人的探索同千古不灭的文化传统联系起来。过去绘画史上的许多流派,都具有这种通过文化传统来观察世界的眼光。”这正是巴黎卢浮宫的艺术收藏为什么吸引了那么多现代艺术家和观众的原因。当代青年画家对于纯洁的“圣母”和博爱精神的选择追求,正是基于一个将人复原的崇高理想,与古典文化传统的深刻联系。
  在这里朝更远地方了望的心灵很自然的要摆脱一般的客体性相而回到主体的内心生活,即回到一种宗教性的心胸和情绪。黑格尔说:“如果艺术作品以感性方式使真实,即心灵,成为对象,把绝对的这种形式作为适合它的形式,那么,宗教就在这上面加上虔诚态度,即内心生活所特有的对绝对对象的态度。……这种虔诚态度之所以起来,只是由于主体在情感上沉浸到由艺术用外在的感性形象所化成的客观的东西里去,和它达到同一,结果在观念里的这种内在呈现以及心情振奋的情感就成为绝对达到客观存在 的基本要素。”在王广义、丁方那里,这种追求崇高的宗教情感,不是让感性个性融合到无限宇宙,使自我迷失在无限之中的“天人合一”,而是让主体的精神宇宙涵盖茫茫宇宙,从而实现感性个性的自我完成,达到永恒的“我”的存在。如果将宗教看作一种信仰,那么它无所不在,它是人类经验世界的组成部分,它是各种情绪、观念和目的的集合,它反映出人类不断超越有限的渴望和憧憬,其实质是崇拜人自身。艺术是对现实的不满足,艺术是非现实的、超现实的,它同时对灵与肉进行观照,它力求超越灵与肉,并将其提升到人类自由的本质境界。艺术是生命能量的自然释放,是人的精神、本质的自然外化和映射。因此,艺术品的价值从实质上说,不在题材和形式,而在于艺术作品能否引我们进入到现实之上的另一个境界,在那里我们换一种眼光观照自我,观照我们的生存,它或者使我们觉得更充实,或者使我们觉得不充实,这两者都是艺术的本性,这才是我们理解当代艺术中的理想色彩和宗教情绪的宏观视角。

[北美洲]哈得逊河画派

[北美洲]哈得逊河画派

  美国风景画派。以纽约为基地,活跃于1820~1880 年间。画派名称源于评论家T.W.惠特里奇为《纽约论坛 报》所写的文章。他们的先驱J.特朗布尔、R.厄尔、W. 奥尔斯顿和S.F.B.莫尔斯,为这一风景画派打下了基础。 这个画派始于1820年。T.道蒂、A.费希尔、T.科尔、H. 英曼、C.科德曼是哈得逊河画派的第1代。

      特朗布尔:《邦克山之战》
  1848年科尔去世后,在40年代开始画画的第2代画家 A.B.杜兰德、J.F.肯塞特和F.E.丘奇在50~60年代形成 自己的风格。该派的理论家是杜兰德。肯塞特规定该派 的基本画题是哈得逊河全景、山景、湖景、森林内部景、 简单的海岸景。

  该派另一领袖丘奇则认为肯塞特画的东部风景太朴 素,而注重对光的描绘,他专画世界奇景,如安第斯山、 北极、近东、尼亚加拉瀑布等。第 3代画家在70年代成 熟。他们是G.英尼斯、A.H.怀安特、H.D.马丁、R.A.布 莱克洛克。这一代画家用印象主义画法作画,作品富有 诗意。
      奥尔斯顿:《群鸦喂食》

17世纪荷兰画派

17世纪荷兰画派

在绘画方面,17世纪的荷兰画派尤为重要。虽然在其他时期也有一些值得提起的画派和画家,可是唯独在17世纪,荷兰画派作为一个整体,才以其巨大的规模 和成就,对整个西方美术的发展,产生过意义深远的影响。17世纪为荷兰绘画的黄金时代。革命的胜利促使经济和文化的欣欣向荣。这个新兴国家是当时欧洲先进思想中心之一。荷兰画家们怀着民族自豪感。用写实手法在作 品中表现祖国的人民生活和自然风景等。绘画终于摆脱 对宫廷贵族和天主教会的依附,开始为新兴的市民阶级服务。随着绘画市场和画商的出现,绘画成为市场上的商品。为满足市民的生活和审美需要,绘画的品种较之以往大为扩充。除宗教历史画和肖像画外,风俗、风景、静物和动物画也发展为重要画种。17世纪荷兰最重要的画家为伦勃朗、F.哈尔斯、J.维米尔及J.van雷斯达尔。当时,荷兰多数城市中绘画艺术均相当发达,其中最发达的为阿姆斯特丹、哈勒姆和代尔夫特。不过,就诸画派来说,地区之间的差异并不像品种之间的差异那样地来得明显。除前述4位画家以外,属于不同画种的还有许多艺术成就不等的画家,他们被称为荷兰小画派。

风俗画 17世纪荷兰风俗画不像文艺复兴时代画家 那样地往往通过宗教题材来反映现实生活,而是直接地以非理想化的手法来如实地反映市民和农民的日常生活。 这类风俗画大致包括两类内容:农民题材和反映市民生活的所谓时装题材。前者继承和发展了16世纪P.勃鲁盖尔的绘画传统。可能是哈尔斯的两个弟子A.布鲁威尔和 A.van奥斯塔德的作品,取材农民生活。布鲁威尔的油画幅面虽小,但由于注意整体关系和画面气氛,因而画中 形体显得厚重而朴实。他生前先后活跃于荷兰和佛兰德 斯两地,但主要是佛兰德斯画家。奥斯塔德的风俗画有 类似长处,其画面情绪比较风趣和乐观,不像布鲁威尔 的油画那样地往往带有悲怆感。

从事时装画的有在莱顿工作的画家G.道。他在20~30年代从伦勃朗习画,后来形成自己的画风。其作品往 往表现少数几个人物处身于室内,壁上有一扇窗子,并 有布幔、书本、乐器等道具。这类作品幅面不大,但相当精致,并注意光线的表现,为精致画派的精品。N.马 斯于40年代末至阿姆斯特丹受业于伦勃朗门下。他的那些表现老妪在祈祷或瞌睡的时装画,曾风行一时。G.梅 曲活跃于莱顿和阿姆斯特丹,擅长于描绘中产者安逸而 宁静的家庭生活。他的室内情景画在技法上相当细腻精巧,比较接近于维米尔的作品。G.泰博赫跟同时代其他 许多荷兰画家不一样,曾在许多欧洲国家旅行,识多见 广,不属于任何一个地方流派。所绘的那些反映市民阶级上层分子悠闲生活的时装画,生前很受买主欢迎。他尤其擅长于细腻地表现富裕人家妇女衣着的质感。J.斯 滕则兼画农民题材油画和时装油画,是一位有成就的风俗画家。

荷兰风俗画家中最杰出的,为代尔夫特的两位画家:维米尔和P.de霍赫。可是,维米尔生前却不像泰博赫和 梅曲那样受市民们欢迎,由于卖不出画而在负债累累之中死去。他的风俗画富有生活情趣,并在艺术处理上显示出宏大的气派。霍赫自1653年起定居代尔夫特,在那 儿完成了他的一些最佳作品。

17世纪荷兰肖像画最兴旺的地区为哈勒姆和阿姆斯特丹。哈尔斯为17世纪初荷兰最有名的肖像画家。他画中的人物不再是类型化而是个性化的。其早年作品充满 乐观主义精神,尤其能准确而生动地表现人物脸部从微笑转化为大笑过程中的刹那间表情。其团体肖像画刻画了因人而异的性格特征,神态自然,构图生动,克服了上一世纪团体肖像画程式那种画面过于拥挤、人物表情呆 板的缺点。伦勃朗的肖像画则往往更深刻地揭示了各式 各样人物丰富而复杂的内心世界。除绘制肖像画外,伦勃朗还精于制作其他体裁的油画,从而展现了他作为同时代荷兰画家中最杰出的绘画大师的多方面才能。

风景画 17世纪最初10年中,荷兰风景画仍然明显地受到16 世纪样式主义风景画程式的影响,在构图方面往往采用 较高的地平线,远景为幻想出来的山脉,而远近感则以程 式化的色彩来表达,即前景为褐色,中景为绿色,远景为蓝色。1612年,两位风景画家E.van de费尔德和H.P.塞 赫斯参加了哈勒姆画家同业公会。他俩发展了荷兰风景 画艺术的写实倾向。例如,费尔德的风景画在构图方面 把地平线压低,并废弃程式化的用色方法,使整个画面显得透视合理,空间感强,色调富有真实感。费尔德的 弟子霍延,J.J.van 在20年代中画风酷似其师,后来青出于蓝,形成独特的风格,在画中逼真、细腻而流畅地 表现了对光线与空气的感受。他所留下的几千幅油画和 素描真实而动人地记录了当年荷兰的运河、港湾以及莱 茵河地区的风景。

 雷斯达尔家族的成员们对荷兰风景画的发展作出了重要贡献。他们中间,J.van雷斯达尔尤其使荷兰风景画 发展到了顶峰。他除继承和发展前辈风景画家在表达光 线和空气感方面的成就外,还有意识地强调整个画面的结构感。他擅长于画树和渲染画面气氛。人们形容他的风景画为“史诗式”的。他的弟子中以M.霍贝玛最有名。

