九月 2020

油画的技法和色彩

油画的技法和色彩

油画的表现技法十分丰富,随着时代的发展和科学技术的进步,油画材料的发达,油画的技法也有很大的变化。我们研究油画的表现技法,目的在于更好地表现作品的主题思想。综观历代油画的表现技法,除了用笔、用色、用油等具体手法不同外,在制作技法上大致可分为两大类:一是一次画成的,称作单层画法(或称直接画法);一是分多次和重叠画成的,称作多层画法。至于厚涂和薄涂,则在这两种类型中都可以使用。
单层画法
单层画法是指用直接调颜色来表现对象的方法,用这种画法完成的油画,其最大的特点是容易保持色彩新鲜明朗,笔调生动流畅。单层画法也并非是一次完成的,特别是面积比较大的画,可以采用一个部分、一个部分逐步完成的方法,但就具体的局部来说,必须在其颜色未干之前就要集中精力将其描绘结束,以后就不打算在这一色层上覆加第二道色(当然局部的改动总是难免的),所以,这就要求作画时,对全画的各种造型因素以及色阶的构成,要胸中有数,保持充沛的激情,达到一气呵成。开始上色时可以用稀薄的颜色铺出色彩调子,接着就用稠厚的颜色作画,一次画完一个局部;到第二天,如果颜色未干,还可以继续画,而当发现画得不理想时,应该不惜刮掉后重画,以保持画面的统一和色泽的清新。最后阶段也可采用透明画法进行改画、补笔和调整,即在画面的表面色层干透以后,用比较稀薄掺油的颜色有重点地进行一些必要修改,以使作品更趋完整。单层画法较多地使用于短期的人物或风景写生,而长期作业以及创作中,多数虽以单层画法为主,但仍结合多层的画法,以便于更深刻、更细致地表现对象。
多层画法
多层画法意即多次地覆加色层,分阶段地使作品日趋完整的方法。故必须有充裕的时间和掌握严格的顺序,使画面的色彩逐步地加厚和丰富,形体以及各种绘画因素也随之完善起来。在具体的制作过程中,往往是开始画的色层是为后加的色层作准备的,如在亮的底色上画重色,或重的色层上画亮色;在热调子的底色上画冷色,或在冷调子的底色上画热色。由于光学上直射、反射和漫射的原理,效果各异,因而它借助于底色颜色的透露隐现,能造成特有的效果。例如有些成功的肖像作品,皮肤色彩非常丰富,层次感很强,似乎在皮肤下面隐现的血管筋络等也历历在目。诸如此类的技法,便是采用了多层作画的方法,即作画过程中有意识地把底层色彩预先作了“伏笔”。这种丰富含蓄的艺术效果,是单层画法所不能达到的。多层画法要注意互相的衔接,一般是在底层颜色干透之后再画第二层颜色;接色的方法可以用大蒜头或调色油擦拭底层的颜色,或用布蘸阿摩尼亚水覆盖于需接色的部位上(盖十几分钟后需用清水擦干净),以使画面的表层软化,便于颜色的融合。透明画法也属于多层画法的一种,这种方法虽有一定的覆盖性,但总是透露出底层的画面,这可以格外地加强或减弱原来的色彩,使画面能够保留原来的素描关系、形体结构以及各种起伏的笔触,呈现十分微妙的效果。15、16世纪欧洲的许多古典作品,大都采用这种方法。今天我们绘制某些特定题材的作品,这种技法也尚有可供借鉴之处。
色彩的初步知识
油画是用色彩来塑造形体的,色彩是油画的重要艺术语言之一。这就需要对色彩有个初步的认识和理解。
色彩的产生,是一种自然现象,物体借助光的照射形成色彩,由于各种物体质的不同,吸收的光与反射的光也不同,便形成了自然界种种丰富的色彩。色彩是人的视觉器官对可见光的感觉,在暗色中便看不到色彩。自然界的色彩丰富多变,根据三棱镜分析的光谱原理,具有红、橙、黄、绿、蓝、紫六种色光,它们之间的相互交辉,形成绚丽多彩的万千世界。这些自然界的色彩,都可以通过颜料在绘画中表现出来。其中红、黄、蓝在颜料中称为“三原色”,因为这三种颜色是任何颜料所调配不出来的。以两种原色加以混合而成为“间色”,间色也是三种,即橙(红加黄)、绿(蓝加黄)、紫(红加蓝)。间色与间色彼此相混或三原色不等量相混,产生“复色”。“复色”属于中性色,变化异常丰富,但色泽上不如原色和间色鲜明,故也有称其为“灰颜色”。