 费尔德家族中的另一个成员小W.vande费尔德和J.van de卡佩勒以擅长绘制海景画而出名。这类海景画对18世纪的英国风景画产生过较大的影响。

静物画与动物画 早在15世纪,尼德兰画家们,如凡·爱克兄弟等即有善于表现各种物质特性的传统和兴趣。他们所描绘的金属、丝绒、玻璃等具有逼真的质感。可是,这些东西过去只被用作宗教画或肖像画中的道具或背景。直到17世纪,静物画才成为重要的绘画样式之 一。它在荷兰的发展,也由于当时荷兰市民对于来之不易的安宁富足的小康之家,产生出由衷的喜欢。他们在 生活享受方面追求丰裕的饮食和考究的餐具,此外,还 注意美化生活环境,如种植郁金香等花木。荷兰静物画 的繁荣,看来正是为了满足他们的生活要求。哈勒姆画 家P.克拉斯和W.C.海达所首创的“早餐桌图画”,在色 调方面接近于霍延的风景画,把光线与空气的感觉表现 得清新而透彻;而在构图方面,则强调各种餐具、用具的形式和质感之间的对比,画中的锡□器皿、瓷器、玻璃器、布、陶碗、烟斗以及各种食品和野味,均显得极 为逼真。其他静物画家也各有专长,如A.van贝耶伦画海水产品,J.韦尼克斯画猎获的禽兽,M.洪德库特画鸟等。荷兰花卉画家根据水彩写生来绘制油画,同一幅花卉油 画中有时出现属于不同季节的多种花卉。而在动物画方面,则有一批擅长描绘牛、马、羊之类牲畜的画家。

 宗教、神话与历史画这类油画在荷兰虽然不像过去那样发达,但17世纪时并未绝迹。乌德勒支画派便以绘制意大利式的风格主义宗教画而出名。此外,伦勃朗、维米尔等也曾从事于宗教画创作。

西方油画的发展及风格流派

西方油画的发展及风格流派

新古典主义油画

从18世纪末到19世纪初,新古典主义取代了罗马艺术而占统治地位。这一时期的法国成为西方文化艺术的中心和西方近代美术主要流派的发源地,一些重要画家均在法国产生,法国的艺术发展成为欧洲艺术的主流。

古典主义艺术从广义上讲,是指以古希腊罗马艺术为典范,并加以推崇、摹仿的艺术。在欧洲艺术史上曾出现过几次“复兴”古代艺术的艺术思潮。第一次是文艺复兴,第二次则是在17世纪的法国,以普桑为代表的学院派美术及其美术思潮,被特指为“古典主义”美术。而18世纪末至19世纪初流行于法国的古典主义思潮则被称为新古典主义。

新古典主义的绘画产生于法国大革命前夕,法国资产阶级推崇古典风格,推行古希腊、罗马的艺术语言、样式、题材、风格,是为其达到喻古讽今的目的。由于与法国大革命的密切关系,赋予了古典主义以新的内容,使得许多艺术家能够突破古典主义的程式束缚,创造出一些具有现实意义的作品,因而新古典主义又常被称为“革命的古典主义”。

新古典主义绘画以文艺复兴时期的美学作为创作的指导思想,崇尚古风、理性和自然,其特征是选择严肃的题材;注重塑造性与完整性;强调理性而忽略感性;强调素描而忽视色彩。新古典主义绘画的代表人物是路易·达维特和安格尔。

路易·达维特(1748~1825)不仅是法国杰出的画家,而且还是法国大革命时期的社会活动家。达维特出生在巴黎的一个中产阶级家庭,十岁时父亲去逝,由叔父抚养。从小就对绘画有浓厚的兴趣,后进入皇家美术学院接受教育。曾去意大利游学,在那里深受米开朗基罗、拉斐尔作品的影响,并认为文艺复兴的美术才是真正的艺术。早期的达维特作品严格遵守着学院派的制作法则,而且保留着罗可可风格的痕迹,但由于在意大利学习期间受到人文主义传统的影响,开始转向古典主义艺术风格的创作。他常常选择古希腊、罗马历史中的英雄人物故事为题材进行作品的创作。在形象塑造上,以古代雕塑为范本,力求表现人物的共性,构图上力求严谨、均衡,对素描的追求超过了对色彩的注重。在形式上,力图用古典的法则来“改造”实际生活中的物象,表现一种静穆而严峻的美。达维特的代表作品有《荷拉斯兄弟的宣誓》《马拉之死》等。

安格尔(1780~1867)是法国古典主义、学院派的重要画家,是达维特的学生和追随者。安格尔1780年生于蒙托邦,父亲是位室内装饰家。他曾在图卢兹美术学院学习,1797年来到巴黎进入达维特的画室学习。安格尔在学习上非常勤奋,在还很年轻的时候就已是一个出色的画家了。他在达维特的画室里深受“理想美”信条的熏陶,把自己称为拉斐尔和古典艺术的热情崇拜者,并声称他所创作的作品是对实物的精确反映,只是在必要之处,依据古典艺术的准则加工了一下。安格尔以准确娴熟的写实技巧和典雅的画风著称。他精于观察,对形的追求以现实为基础,并能加以适当的主观处理。在人体和肖像画中多把体态线条做了变形,形成有节奏的曲线,加强流动感,他自始至终地追求着理想化的美。

安格尔是一位杰出的肖像画家,可以说他是在肖像画中取得了最大和最应该受到承认的地位。著名的作品有《圣玛丽夫人肖像》《里维耶夫人肖像》及《泉》。

新古典主义艺术由达维特到他的学生安格尔是一个转折,在内容上由革命的、与时代相关的事件转向了脱离现实的神话和纯艺术的表现。在形式上由严格的古典主义风格走向了带有华丽东方色彩的古典主义。

浪漫主义油画

19世纪浪漫主义的诞生是对当时新古典主义、学院派美术的一次革命。

浪漫主义以追求自由、平等、博爱和个性解放为思想基础。追求幻想的美、注重感情的传达,喜欢热情奔放的性情抒发。浪漫主义艺术以动态对抗静止,以强烈的主观性对抗过分的客观性。浪漫主义在题材上,多描写独特的性格,异国的情调,生活的悲剧,异常的事件,还往往从一些文学作品中寻找创作的题材。

浪漫主义的先驱者是法国画家席里柯,另一位法国画家德拉克洛瓦使浪漫主义绘画达到了顶峰。

席里柯(1781~1824)是法国浪漫主义绘画的先驱。席里柯出生在法国的里昂,15岁时到巴黎学画。他深受前辈大师们的影响,创作出一些具有浪漫主义色彩的作品。席里柯的生命虽然短暂,但却终生充满着激情、幻想和痛苦,并把这种感情反映在自己的作品中。他善于以写实的手法表现人的内心情感。作品题材都是从现实生活中取得,并删除掉一切非本质的东西。

《梅杜萨之筏》是席里柯最具代表性的作品。取材于当时“梅杜萨号”远洋船触礁事件,表现遇难船员乘木筏在海上漂流了13天终于看到救援的船只,一刹那间人们所表现出的激情和求生的渴望。

德拉克洛瓦(1798~1863)是法国浪漫主义绘画的重要画家。他出生在巴黎附近的一个律师的家庭,从小酷爱美术,18岁时进美术学院,在此期间认识了被称为浪漫主义绘画先驱的席里柯,使他开始的创作就受到席里柯的启发。

德拉克洛瓦在西方美术史上是一位有卓越成就和较大影响的画家,特别是对浪漫主义绘画的形成和发展做出了重要的贡献。他被看作是一位承先启后的大师。德拉克洛瓦不仅总结了从文艺复兴以来名家们的艺术成就,并影响了一批后代的艺术家。许多人从他那里得到启示和教益。德拉克洛瓦的想象力非常丰富而且才思敏捷,并具有一种别人少有的敏感。他反对当时古典主义绘画那种呆板、平庸的画风,主张个性解放,重视情感的表达。他的画善于表现动荡活跃的场面,色彩鲜明、豪迈奔放。他的重要作品是《但丁和维吉尔》《希阿岛的屠杀》《自由领导人民》等。

现实主义的油画

继法国浪漫主义之后,出现了以赞美大自然,描写现实普通人们生活的现实主义美术运动。现实主义绘画是指表现生活真实的艺术,用忠实于对象的手法描写自己眼界所及的事物,是透过现象反映事物的本质。现实主义绘画是由“巴比松画派”的风景画家以柯罗为代表,“农民画家”为称号的米勒,以“现实主义画家”自称的库尔贝和一些政治讽刺画家,特别是杜米埃的创作为代表所形成的。

首先表现出现实主义精神的是巴比松画派。这个画派出现于19世纪30~40年代。他们的创作活动与成果标志了欧洲风景画发展的新阶段。在距法国巴黎十几里的枫丹白露森林附近有个叫巴比松的小村,在这里群集了许多画家,他们在此描绘原始荒凉的自然风貌,感受着逃离闹市的惬意,这些画家被称为“巴比松画派”。巴比松画派的画家是一人一个绘画面貌,他们相互之间不把艺术上的主义或信条强加于他人,因而容纳了种种倾向的画家,而其中柯罗是今天最有名的一位。

柯罗(1796~1875),法国19世纪现实主义风景画的杰出代表。他提出的“面向自然,对景写生”的口号成为19世纪风景画创作所遵循的方向。在他的风景画中追求的是真挚、纯洁的情趣。