色彩在绘画上具有很强的表现力,并往往给予观者以不同的感受,如红、橙、黄具有温暖、热烈的感觉,被称之为“暖色”;绿、蓝、紫具有寒冷、沉静的感觉,称为“冷色”。由于色彩对于人在生理上和心理上的不同影响,以致已被人们广泛运用于生产和生活方面,如交通方面用红、绿灯,各种有特殊用途的车辆用特殊的颜色,吉庆场合宜用暖色,理发室、冷饮室等宜用冷色,邮电用绿色,医院用白色,特别在商品包装、广告设计等方面,更充分运用色彩的观感作用,以加深人们的印象。
如何观察色彩
自然界的色彩现象极为复杂,但都是可以认识的,要批判那种“色彩神秘论”的观点。观察色彩要有全局观点,从整体出发,不要孤立、片面地观察。要使次要的从属于主要的,使局部从属于整体,这一方法必须始终贯穿于作画的全过程中。在观察时要迅速、敏锐地抓住对象色彩的总的倾向,确定其基调,然后再进一步分析和研究局部的色彩关系。只有抓住了色彩的主要倾向和特征,分析各个部分大的色彩关系,才有一个正确的前提。这就是通常称的色彩“大关系”。色彩“大关系”的明确与否,是直接影响到一幅作品在色彩处理上的成败的。对色彩的主要倾向切忌似是而非、模棱两可,否则势必造成画面色彩的支离破碎,互不谐调。整体和局部是辩证的统一。整体观察的同时,必须对局部进行细致的研究,反复比较,找出区别。没有对局部的细微观察和刻画,也谈不上所谓的“整体效果”。要处理好对象色彩的整体与局部的关系,主要依靠互相比较的方法。比较一般可从四个方面进行,即比色相,比明度,比色性,比纯度。
色相,是指颜色的“相貌”,如红、黄、蓝、绿……
明度,即色彩的明暗、深浅程度,如深红、淡黄等。
色性,指色彩的冷暖属性,如红、橙、黄为暖色,青、蓝、紫为冷色。中间色也同样有其冷暖的不同倾向。
纯度,指色彩的鲜明、饱和程度。
这四个方面若有一个方面物象的色彩过于接近而难于区别的话,即可以其它三个方面加以比较,找出其差别来。通常的办法也就是:明暗相同比冷暖,冷暖相近比明暗。此外,特别要注意同类色和邻近色的比较。油画辨别色彩的训练,主要也是要区别出各种中间色,区别那些微妙的灰色,例如:同为白颜色的衣服,由于质量不同,周围环境不同,往往各自呈现出偏黄、偏紫、或倾向青、倾向绿的区别。即使是一件衣服上的白颜色,也会由于各种因素而色彩各异。只有通过细致的比较,才能找出物象千变万化的差别。
在观察色彩时还必须懂得有关色彩变化的常识,如:
A.形成物体色彩关系变化的因素
主要是三个方面,即固有色、光源色和环境色。固有色即正常光线下人们看到的物体占主导地位的色彩,如白墙、绿草等。固有色在正常柔和的光线下强,在微弱光线和强烈光线下弱;反光强的光滑物体固有色弱(如金属玻璃器、新的油漆家具等),而反光弱的粗糙物体固有色强(如呢绒、粗制家具等)。光源色是指日光、火光等不同光源颜色照射在物体上而引起的色彩变化。光源色愈强,对物体固有色的影响也就愈大,甚至可以完全改变固有色。环境色即物体周围环境的色彩由于光的反射而作用到物体上引起的对象色彩变化,这种变化在物体的暗部反映尤为明显。
B.色彩的冷暖变化
冷暖色同时存在于一个物体上,是符合事物对立统一的基本规律的。一般来说,物体亮部的色调冷暖,是以光源色的冷或暖为转移的;物体暗部色调的冷暖,是以光源色及环境色的冷暖为转移的;物体中间部分往往是光源色、固有色、环境色三者反射的综合;极光处则是光源色的反射,一般是光源色的色相和色性,但由于物体的质的不同,反射的程度也不同,因此有时也带有物象的固有色色素。
C.色彩的明暗强弱变化
在研究色彩关系时,要严格注意物体的素描关系,使色和形更好地统一起来,而色彩关系的强弱,也是直接受到色彩的冷暖和明暗的制约的。从色彩的强弱变化来看,大致有下列的规律:暖色比冷色强,冷色比中间色强(指一般情况下没有衬托关系时);色彩对比大的强,对比小的则弱;色彩纯的强,反之则弱,纯度相近的色彩配制在一起会互相减弱,纯度差异的放在一起则互相衬托;离视点愈近,色彩愈强,而远则弱,室外景物由于受空气尘埃的影响,更为明显。
怎样表现色彩
色彩对再现生活的真实和人物的情绪有很强的感染力。要使调色板上的颜色成为画面上的色彩语言,必须经过组合,组织加工成为色彩调子。在写生画上的色彩调子是以客观对象及其所处的时间、地点、条件为依据的,作者要根据所描绘对象的思想内容来确定画面的调子,既不是自然主义的描摹,又不能主观主义地捏造。我们运用各种不同的色彩调子是为了艺术地再现生活。绘画中色彩调子的运用如同音乐中的音响调子一样,是用来表达一定的思想情绪和内容的。就色彩调子来说,以色相区分的有黄调子、紫调子、绿调子等;以明度区分的有亮调子、灰调子(即中间调子)、深调子等;以色性区分的有冷调子、暖调子等。
在写生和创作中运用色彩的各种对比,是油画中经常使用的一种手法,有助于突出和加强画面的主题,活跃画面的色彩,并加强空间、距离、体积等画面效果。色彩上常用的对比方法有:冷暖色对比,明度(亮、暗)对比,纯度(鲜、灰)对比及色块大小对比等。特别是补色对比运用更为广泛。所谓补色是指三原色中的一种原色与另外两种原色所调合成的间色加以并列,使之相互补充仍为三原色,在色彩学上即称之为补色或余色。如红与绿,黄与紫,蓝与橙,互为补充,相为衬托,使各自的色相更显得鲜明、活跃。“万绿丛中一点红”,就是这个道理。补色对比在写生或创作中有很大的意义,特别是对突出重点或确定物体暗部和投影的色彩倾向时,可循此规律;同时,运用补色对比也有助于画面的明亮,增强画面强烈的效果,这在我国民间工艺美术品或年画中,是有许多可借鉴的范例的。
调和,是另一种色彩表现方法。根据特定的内容和画面效果的需要,运用调和的方法,可以给人以和谐、统一的印象。调和的方法大致有以下几种:
A.主导色调和,即以画面占主导地位的色彩为基础,让其它色彩处于次要和陪衬地位,以保持画面色彩的谐调;
B.同性色和邻近色调和,是以各种色性相同或邻近的颜色(指按光谱排列的次序中挨在一起的颜色)组成统一的基调,以此达到画面的谐调;
C.光源色调和,使各种色彩统一于同一的光源下,如早晚的阳光、火光、灯光等,即使是对比色,由于光源色的影响,也变得很调和;
D.对比色调和,一幅画面上并列完全不同的色相,但因为色彩关系正确,也能产生调和的效果。沿用此法时,应把物象所有部分的色阶(如同音乐中的音阶)都略作提高,否则仅局部色彩强烈而其余部分不能相应配合的话,画面容易产生生硬和不统一的弊病。
对比和调和是对立统一的,强调对比效果时要注意调和,强调调和时画面也要运用对比,无非根据内容的需要,有所侧重罢了。
此外,在色彩的调配和放置上也有许多行之有效的方法,可供参考:
A.混合法:在作画过程中把不同色相的颜料调配成自己所需的颜色,再画到画面上去,这是常用的调色方法,须注意的是,调色种类不宜太多,调拌也不宜太“熟”,不然色性和色度均要减弱,甚至产生混浊的效果;
B.溶合法:是在画面上直接调配所需的颜色,使之相互渗透或溶合,这种调色比较生动,色彩也比较鲜明;
C.重置法:即在有底色的画面上,再加以别的颜色,如重底色上画亮色,或冷色上画暖色,有的是覆盖,有的则交错覆盖,产生出各种不同的色彩效果;
D.并置法:运用色点和小色块,将不同色相的颜色不经调合而直接并置在画面上,由于视觉上的关系,同样可以达到正确表现对象的目的,且画面的色彩效果更为强烈。
油画色彩的掌握,主要途径是通过大量的写生和创作实践,在研究色彩规律的过程中,不断提高观察色彩和表现色彩的能力。