柯罗的风景画结构严谨,调子轻松,用色巧妙,光与空气表达得充分。他的艺术总是给人一种柔和、高雅的感觉。他能够忠实地描绘大自然,同时又加入柔和的感情,产生出诗一样的韵味。柯罗的风景画极少表现被强烈的光照射下的风景,而大多表现傍晚、早晨、大自然物体带有温和情趣的风景。看他的作品,树木好像在烟雾迷离之中,仿佛在半梦幻般的世界里。画面上流露出一种诗意,使观赏者产生对田园美景的爱。

米勒(1814~1875)法国现实主义画家,巴比松画派的代表人物。米勒出生在一个农民家庭,后定居在巴黎以南的巴比松村,一生画了许多描写田园风景和农民生活的作品,被誉为伟大的农民画家。

米勒的画风质朴、凝重,所创造的形象严整、崇高,富有纪念性,有一种雕塑的感觉。为了寻求画面的整体和谐统一,他极力追求浑然一体的效果。他的艺术语言十分平静,造型单纯、情调含蓄、旋律稳健。在油画笔法上朴实沉着,色调处理上浑厚调和,充满真挚的感人力量。欣赏他的作品常常能使人陶醉于一种苍茫沉寂的意境之中。米勒的代表作品是《拾穗者》《晚钟》《牧羊女》等。

库尔贝(1819~1877),19世纪法国现实主义美术运动中的重要画家,曾担任巴黎公社革命政府美术委员会主席。库尔贝1819年生在法国东部奥尔良的一个富裕农民家庭。早年学习过法律,后又进美术学院学习绘画。他一直都是一位具有民主思想的艺术家。在艺术上,他反对当时那种脱离社会生活的学院派风气,而重视创作的社会意义,并力图在自己作品中加以实现。

库尔贝在他的作品和宣言中确立了以生活真实为创作依据的原则。他曾宣布:“我要根据自己的判断,如实地表现我所生活的时代的风俗和思想面貌。”在艺术上他倡导反映现实生活和劳动人民的艺术。《打石工》《筛麦的农妇》是体现他艺术主张的代表作品。库尔贝的画风力求写实,造型明确,色彩沉着,用笔宽畅,不拘细节,画面有庄重厚实感。另外,在油画技法上,库尔贝经常不用画笔,而用调色刀,画出带有彩色大理石般肌理效果的表面。

杜米埃(1808~1879),19世纪法国具有战斗精神的讽刺艺术的画家,也是法国19世纪现实主义美术运动的重要代表人物之一。他不像米勒那样避开敏感的政治问题和社会问题,而是积极地投身到社会之中,把握时代的脉搏,创作了大量的政治讽刺画,嘲讽丑恶,揭露时弊。

1808年杜米埃出生在马赛的一个玻璃匠家庭,从少年时代开始他就做过许多杂活,从而锻炼了他的生活能力和对生活的观察能力,对他在艺术上的创作打下了生活基础,并形成了在艺术创作上的特征,用画笔讽刺社会的黑暗面。艺术语言上使用强烈的色彩,形象塑造上生动而略显夸张。他常常是提练出主题,并毫不迟疑地略去与主题无关的枝节,赋予那些最普通的题材以宏伟、壮观和积极向上的思想。《三等车箱》是杜米埃的一幅代表作品,在昏暗、肮脏、拥挤的三等车箱中,前排座位上,坐着贫穷的一家人,他们相依在一起,看上去都很疲惫,整个画面中的人看上去似乎是都各有生活的苦衷。

印象派油画

印象派产生于19世纪下半叶的法国。以马奈为中心的一批画家如莫奈、西斯莱、雷诺阿、塞尚、德加、毕沙罗等人,在反对学院艺术的口号下,以创新的姿态进行艺术革新,并登上法国画坛。1874年他们在巴黎举行了第一次展览,社会反响很大,参展作品中,有一幅莫奈创作的题为《印象·日出》的油画,遭到学院派的攻击,评论家们戏称这些画家们是“印象派”,这样印象派绘画便由此而得名了。

印象派强调画家对客观事物的感觉和印象,反对学院派的因循守旧,主张艺术上的革新。绘画技巧上对光和色进行了探讨,研究出用外光描写对象的方法,并认识到色彩的变化是由色光造成的,色彩是随着观察位置,受光状态的不同和环境的影响而发生变化,同时把这种科学原理运用到绘画中去。他们走出画室,走进大自然,在阳光下直接对景写生,根据观察和直接感受表现微妙的色彩变化。这在绘画史上是很大的革命,也给后来的现代美术以极大的影响。由于印象派绘画很少反映人类生活的主题,使创作题材和内容受到很大限制。

马奈(1832~1883),是19世纪下半叶对绘画领域的革命起重要作用的绘画大师,他虽与印象派画家们有密切的联系,但并未参加印象主义画展,可是印象派的画家们始终是以马奈为中心,创造新的绘画理论和作品。

1832年马奈出生在一个富裕的法官家庭,因为热爱艺术,他放弃了高官厚禄的前程,成为一位画家。

马奈是最早打破传统的棕褐色调,使画面明亮、有外光新鲜感的画家。他受过古典艺术的薰陶,作品中始终保持着宏大和庄重的气魄,他的画在造型上有很高的写实技巧,但在色彩上还没有发展到其后一些印象派画家那样去分解物体颜色的程度。他对色彩的处理比较完整,每一色块都很协调柔和,又很鲜亮,给人透明和清新之感。《吹笛子的少年》是马奈的一幅著名的作品,在总的暗调子中,突出几块明亮鲜艳的色彩,使之更加响亮耀眼。他的另一幅代表作品《奥林比亚》也同样运用了这样的表现手段。

莫奈(1840~1926),是印象派的领袖人物。1874年由他发起组织了首届印象派画展,他的油画《印象·日出》一画在展览中引起反响,从而使“印象派”这一名称正式出现。

《印象·日出》表现的是画家对所看到的“日出水面”这一转瞬即逝景象的感受和印象。画中表现的是在天水一色的朦胧晨雾中,一轮红日冉冉升起,水中的船和岸上的景物用蓝绿色彩轻松的勾画出来,整个画面的一切物体都融成一片。

在莫奈的作品中都非常注重在色彩领域的探索,忽视对物象形体的写实。侧重于用光线和色彩来表现瞬间的印象,追求绘画上色彩关系的独立美。他是第一个真正强调外光写生的画家。他所有的作品,几乎都是户外写生完成,而且态度非常认真。为了保持印象的真实性,常常是早晨时画的画,如果没完成,就等到第二天的同一时间继续画,直到画完。他还常常对着一个景物,分别画出对象在不同时间,不同光线下的色彩变化。如油画《草垛》《里昂大教堂》等就是画家进行这种色彩试验常被人们提及的作品。他的这些经过了深思熟虑,追求瞬间光色细微变化效果的作品,在以前是从未有过的。这种艺术追求在莫奈晚年创作的油画《睡莲》中表现得尤为突出。莫奈在印象派画家中是最长寿的,他到晚年时人们已经认识到了印象派绘画的价值,也使得他的晚年生活过得幸福。

德加(1834~1917),是印象派画家中的积极活动者和重要成员,以描绘舞蹈演员和浴女著称。德加是一个银行家之子,生活富裕并受到过良好的教育,文化修养较高。

德加早年接受过严格的古典主义艺术的熏陶,培养了他热爱传统艺术的感情,所以在印象派画家中他是始终坚持严格造型的画家。他受到马奈的影响,开始注重对色彩的研究,并参加印象派的画展,成为印象派画家中风格独特的一员。德加一生中对扑朔迷离的动感追求保持着浓厚的兴趣,尤其是舞台灯光下的舞蹈演员和赛马场上的情景,表现得极为生动。他常常在后台和包厢里冷静地观察对象,默写演员们舞蹈时一瞬间的动作,生动地表现出舞蹈者轻柔的动作和跳动起来的生动姿态,更成功的是他将舞台灯光下的感觉传达得格外真切。德加的代表作品是《舞台上的舞女》《熨衣妇》等。

雷诺阿(1841~1919)是印象派的重要画家。1841年他出生在一个穷裁缝家,曾以在陶瓷器皿上作画谋生。他天性乐观、纯朴,热爱生活,热爱大自然,对人和大自然的美,有着极其敏锐的艺术感受力。雷诺阿主要画妇女肖像和裸体,他的画总是充满着欢乐的气氛,人物塑造得有着无法形容的柔和与微笑。同时在他的画中尝试着运用印象派的方法,也取得了理想的效果,他的人物画生动活泼,色彩丰富。

雷诺阿的绘画创作中少女和儿童题材的作品也具有很高的艺术价值,他笔下的儿童天真稚气,所画的少女更能传达出沉静、优雅的情态。《少女肖像》是他这一类作品中的代表作品之一。

雷诺阿笔下的作品在笔触运用上给人一种跳跃的感觉,他还经常喜欢使用各种由浅到深的红色作画。画中的人物被描绘得非常悠闲愉快,充满青春的美丽,犹如一首赞美和抒情的乐曲,它能使人感到生活是这样美好而富于浪漫情调,作品《游船上的午餐》《饼干坊街的舞会》《包厢》等都十足体现了他的艺术特色。

毕沙罗(1830~1903),是印象派的重要画家。毕沙罗出生在法国安提尔群岛的圣多马小岛上,他的父亲是一位开杂货铺的小老板。年轻时他曾当过店员,由于酷受绘画,在他25岁时离开了家乡小岛,来到以艺术都城著称的巴黎。柯罗和米勒的作品给了他很大的影响,他坚信着艺术唯一可遵循的大师就是自然。毕沙罗比其他印象派画家中任何人都更早在外光中开始作画。他常说:“在户外生动的光线中,按着自然忠实地画吧!”