萨奇家族将在伦敦开设大型新画廊

菲比·萨奇·耶茨与亚瑟·耶茨. 知名藏家查尔斯·萨奇(Charles Saatchi)的女儿菲比·萨奇·耶茨(Phoebe Saatchi Yates)宣布将在伦敦开设一家面积达一万平方英尺的新画廊,展出“不为人所知”和“未被发掘”的艺术家的作品。新画廊计划于10月15日在伦敦梅费尔区(Mayfair)开幕,该区也是高古轩、佩斯、豪瑟沃斯等多家蓝筹画廊所在地。

油画技法介绍

油画技法介绍

油画技法介绍


  挫是用油画笔的根部落笔着色的方法,按下笔后稍作,挫动然后提起,如书法的逆锋行笔,苍劲结实。笔尖与笔根蘸取颜色的差异、按笔的轻重方向不同能产生多种变化和趣味。

  拍
  用宽的油画笔或扇形笔蘸色后在画面上轻轻拍打的技法称为拍。拍能产生一定的起伏肌理,既不十分明显,又不致过于简单,也可处理原先太强的笔触或色彩,使其减弱。

  揉
  揉是指把画面上两种或几种不同的颜色用笔直接操合的方法,颜色操合后产生自然的混合变化,获得微妙而鲜明的色彩及明暗对比,并可起到过渡衔接的作用。

  线
  线是指用笔勾画的线条,油画勾线一般用软毫的尖头绪,但在不同的风格中,圆头、校形和旧的扁笔也可勾画出类似书强中锋般的浑厚线条。东西方绘画开始时都是用线造型的,在早加油画中通常都以精确严谨的线条轮廓起稿,坦培拉技法中排线法是形成明暗的主要手段。西方油画到后来才演变为以明暗和体首为主,但尽管如此,油画中线的因素也从未消失过。纤细、豪放。工整或随意不拘以及反复交错叠压的各种线条运用,使油画语言更为丰富,不同形体边线的处理更是十分重要。东方绘画的用线也影响了很多西方现代大师的风格,如马蒂斯、凡高、毕加索、米罗和克利等都是用线的高手。

  油画
  油画 是西洋绘画中的主要的一个画种。用快干油质调和颜料,绘制在经过处理的画布、板、厚纸或墙面上的绘画艺术。早期油画采有“坦泼拉”(Tempere)画法,即用鸡蛋黄或蛋清作为凋料溶合矿物颜料作画,再作薄而透明油色罩在画上。15世纪,尼德兰画家凡• 爱克兄弟改用亚麻仁油和核桃油等快干油作为调和剂,使颜色易于调和,被广泛地运用。特点为运笔自如,并可层层敷设,提高色彩亮度,能较充分地表现物体的真实感和丰富的色彩效果。从此,新材料和新技法很快流传全欧洲。凡• 爱克兄弟因此被称作欧洲油画的创造人。20世纪初我国出现研习油画者渐多,其中李叔同(1880—1952)最早研习油画并把种技法介绍到中国来。

  扫
  扫常用来衔接两个邻接的色块,使之不太生硬,趁颜色未干时以干净的扇形笔轻轻扫掠就可达到此目的。也可在底层色上用笔将另一种颜色扫上去来产生上下交错、松动而不腻死的色彩效果。

  跺
  指用硬的猪鬃画笔蘸色后以笔的头部垂直地将颜料跺在画面上。跺的方法不很常用,通常只在局部需要特殊肌理的时候才应用。

  乳剂材料
  乳剂材料是一种具有悠久历史的优秀传统材料,在现代得到了新的发展。乳剂型材料是兼含有水性和油性成分的混合型材料,两者的优点也兼而有之。各种坦培拉绘画材料如蛋彩、酪彩以及蜡质材料都是属于乳剂系列的。乳剂材料可用水稀释,干燥速度快,类似水性材料;可以作不透明厚涂,干后不溶于水,又具有油性材料的优点。各类现代的丙烯、乙烯合成颜料等既保留了传统乳剂材料的特点,又具备油性材料的长处,并且还有其它材料无法替代的效果,是有着很大发展前途的新型材料。