毕沙罗一生清贫,但却总是带着愉快明朗的面容生活着。他非常喜欢田园生活,毫不夸张、粉饰地画眼中看到的极其普通的一切。在画面上他常常采用饱和的颜色和笔笔压盖的细腻笔法描绘对象,具有一种淳厚的艺术韵味。代表作品有《逢图瓦兹的红屋顶》《蒙马特尔大街》等。

修拉(1859~1891),印象派中的后起者,他在印象画派中独树一帜。修拉是根据色彩学原理来指导艺术实践,认为在光的照耀下,一切物象的色彩是分割的,要真实地表现这种分割的色彩,必须把不同的、纯色彩的点和块并列在一起。在这种理论指导下的作品被称为“点彩法”,并形成“新印象主义绘画”,又称“点彩派”。建筑在科学理论和理性基础上的新印象主义,在某些方面恢复了绘画中物象的具体性、实在性,在色彩分析方面有所探索,但由于过分注重法则和规则,也使绘画丧失了可贵的、直观的生动性。

《大碗岛星期日的下午》是修拉的代表作品,共用了三年时间才完成。画家采用了细笔小点的形式,并用大块的绿色为主调,杂以紫、蓝、红、黄等色点,使画面在局部中有着丰富的色彩变化和互补色的对比,整体上协调一致。

后印象派油画

印象派之后出现了与印象派的艺术主张不同,以塞尚、凡·高、高更为代表的另一种艺术主张,人们称之为“后印象派”。后印象派不满足于印象派的“客观主义”表现和片面追求外光与色彩,转而强调抒发作者的自我感受,主观感情和情绪。在艺术表现上,“后印象派”重视形、色、体积的构成关系,强调艺术形象要异于生活的物象,要用作者的主观感情去改造客观物象,要表现“主观化了的客观”。他们尊重印象派在外光和色彩上所取得的成就,但不追求外光,侧重于表现物质的具体性、稳定性和内在结构。后印象派的绘画对现代诸流派的发展有着重大的影响。

塞尚(1839~1906),是后印象派的重要画家,现代绘画之父。塞尚由毕沙罗介绍加入印象主义画派,并参加了第一届印象派画展。他不拘泥于印象派的光色分析,为捕捉转瞬即逝的自然现象而苦苦探索,确立了自己的艺术方法和风格。

塞尚经过长期的观察和实践,提出自然的物象都可以概括成圆柱形、圆锥形和圆球形等几何形。自然对人类来说,主要不是平面而是深度,要重视表现自然景物的形体与结构上的关系以及色彩的层次推移。他认为“线是不存在的,明暗也不存在,只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他非常善于用色彩处理画面的空间感,作品中景物无论远近,没有模糊朦胧的地方,十分清新明快,同时又表现出了层次分明的远近透视感和空间感。这种感觉不是由画面上物体的透视线和构图来表现的,而是由物体的色彩及色彩的相互关系表现出来。色彩代替了体积,颜色关系代替了明暗关系,他是在用颜色造型。我们知道,困难在于找到准确的色彩和色彩之间的和谐关系,塞尚则成功地克服了这一困难。

塞尚的作品,大都是他自己艺术思想的体现。他的静物画、风景画及人物画表现出了结实的几何体感,忽略了物体的质感及造型的准确与否,着重强调厚重、沉稳的体积感,物体之间大的整体关系。塞尚的作品不是盲从地去复制现实,而是寻求诸种关系的和谐。

塞尚这种对体积感和空间感的强调,对色彩的巧妙安排和运用,对物体造型结构的处理并有意识地采取变形手法等等,这些追求形式美感的艺术方法,对后来现代流派有着十分重大的影响。所以,塞尚晚年为许多热衷于现代艺术的画家们所推崇,并尊称他为“现代艺术之父”。

塞尚的代表作品有《静物》《圣维克托尼尔山》等。

凡·高(1853~1890),是后印象派的重要画家,荷兰人,家庭生活贫困,年轻时曾干过许多职业,如美术商人、教师、传教士等。年近30岁时,他才开始绘画艺术的生涯。

由于他有过丰富的生活体验,同劳动人民有着深厚感情,所以在他的艺术中热衷于表现他们平凡而艰苦的劳动生活。早期的油画作品多以现实主义的手法,描写乡村景色和人们的劳动生活,在色彩的表现上是以传统的暗调子为主。1886年,凡·高来到巴黎,被印象派画中那种奇妙热烈的光色效果所吸引,并开始改变原有的画法,以极大的狂热投身于印象派绘画色彩的表现和其他形式方面的实验中去。从此凡·高的油画开始明亮起来,多使用鲜艳和火辣辣的色彩,以及具有运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触,构成他绘画的特色

17世纪巴洛克美术

17世纪巴洛克美术

欧洲17世纪的美术样式。发源于意大利,以其热情奔放、运动强烈、装饰华丽而自成一体,与16世纪盛期 文艺复兴美术的庄重典雅相区别。巴洛克美术在文艺复兴美术之后,一定程度上发扬了现实主义的传统,从而克服了16世纪后期流行的样式主义消极倾向。另一方面, 巴洛克美术符合当时天主教会利用宣传工具争取信众的 需要,也适应各国宫廷贵族的爱好,因此在17世纪风靡全欧,影响到其他艺术流派,使欧洲的17世纪有巴洛克时代之称。
 词源与含义 巴洛克(Baroque)一词的来源至今仍不甚明确。它可能来自以下三词:意大利语的baroco,指中世纪繁缛可笑的一种神学讨论;意大利语的baroc-chio,指暧昧可疑的买卖活动;葡萄牙语的barocco,指畸形的珍珠。三词皆含悖理怪奇之意,因此自18世纪以来,它们都可能被对巴洛克美术怀有偏见的人用作讥讽的称呼。 这种倾向在古典主义和新古典主义的文艺理论中尤为明显。这种贬意甚重的称谓不仅表示了古典主义学派的偏见,也说明当时对巴洛克美术研究甚少,了解不多。19世纪后期以来,巴洛克美术才得到积极评价,德国美术 史家W.吕布克在其《建筑史》、瑞士史学家J.布尔克哈 特在《意大利艺术指南》等书中,皆称颂巴洛克建筑之美,建筑界也出现一些仿效巴洛克风格的名作,如巴黎 歌剧院。学术研究中确定其地位的是德国美术史家H.沃尔夫林1888年出版的《文艺复兴与巴洛克》一书,他指 出巴洛克是继文艺复兴之后的主要流派,并对其形式特点作了分析和历史考察。在他之后,意大利学者E.南乔尼于1895年进而把17世纪文明的特点归纳为巴洛克主义, 学术界逐渐形成了17世纪是巴洛克时代的概念,甚至有 巴洛克音乐、巴洛克文学、巴洛克哲学等提法,使有关问题的研究在艺术史和文化史中逐渐深化。

 除了确认巴洛克美术的历史地位而外,西方学术界对有关问题的研究还有另一方面的发展,即把巴洛克相对于文艺复兴的风格特点当作具有普遍意义的艺术形式 发展模式,认为其他时代和其他民族的艺术也有这种从文艺复兴到巴洛克的演进,甚至认为这是艺术形式或视觉形式的不依社会内容为转移的独立规律。首先提出这 种主张的也是沃尔夫林(《美术史原理》,1915)。他把文艺复兴代表的古典主义和巴洛克当作艺术表现形式 的两极,各有一系列互为对照的特点,并形成由此及彼 的规律性发展。以此类推,则各地、各时代美术皆有其 古典和巴洛克阶段,例如希腊美术在公元前5~前4世纪 为古典阶段,希腊化时期则为巴洛克阶段;哥特式美术在13世纪为古典阶段,14~15世纪为巴洛克阶段;甚至日本美术也可如此划分。沃尔夫林的学说开启了形式主义分析的流派,在西方影响甚大,不少学者认为巴洛克 可作为每一文化或文明进入后期阶段的特征,使之具有 更为普遍的意义。

 建筑 巴洛克建筑最早可追溯于米开朗琪罗的雄强风格和大胆设计,如圣彼得大教堂(梵蒂冈)的圆顶。他的 两位助手G.da维尼奥拉和G.della波尔塔在1568~1584年间完成的罗马耶稣教堂则被公认为是从样式主义转向巴洛克的代表作。这座教堂内部突出了主厅和中央圆顶,加强了中央大门的作用,以其结构的严密和中心效果的强烈而显示了新的特色,因此,耶稣教堂的内部和门面后来 都成为巴洛克教堂的模式。17世纪早期巴洛克建筑的主要代表则是C.马代尔诺建造的罗马圣苏珊娜教堂(1597 ~1603),虽大体仿效耶稣教堂,比例却更为高峻雄伟,门面的细部安排层层曲突,愈近中央大门愈为明显(例如 由扁平的方柱变为半圆柱再变为3/4圆柱)。建筑的立体塑形复杂多变,动态强烈。马代尔诺还担任了圣彼得大教堂的内部改建和门面建筑设计。这座著名建筑曾按米 开朗琪罗和波尔塔的设计,建成了中央圆顶,但教会出 于宗教仪式需要,决定修改原来的中心型的设计,由马 代尔诺加长了主厅前半部,使它成为符合教会传统的长方形十字教堂。马代尔诺扩建的内部和门面仍充分吸取了米开朗琪罗巨形柱式的基本图案,保持了整体的雄伟感,门面的安排还采取了类似圣苏珊娜教堂的手法,使这种教堂具有了巴洛克的面貌。但由于主厅加长,圆顶 被置于后部,从门面上已看不到圆顶的雄姿,实为美中 不足。

  17世纪盛期巴洛克建筑的两位最杰出的大师,是G. L.贝尼尼和F.博罗米尼。贝尼尼以雕刻家而兼精建筑,他在1624~1633年间完成的、置于圣彼得大教堂内的青铜华盖,是一座高达29米的巨型幕棚,以4根螺旋形雕花大柱支撑盖顶,雄伟而又华丽。贝尼尼长期担任圣彼得大教堂内部装修,使建筑与雕刻融为一体。最为著名的是他为教堂祭坛设计的圣彼得法座,卫护的圣徒、飞腾的天使和云间透射的圣灵之光与建筑结合巧妙,充分发 挥了巴洛克美术热烈奔放的特色。贝尼尼还为圣彼得大 教堂设计了门前双臂环拱形的广场和柱廊,使它成为西 方最美的广场建筑之一。博罗米尼的建筑喜用凹凸多变的曲线和多种几何形体的复杂交错,从整体布局到细部安排都能独出心裁,代表作如四泉的圣卡洛教堂、圣伊沃教堂等,被誉为巴洛克建筑的典范。在他俩影响下,罗马出现了一大批巴洛克建筑大师,著名的如彼得罗·达 科尔托纳、C.拉伊纳尔迪、小M.伦吉、C.丰塔纳等。他 们在罗马建造了许多华美的教堂、宫殿、广场与喷泉, 遂使巴洛克风格流行全欧。

 除罗马外,意大利北部也出现了两位著名大师:威尼斯的B.隆盖纳和主要工作于都灵的G.瓜里尼。前者的代表作是威尼斯的健康圣玛丽亚教堂,后者则为都灵的圣洛伦佐教堂和圣辛多内礼拜堂,皆以灵巧秀逸取胜。传播于西欧诸国的巴洛克建筑,又结合各地特点而各有所长,如法、英等国带有较严谨的色彩,德国南部则华丽辉煌达于极致,西班牙及其统治下的拉丁美洲也是巴洛克的沃土之一。西班牙最倾心于繁富与瑰丽,而在拉丁美洲又一定程度上吸收了印第安人固有的装饰传统,形成世界美术中的奇葩。

表现主义–野兽派、桥社和青骑士

表现主义–野兽派、桥社和青骑士

20世纪西方艺术的基本面貌可以概括为情绪表现、构成反艺术、潜意识、

模拟等类型,也可以归纳为抽象和表现这两个相互对峙的倾向,或许在这

两极之间还可以增添第三个倾向,即抽象表现的倾向。到第一次世界大战

,这三个倾向已具雏形,这就是当时引导潮流的表现主义,立体主义和未

来主义。

表现主义旨在表达情感体验和精神价值,而不在乎记录视觉印象。20世纪

头十年,在莱茵河两边形成了不同的表现主义势力范围,其中心分别在世

界文化之都巴黎、德国北部的德累斯顿和南部的慕尼黑,其核心团体依次

是野兽派、桥社和青骑士。

野兽派

20世纪初到一次大战爆发,来自世界各地的艺术家云集巴黎,形成了一些

自觉的前卫派艺术运动,野兽派是其中的第一个。1905年在巴黎的秋季沙

龙中,马蒂斯、德兰、弗拉曼克等画家的作品同展于一室,他们强烈的色

彩、过度的变形引起了评论家沃克塞勒的批评,他称他们为"一群野兽",

野兽派由此得名。虽然野兽派没有明确的纲领,但仍具有一些共同的特点

,如用色鲜明强烈,笔触突出有力,对构图、题材、形体的处理带主观随

意性,画面大多具有装饰性等。

从1905年起,野兽主义已成为一种受到尊重的风格,亨利·马蒂斯(Henri

Matisse,1869–1954)被视为当然的领袖。马蒂斯的刨作成熟于1905年,

以他著名的马蒂斯夫人肖像为代表。在这幅名为《带绿色条纹的肖像》

(1905)中,马蒂斯运用平涂的鲜明色块和有力的轮廓线加强形象的构造特

点,同时保持逆光部分的鲜明性,从而创造出一种新的光色与空间。在

1906年到1907年,他继续画同样简练明快的作品,其中一生画有阿拉伯式

图案,暗示了高更的鲜明图式和新艺术的装饰风格。大约在1909年到1910

年,为俄国商人绘制的两幅巨型油画《音乐》和《舞蹈》标志着马蒂斯早

期创作的顶峰。这两幅画表明,画家的兴趣在于色彩的构图。他试图通过

自由的想象,以最简练的形式和强烈的色块对比表达自己的情感。这两幅

画以深红色画人物,绿色和深蓝为背景。《音乐》中五个裸体男子,好像

五线谱上的五个音符,既给人以宁静的印象,又让人产生音响的幻觉。《

舞蹈》中五个裸体女子手拉着手兴奋地围成一圈,既保持着永久的动态,

又给人以平和的静感。这里反映出马蒂斯艺术的一个特点,色彩和图案的

魅力既是其内容又是其形式。这组画符合马蒂斯斯追求的那种可以消除疲

劳的安乐椅式享受的目的。虽然马蒂斯主张艺术的表现性,但是与其它表

现主义者相比,他还是属于比较平静而节制的画家。

←《欢乐的生活》(1906)
←《红房间》(1908-1909)
←《摩尔人窗帘》(1921-1922)

把野兽派那种夸张色彩和流畅笔调发挥得淋漓尽致的是更为年轻的画家莫

里斯·弗拉曼克(Maurice Vlamink,1876–1958)。他深受凡·高影响,其

风景画充满了激情,以致可以看作是他个性的表现。

安德烈·德兰(Andre Derain,1880–1954)的风景画直接用高纯度的色彩

作大笔平涂,他甚至能用鲜明的纯色去画烟雾弥漫的泰晤士河。可以看得

出来,他的画具有某种构图训练,这让人联想到塞尚的影响。

←《伦敦桥水域》(1906)

属于野兽源的画家还有拉握尔·杜飞(Raoul Dufy,1877–1953)、阿贝尔·

马尔凯(Albert Marquet,1875–1947)和荷兰人基斯·凡·东根(Kees van

Dongen,1877–1968)等。从1905年到1907年是野兽派最成熟的阶段。1908

年以后,大多数画家开始分道扬镳,而在1929年野兽源的复兴中,马蒂斯

仍然是著名的代表。

乔治·鲁奥(Georges Rouault,1871–1958)被认为是野兽派的同路人,但

他的画风更接近德国表现主义。鲁奥与马蒂斯一道,曾在莫罗门下习画,

是莫罗的得意门生。鲁奥是个天主教徒,毕生以宗教内容为题材,他的画

追求一种道德的、精神的类。他一度发生过精神危机,在他的画中,传统

的价值被
颠倒了,审判者被面成猿猴模样,妓女成了圣女,小丑变作基督。后来他

逐渐控制了自己的幻觉,最后他的创作成为对基督一生的默恩,此外别无

其它,甚至所画的风景也只是作为圣经事件的布景而存在。鲁奥颇受中世

纪彩色玻璃窗画影响,所以他的画具有昏沉沉的颤动的光线,沉重的、黑

压压的构图形式和强烈变形的形象。

20世纪表现主义的主要基地是德国,与法国的野兽派相比,德国表现主义

对题材倾注了更强烈的感情,而法国人相对而言较为理性,他们更关心绘

画的形式结构。德国表现主义最典型的代表可归纳为两个团体,一个是

1905年创于德累斯顿的桥社,另一个是1911年从慕尼黑新艺术家协会派生

出来的青骑士。

桥社

桥社是由在德累斯顿学习建筑的四个学生组建的,这是一个松散的年轻画

家团体,为首的有基希纳、黑克尔等人。不久后参加桥社活动的重要画家

还有诺尔德。

桥社的画家们起初聚会讨论他们的纲领,呼吁艺术家们起来反抗堕落的学

院美术,建立一种新的、与德国历史相联系但充满现代感情和形式的、生

气勃勃的美学,从而在艺术家们和令人信服的精神源泉之间架起一座"桥梁

"。

l911年基希约与桥社的其它成员移居文化更为活跃的柏林,著名的剧作家

斯特林堡和画家蒙克也住在那里。桥社画家热衷于木刻和石版画显然是受

到了蒙克的影响。

桥社画家中数恩斯特·路德维希·基希纳(Ernst Ludwig Kirchner,1880

–1938)最有才气,他的作品最具有力度。如《艺术家与他的模特》(1909)

一画,具有一种在马蒂斯同类作品中所缺少的感情色彩,画家似乎要作出

某种心理解释。画中运用了橙与蓝、粉红与绿色等对比强烈的色彩并置,

用笔虽然谨慎,但却显得粗率有力,画家手中拿着的大号画笔也说明了这

点。

←《柏林街头》(1913)

埃里希·黑克尔(Erich Heckel,1883–1970)塑造的人物形象显得更为丑陋

,他喜欢通过戏剧性情节描绘人物的思索、焦虑、病态的精神状态。在纳

粹统治期间,他和基希纳都被宣布为"颓废者"。他的木刻明显地受到非洲

雕刻的影响。

埃米尔·诺尔德(Emile Nolde,1867–1956)是与鲁奥相似的个性孤僻的基

督徒,他最好的作品都是描绘基督的生平,尤其是那些作于1909年至1912

年之间的作品。在《最后的晚餐》(1909)一画中,诺尔德把基督和他的门

徒画成德国农民的样子,近乎中世纪民间绘画的风格。他的颜色不如调和

直接涂到画面上,构图粗率不加修饰。

《基督生平》(1911–12)是由9幅镶板面组合起来的,中间一幅最大,两边

各四幅,与中间那幅组合成3个并列的正方形。诺尔德是个基督徒,他后来

的作品,连风景画也包含着宗教情绪。

参加桥社活动的著名画家还有卡尔·施密特–罗特鲁夫(Karl Schmidt-

Rottluff,1884–1976),马克斯·佩希施泰因(Max Pechstein,1881–195)

等人。到1913年桥社面临解体。

青骑士

除了德累斯顿和柏林以外,慕尼黑也是德国主要的艺术中心。l911年在这

里产生了青骑士团体。这是由定居慕尼黑的俄国人康定斯基和另外两个年

轻的德国画家马克和麦克共同创立的。与桥社艺术家不同,青骑士画家没

有形成共同的风格,但他们却有着共同的信念:追求艺术中的精神。他们对

不可见的
内在精神比对可见的外部世界更感兴趣,希望用抽象的抒情语言给这种内

在精神以可见的形和色,把艺术和深刻的精神内容融为一体。

与桥社相比,青骑士更为开放,更具有国际化倾向。青骑士在l911年的展

览,吸引了德劳内和亨利·卢梭以及作曲家阿诺尔德·勋伯格(Amold

Schoenberg)等,在1912年的展览,又吸引了克利(Paul Klee,1879–1940)

等艺术家参加。

瓦西里·康定斯基(Wassily Kandinsky,1866–1944)是青骑士的精神领袖

,他的一生对20世纪的艺术具有深远的影响。他非常熟悉欧洲各种思潮,

对哲学、宗教、诗歌和音乐极感兴趣,他试图通过艺术把理性和非理性统

一起来。他所关心的问题是,如何创造一幅非具象的画,但这种画不是简

单的图案或装饰。那么它应取什么样的形式,具有什么样的含义呢?为了创

造一种独立的抽象的绘画语言,他探索各种艺术共同的精神基础,试验声

音与色彩的等价物,希望实现一种既有生理作用又有心理作用的联觉形式

,见《即兴30》(1913)。他的著作《论艺术中的精神》(1911)和论文《论

形式问题》(1911)已成为抽象艺术的重要文献。
←《即兴30号》(1913)

第一次世界大战后,康定斯基回到俄国,在莫斯科从事教研活动,这个时

期他的油画和水彩画追求完全抽象。由于与政府的艺术主张不合,1921年

他来到德国,不久在包豪斯建筑和实用美术学院任教,继续研究几何抽象

,以圆形和三角形为主要形式。他的作品,是覆盖着点、线、符号的平面

。1926年发表了第二部重要论著《从点、线到面》,分析图画的抽象因素

的想象效果。

弗朗茨·马克(Franz Marc,1880–1916)主张以艺术取代传统宗教和哲学的

地位,对动物怀有强烈的爱心。他的艺术试图以动物生命的自然之美与人

的存在的卑劣现实相对比,他的泛神论方法有时转化为一种感伤的情绪。

他借助立体主义和未来主义的形式,更富有诗意地把动物完美地体现为宇

宙和自然节奏。马克的代表作是《动物的命运》(1913)和《蓝马》(1911)

奥古斯特·麦克(August Macke,1887–1914)的作品具有诗一般的抒情性,

也借助于立体主义和未来主义的形式。与马克一样,他也是在一次大战中

死于沙场。

桥社和青骑士等德国表现主义的联合影响,与立体主义一起,成为20世纪

艺术最持久的力量。

写实主义美术

写实主义美术

19世纪,在资本主义的欧洲,迅速发展的工业化进程给社会带来巨大变化

,大都市里集聚了众多人口,广大劳动者创造的财富落到少数人手中,贫

富的悬殊令敏感的文学家和艺术家难以忘怀,他们把目光转向身边发生的

现象,把新的现实化成作品。他们如实地再现着当代社会的种种情景,使

以往难于闯入文艺殿堂的现象涌了进来,扩展了文艺的地域。这批文学家

和艺术家的创作理论和实践,构成了写实主义的潮流。他们当中的杰出代

表,不管是否具有民主的观念,大多用自己的作品,揭示社会的矛盾和不

公,表现普通人和他们的生活,颂扬他们心灵中的美好东西。在19世纪中

叶,写实主义美术普遍出现在欧洲等地,成为继浪漫主义之后的又一重要

现象。

l、法国写实主义美术的代表库尔贝

到19世纪中叶,新古典主义和浪漫主义渐渐趋向没落,它们的信徒,大多

在各自的传统中固步自封,反复创作陈腐的、无病呻吟的作品,满足于制

造浅薄的表面效果。这时,有识之士期待着真正"当代的"美术。从法国外

省奥南地方涌现出来的画家库尔贝(Gustave Courbet,l819–1877),肩负

起这一重
任。库尔贝确信美术在本质上是当代的,美术家应当大胆直面人生,以清

醒的态度反映当代的现实。他与浪漫主义者不同,否定想象的作用,那句

名言"我从没见过天使,所以我不会画它",鲜明地体现了这位写实主义者

的强烈信念。

他那幅毁于第二次世界大战的名作《打石工》(1849)就是画家亲眼目睹工

人劳动场面后把他们请到画室创作的。这件近似照相的朴实作品,体现了

库尔贝大胆的创造,占据画面的只有平淡无奇的劳动场面和动作僵板的劳

动者,根本没有那种所谓的"美"。他用道劲有力的画法,把处在社会底层

的人的苦难生活,展示在观众眼前。这是一个不同于《大宫女》和《萨尔

丹那帕勒斯之死》的现实世界。库尔贝的长处,在于他既不摆出庄重高雅

的气派,也没有悲天悯人的感伤情调。他以一种直率的、近乎于无动于衷

的方式,在不让观众看到这一老一少面孔的条件下,准确地描绘出他们富

于特征的动作、服
饰和环境,使往往被人掩盖起来的悲惨现实在绘画中占有了它的地位。这

无疑给绘画界吹送来一股强劲清新的空气。在这儿,"真"胜过了"美"和"理

想"。

1855年,在巴黎国际展览会上,评审委员们拒绝了库尔贝的作品。富于斗

争精神的库尔贝,在展览会旁举办了个人画展,对他们不公正的态度表示

抗议。这一大胆行动,使库尔贝成为公认的写实主义美术领袖。被拒绝的

作品,就包括那幅被德拉克岁瓦推崇为"我们时代一幅最惊人绘画"的《画

室》(1854一1855)。这件作品完成于福楼拜发表他那部描述外省人平凡生

活的杰作《包法利夫人》前一年,可以说是当代社会的写照。

围绕着处于画面中心的库尔贝,展开了形形色色的现实人物。对着正在画

风景的库尔贝,是他描绘和接触过的社会各阶层人物,在他身后,则是他

的朋友和支持者。站在充满自信、挥笔作画的库尔贝身边的女模特,那面

容和体态,毫无古典美人和浪漫佳人的风韵,仿佛就是他艺术的象征。这

幅巨型油画,构图自然,人物塑造得非常坚实,富于个性,没有矫揉造作

之感色彩处理显得沉稳厚重,与他的艺术追求相得益彰。不妨说,这里的

一切,都属于写实主义。

《奥南的葬礼》
(1849-1850)
库尔贝创作范围广阔,在肖像画和风景画等领域内,他也有突出成就。把

他笔下的波德莱尔、柏辽兹等大诗人、大音乐家的形象,与安格尔和德拉

克罗瓦塑造的帕格尼尼形象相比,就会在体味不同流派特色之余,感到他

的人物更实在、更自然。库尔贝的卓越技巧,在风景画中得到了充分的显

示,他以强烈的自信,把厚重的色彩掷在画布上,生动地再现了自然的形

态和气势,用画刀刮抹的色块,给他的风景画增加了一种格外有力的道劲

感。面对着他的海景画,我们仿佛站在海边,能听到海浪的咆哮,感到冰

冷的飞沫溅到脸上。

作为一名大胆地同官方趣味决裂的真正勇士,库尔贝充满自信地走上了一

条荆棘之路。当他晚年回顾自己的创作历程时,他写下这样的句子:"我是

巴黎最杰出的男子。"对库尔贝创作活动有着切身感受的后一代美术家,在

继续向官方美术和流行趣味挑战之际,都从他身上获得过启示、汲取过力

量。

2、杜米埃、柯罗和米叶

《出版自由,不要干涉它》(1834)
杜米埃(Honore Daumier,l808–1879)是漫画大师,也是卓越的油画家和

雕塑家。与库尔贝一样,他也坚信美术和美术家应当立足于当代现实。但

与库尔贝不同,他的造型语言更具主观色彩、更为概括,这同他是以政治

性讽刺漫画开始自己的创作生涯密不可分的。他那幅无情讽刺路易·菲利

浦的漫画《卡冈杜亚》(1832),创造性地借用了法国文艺复兴时期伟大作

家拉伯雷的家喻户晓的名作《巨人传》中的人物,其犀利的效果,从他因

此被关入牢狱便可想而知了。

在油画领域内,杜米埃创作出一系列非常富于特色的作品,这些作品在形

象塑造和色彩处理上,十分简洁生动。我们知道,漫画要求突出主要的特

点,用寥寥儿笔抓住最具表现力的东西,给人鲜明的感觉,这种特征也体

现在杜米埃的油画风格上。《三等车厢》(约1862)是他的油画名作,他用

流利的线
条生动地勾勒出拥挤在车厢内的下层百姓的不同形象。相当概括的色彩,

在气氛渲染上发挥着良好的作用。从他的创作手法中,可以看到他比库尔

贝更不拘成法。

他为塞万提斯笔下的堂·吉河德塑造了不少形象,在这些作品中,他运用

色彩的主观态度、他对表现性的强调,都获得了惊人效果。难怪晚年的德

拉克罗瓦会临摹他的油画,也难怪有人把他看成是浪漫主义者。

心地善良、性格沉静的柯罗(Jean-BapUste Camille Corot,1796–1875)

是写实主义者中最年长的画家。与库尔贝坚实有力的画风不同,柯罗的艺

术手法轻快自然,具有恬淡的抒情气息。

《沃尔特拉》(1834)
柯罗是作为风景画家和人物画家知名于性的,他笔下的世界也都来自现实

。1825年,他到意大利游历,在那里他创作了早期的风景画。这些阳光明

亮、色彩鲜丽的作品,仿佛透露出后代印象主义的信息,颇受画家们欣赏

。但是,使他大受众人欢迎、更代表一般人心目中柯罗风貌的,却是他后

来创作的抒情风景画。这类风景画色调柔和,笔法轻灵,景物仿佛被一层

银灰纱幕笼罩着,给人一种如梦如幻的诗意感受,从中不难发现这位画家

的诗人气质。《莫特枫丹的回忆》(1864)就是他这类风景画的一个范例。

在绘制风景画之外,柯罗也描绘他身边平民妇女的形象。不同于安格尔那

些珠光宝气的上流社会妇女肖像,他作品中的年轻女性,衣着简朴,神态

沉静,如同维米尔笔下的女子一样,静静地生活在自己平常的天地中,显

出一种安详而又朴实的美。笔法自如、色彩美妙的《蓝衣妇人》(1874)等

人物画,都是他成功的作品,

柯罗曾帮助过的米叶(Jean-Francois Millet,l814–1875)是一位擅长表现

农民生活的画家。他早年在巴黎曾受业于著名学院派历史画家德拉罗什,

但并没走上时髦画家的道路。40年代末,他定居在巴黎附近的巴比松村,

和家人一起过着真正的农民生活,直到去世,始终生活在那些维系着法兰

西生存的底层农民中间。

在西方美术史上,出现过一些精于描绘农民和农村生活的画家,如布吕盖

尔、路易·勒南等,但似乎谁也不像米叶这样把整个心灵和生活同农民融

为一体,成为他们中的一员,终生描绘他们那平凡而又伟大的生存中的艰

苦、欢乐、希望、劳动,…一句话,表现当代活生生的真实农民形象。

米叶的艺术,就像法国农民一样,具有质朴无华的特色。在他那单纯朴素

的画面中,蕴含着真正的美和诗意。尽管他笔下的农民大多衣饰简朴、粗

手笨脚,但却永远具有一种独特的魅力。
←《依锄的人》1852-1862

米叶不少作品,都在表现艰苦的劳动场面中歌颂着劳动者。他最初的名作

《播种者》(约1850),利用前倾的地面坡度和人物的动势,有力地塑造了农

民的高大形象,具有令人难忘的表现力.《拾麦穗的妇女》(1857)那静态效

果正好与前述作品形成鲜明对照。在秋天的田地里,三位妇女专注地拾捡

着辛勤劳动的果实,她们沐浴在黄昏光线中的身影,组合得错落有致,同

时又非常真实,极富说服力。米叶欣赏米开朗琪罗那样的古典大师,从这

两件作品单纯而又崇高的感觉来看,他确实汲取了古典艺术的优点。

法国农民是信宗教的,米叶的画笔自然也离不开这种现实,《晚祷》

(1855–1857)表现的就是此种情景。仍然是在黄昏时分,夕阳中传来的钟

声,使一对尚在田地中劳动的年轻夫妇停下工作,静心祈祷。他们的期望

、他们的生活体验,似乎都融在这沉静的场面中;黄昏的暖色调加强了这一

动人时刻的感染力,我们似乎体会到洋溢在米叶心中的万千思绪。

3、巴比松画派

与米叶,也与柯罗关系密切的一批风景画家,生活和工作在巴黎东南方枫

丹自露附近的巴比松村,专心描绘平凡的法国乡村风景,这批风景画家被

称为巴比松派。尽管他们的作品各有特色,但从总体上说,都力图忠实再

现他们生活的这片土地,强调户外生动自然的效果。从某种意义来讲,后

来的印象主义风景画家就继承和发扬了他们开拓的事业。

巴比松画派的领袖是卢梭(Theodore Rousseau,l812–1867),他从1848年

直到去世,都住在巴比松。他认真研究分析自然的真正形态,用阔大的笔

触和厚涂的色彩,描绘着自然的面貌,它的种种细节、空气、光线等。卢

梭的作品具有一种静态的纪念性效果,显得庄严有力,这可以从他的名作

《巴比松
附近的橡树》(1852)上看得很清楚。

另一位颇有特色的巴比松画派代表是杜比涅(Charles-Francois

Daubigny,1817–1878)。在巴比松画家中,他是最接近印象主义画家的一

位。他的画法比卢梭轻快,也比卢梭更注重光色的效果,曾有人批评过他

的作品仅仅是印象,从这一点也不难体会到他作品的风采。他运用直接写

生的方式,这使
他能捕捉到自然的生动面貌。水天关系和大气氛围是他喜爱再现的,《奥

特沃地方的高拜尔磨坊》(1857)向人们提供了他风格的特点和动人范例。

莫奈就深受他的启发,而他也尽力支持过印象主义者的探索。

4、法国以外的写实主义者

写实主义美术在东欧等地也得到发展,涌现出一些在当地颇有影响的人物

。"其中俄国的一些画家,在民主主义思潮影响下,创作了许多具有现实意

义的写实主义作品。成立于19世纪下半叶的巡回展览画派,集聚起俄国写

实主义美术的佼佼者,在俄国美术发展中产生了重大影响。

克拉姆斯柯依(Ivan Nicolaevich Kramskoy,1837–1887)是巡回展览画派

的创立者,也是激烈反对美术学院陈规的画家,正是这种态度,引导他组

织了面向大众、贴近生活的巡回展览画派。作为一名画家,克拉姆斯柯依

的肖像画最能体现他那细腻的写实风格,《列夫·托尔斯泰像》(1873)和

《无名女郎像》(1883)就是他颇为成功的作品。

但巡回展览画派最杰出的人物,却是俄国19世纪最伟大的画家列宾(Ilya

Efimovich Repin,1840–1930)。列宾是位深切关怀俄国人民命运的艺术家

,这从他的成名作《伏尔加纤夫》(1870–1873)中就鲜明地流露出来,并

在他后来的《库尔斯克省的礼拜行列》(1880–1883)中继续得到体现。列

宾刻画人物性格的惊人才能和他运用色彩造型的功力,在《伊凡雷帝杀手

》(1885)一画上,获得更加充分的展示,使这幅历史画具有强烈的戏剧性

效果。正是善于刻画人物性格这一特点,使列宾成为俄国最优秀的肖像画

家之一。他为俄国一系列文艺界名人创作的肖像,均以笔法生动、形神兼

备著称。

与列宾同为巡回展览画派大师的苏里柯夫(Vassily Ivanovich

Surikov,1848–1916),不像列宾那么兴趣广泛,他把自己的才能全献给了

历史画创作。《女贵族莫洛佐娃》(1881–87)等佳作,体现出他精于刻画

人物心理、组织构图和运用色彩的特点。

在美国,写实主义画家中以荷马(Winslow Homer,1836–1910)和埃金斯

(Thomas Eakins,1844–1916)最为著名。荷马的作品充满着勃勃生气。笔

触奔放、色彩明快、洋溢着激情的《湾流》(1899)仿佛是美国人力量的体

现。埃金斯的画法,更为沉稳细腻,对光线的微妙变化也更关注,那幅描

绘朋友划
船的《单人划艇中的马克斯·施密特》(1871)就是颇有说服力的例证。他

为著名外科医生格罗斯绘制的肖像《格罗斯授课》(1875)则以大胆的写实

性触怒了当时的展览评审员。

5、英国拉斐尔前派

成立于1848年的拉斐尔前派,目的是要反对英国的学院派传统,反对浅薄

的绘画,使绘画具有拉斐尔以前那样的纯朴风格和道德内容,能发挥改良

社会的功能。他们强调根据自然创作的重要性,但是他们并没有能像同时

代伟大的法国画家那样成功,因为他们没有找到适合于表现新的社会和新

的内容的新形式,这或许就是他们对绘画发展没有真正影响力的原因。

《我们英国的海岸》
(1852)
亨特(William Holman Hunt,1827–1910)是拉斐尔前派的领袖,他的《觉

醒的良心》(1852–1854)显示了拉斐尔前派的特点。他以工整的笔法精心

描绘着每一个细节,并用它们来暗示作品的道德训戒。尽管细节很真实,

但这幅画却丝毫没有库尔贝和杜米埃作品那样的真实感,这是一个人工的

花园,其中的花是没有香味的假花。另一位拉斐尔前派的名家米莱斯(Sir

John Everett Millais,1829–1896),在其著名的圣经题材绘画《基督在

父母家中》(1850),以同样细致的画法,确切地塑造着形体、环境、光线,

力求造成一种真实的感觉,同时又传达出象征的寓意。但这种作法,却难

免留给人们一种不伦不类的印象。

罗塞蒂(Dante Gabrie Rossetti,1828–1882)或许是拉斐尔前派中最有特

色的画家。他是一位杰出的诗人,抒情诗人的气质使他的作品具有了一种

颇为动人的梦幻般情调。不拘成法、单纯而又奇特的《圣母领报》(1850)

,于宗教情绪中揉入了对性爱的迷恋,体现出他艺术的基本特色。

库尔贝 杜米埃 柯罗 米叶 卢梭 杜比涅 克拉姆斯柯依 列宾 苏里柯夫 荷

马 埃金斯 亨特 罗塞蒂

油画产生之前欧洲绘画经历的阶段

油画产生之前欧洲绘画经历的阶段

 油画产生之前欧洲绘画经历了几个阶段?
  20世纪30年代巴金先生与朱光潜先生曾就达·芬奇《最后的晚餐》是不是油画在报刊上进行过激烈的交锋。朱光潜先生认为是油画,而巴金先生说:“那时根本就没有现代的油画颜料”。由于欧洲绘画传入中国时已发展到近代油画阶段,因此,不少人常有一个误解,认为西方绘画都是油画。
  在西方特别是在古代欧洲,油画不是从来就有的。真正的油画产生,至今不过500年的历史,而此前欧洲曾经历了古代胶彩画、蜡彩画、镶嵌画、湿壁画、干壁画、坦培拉绘画以及坦培拉与油画混合技法的漫长历史变迁。16世纪以后现代意义的油画逐步发展成熟。自古以来欧洲绘画多采用动物胶和植物胶。鸡蛋作为一种蛋白胶,在古希腊、古罗马时代被广泛应用。最初的蛋彩是通过在蛋黄中掺入糖、蜜或无花果汁增加粘性。古代的蜡画主要是用火将蜂蜡熔化、调入颜料趁热画到墙壁或木板上的,可多层重叠,凝固后亦能刮磨修改,最后还可以打磨抛光。镶嵌画盛行于东罗马的拜占庭帝国,是用有色石子、陶片、珐琅片和玻璃拼装而成的,多用于装饰教堂。湿壁画是预先用石灰混沙准备出一块一次可以画完的墙面,趁灰层未干着色,颜料渗入石灰中,干燥后形成坚固的碳酸钙表面,利于色彩的长久附着。干壁画则是在干透的灰泥底上着色,公元4世纪到13世纪即中世纪,留存的壁画基本上是干壁画。《最后的晚餐》既非油画,也非干壁画、湿壁画。达·芬奇使用一种加了油的乳液胶调和颜料,其技法属于13世纪始盛行于意大利的坦培拉技法体系。坦培拉在西方绘画史上是一个特殊而影响广泛的画种。后来虽然出现了油画,但仍以坦培拉材料作为底层塑造,再以油画透明法罩染。

渐入佳境的中国油画第三代

渐入佳境的中国油画第三代

 油画作为一门起源于西方的艺术,传入我国已经有了一百多年的历史。经过我国几代艺术家的不懈努力,如今油画已经为大多数人所接受,从事创作和收藏的人数以万计。在这其中,靳尚谊、詹建俊等我国建国后培育的第一批油画家,在其中起到了承前启后的作用。他们的作品在这几年的艺术品市场上,也是人们收藏和投资的热门。今天我们就来了解一下,这些在业内被很多人称为第三代油画家的作品,以及这些作品的市场表现。
  在中国嘉德2004年的秋季大拍中,油画专场吸引了众多的海内外收藏家前来。当这幅估价为78万元的油画起拍后,在买家激烈的竞价下,最终以超过170万元的高价成交。它的作者全山石先生,是我国解放后培养的第一批油画家之一,这件作品的高价成交,也让人们把关注的目关,投向这些也被很多人称作是中国第三代的油画家以及他们的作品。
  《中国美术》主编徐恩存:他们主要是指建国以后成长起来的,在各个院校和创作单位的中坚力量,而且这批人的特点是受前苏联教育体系的影响,以写实绘画为主,,他们在艺术观上和多样化创作方法上启发和影响了后代的很多青年画家。由此来看他们依然是新时期中国油画创作的领军人物,就是他们这一代人在中国油画史上和中国艺术史上的贡献都是不可磨灭的。
  如今,他们中的大多数人,都已经成为我国各大美术院校和油画专业的领军人物,目前艺术品市场上比较活跃的年轻一代油画家中,很多都是他们的弟子。作为承前启后的一代人,他们在中国油画领域占有重要的地位,但在拍卖市场上,他们作品的表现却让人感到意外。在上拍的数量和作品的价格上,不但与他们的前辈有较大的差距,即使与他们的弟子相比,也不占优势。是什么原因造成这种现象的出现呢?从事油画投资近二十年的王云先生认为这也是市场规律的一种体现。
  北京大陆美术馆馆长王云:一个是他们大量作品为这个国家收藏,另外他们教学作国家美术展览和带新人,所以就是他们的作品量少,另外他们一个是谦卑,另外他们地位高,一般的中小机构没法接近他们,就代理他们,就是他不像中青年稍微活跃一些,所以有些好像在外人眼里他们不是主力军,实际上也是早期中国油画市场,拍卖市场这部分的一个特点,原因就在这儿。
  在这些艺术家的早期创作中,基本是以写实绘画为主,题材和创作手段大都比较相似。到了上80年代左右,他们逐渐开始把个性的东西融入到创作当中,其中的一些佼佼者也得到学界和藏界的认可。
  《中国美术》主编徐恩存:那么自我的加入为他们的作品带来的新的活力。那像这个金尚怡从西方学到的古代主义绘画,以朴素的、实在性的特点,当时在画坛引起了一片振动,并且影响了几代画家。像朱乃正先生呢他始终是把当时是受现实主义绘画以及印象派绘画的影响,他把这两者转换到中国本土绘画里面,表现中国日常生活当中的这种诗意,这些都是追求油画语言的本土化和题材语言的本土化。那么这二者形成了他的绘画特点,这也使他当时在中国画坛上影响了瞩目的人物。
  从拍卖市场的成交价格看,靳尚谊、詹建俊和朱乃正等第三代油画代表人物的作品已经得到市场的认可。拍卖的成交价在同时期画家的作品中,基本处于领先地位。虽然目前很多作品的价格已经突破百万元,但他们还是为投资者们所看好。
  北京大陆美术馆馆长王云:他们中国美术史上是一代非常优秀的教育家、美术活动家,给国家创作了很多的优秀的作品,比如现任的中国美学主席金尚怡先生现在他去年拍卖一件作品已经到80万,他要是大的这个画幅和群像的话我个人认为应该是150万以上,所以这些画人物,画风景的方面也是类似,就是詹先生和朱乃正先生很多人包括,表现风景为主的我认为将来也会步吴先生和万总之后也会有一个很好的价位。我认为也是50万到150万以上。
  在上世纪末,随着艺术博览会和画廊业的兴起,第三代油画家的作品开始大量进入市场。而到了2003年,随着更多的第三代油画家作品以高价成交,这一群体在艺术市场的影响也在日渐扩大。
  北京大陆美术馆馆长王云:在艺术市场中要是走向成熟的时候,就是炒作因素浪潮降去以后,真正的作品被会被大家关注,也被一些有先见之明的艺术家收入他的藏品系列之中,在美术史是有影响的,在展览会上或是美术史上被提到的,这种作品应该是,就是应该是有好价钱。所以要是收藏他们作品的时候要注意,就是每人的特点,这样你收藏起来就是会有很高的回报率,就是另外有些不是领军人物,也应该被注意。
  与其他的艺术品相比,油画的投资渠道更广,在艺术博览会和画廊上,也都是收藏这些第三代油画家作品的重要渠道,因此专家认为拍卖的价格只是其中一个重要的参考。另外随着他们作品价格的提升,赝品也开始出现,这些都是购买者在投资前应充分予以考虑的。

佛罗伦萨画派

佛罗伦萨画派

佛罗伦萨画派是意大利文艺复兴早期和中期盛行的画派。大约在14世纪初

,意大利中部的佛罗伦萨已经成为欧洲政治、经济和文化的中心。此后,

这里蕴育出一大批人文主义艺术家,如:乔托、波提切利、马萨乔、达芬

奇、米开朗基罗、拉斐尔等。他们大胆肯定人生,面向大自然,对周围的

绘画透视学、人体解剖学等先进手法进行绘画创作,从而形成一种新的、

现实主义的表现方法。同时也创作出一大批形象生动真实、技巧精美高超

的世界艺术珍品,为现实主义艺术的发展和近代绘画的演进奠定了基础。
马萨乔是这一画派早期的杰出代表。他以科学的探索精神,将解剖学、

透视学的知识运用于绘画创作中。达芬奇、拉斐尔等大师们把意大利文艺

复兴中的美术创作推向高潮,他们创作的严谨和技巧的细腻代表了佛罗伦

萨画派的主要风格。