  油性材料
  使用油性材料以及天然树脂作为绘画媒介剂的主要画种是油画,它是由传统蛋彩和酿蛋白等乳剂型材料演变发展而来的。油性材料的特点是干燥缓慢、有光泽并可反复覆盖厚涂。油性材料具有强烈的表现力和丰富的技法效果,可以说几乎包容了所有其它材料和画种的技法特点。油性材料的特性允许深入细微地刻画对象的造型,可以表现出对象丰富逼真的色彩关系,从而符合了14世纪以来人们再现视觉真实的愿望,促进了西方绘画向写实发展的进程。油画诞生后~直在西方画坛占主要地位,并在全世界范围得到发展,这也证明了油性材料的优越性。从水性材料到油性材料的过渡是一个漫长的变革过程,几乎经历了数千年的时间,是绘画材料技法乃至艺术史上的重大突破。油与树脂的使用是使西方绘画材料技法区别于东方绘画材料技法的重要特征之一。

  拉
  拉是指油画中有时需要画出坚挺的线条和物体边缘如画锋利即剑或玻璃的侧面等,这时可用画刀调准颜色后用刀刃一侧将颜色在画面上拉出色线或色面,画刀画出的形体坚实肯定,是画笔或其它方法难以达到的。

  擦
  擦是把画笔横卧,用画笔的腹部在画面鼓擦,通常擦时用较少的颜色大面积进行,可形成不很明显的笔触,也是铺底层色的常用方法。在干了的底色或起伏的肌理上用擦的笔法可画出类似国画飞白的效果,使底层肌理更为明显。

  抑
  抑是用刀的底面在湿的颜色层上轻轻向下压后提起,颜色表面会产生特殊的肌理。在有些需要刻画特殊质感的地方用抑技法可达到预期的效果。

  水性材料
  人类最早使用的颜料是以水溶性材料为主的。在早期绘画中自发地以水、树胶或动物胶等天然的物质作为颜料的稀释剂和粘合剂是十分自然的,它们取材方便,使用简单,这在东西方早期绘画中是一致的。今天的水彩和水粉的颜料等都是水性媒介型的,其表现技法自由、流畅,可产生轻快、透明的效果,也是中国画、日本画等东方绘画的主要材料类型。

  油画材料
  油画材料可分为基底材料、油画颜料和媒介剂材料三大类。基底材料指承载绘画颜料层的依托材料和底子涂料。油画颜料是绘制时直接表达绘画的色彩和肌理效果的主要材料。媒介剂材料则是用于调整颜料性状并使其和基底材料结合在一起的各种稀释剂、结合剂和上光剂等。

  砌
  砌的方法是用刀代替画笔,像泥瓦匠用泥刀环泥灰那样将颜色砌到画布上去,直接留下刀痕。用砌的方法可以有不同的厚薄层次变化,刀的大小和形状以及用刀的方向不同也会产生丰富的对比。用画刀调取不同的颜色不作过多调合,任其在画面上自然地混合能产生微妙的色彩关系。起伏过大的色层也可用砌的方法将其砌平。砌的方法如果使用得当,就会有很强的塑造感

  划
  划指用画刀的刀锋在未干的颜色上刻画出阴线条和形有时可露出底层色来。不同的画刀能产生深浅粗细不同的变与画笔的笔触及画刀利的技法产生的色面形成点、线、面的对起伏的肌理变化。

  点
  点——众法自点始,一切笔法均出发于点。早在古典坦培拉技法中,点画法就是~种表现层次的重要技法。在维米尔的作品中也使用了点的笔触来表现光的闪烁和物体质地。印象派时点彩笔法成了其基本特征之一,但莫奈、雷诺阿和毕沙罗等的点法各自具有不同的变化和个性。新印象派则走向极端,机械地将点作为其唯一的笔法。现代写实油画中也有沿用以点的疏密来产生明暗层次的,可以造成肯定又不死板的过渡。点的方法在综合性画法中与线条和体面结合可产生丰富的对比,用不同形状和质地的油画笔又可产生不同的点状笔触,对表现某些物体的质感能起独特的作用。

  刮
  刮是油画刀的基本用途,刮的方法一般是用刀刃刮去画面上画得不理想的部分,也可用刀刮去不必要的细节或减弱过于强的关系,让显得紧张的画面关系松弛下来。长期作业在一天作业结束时往往需要把本画完的部分颜色用刀刮去以便及时干燥,待第二天接着画。颜色干后也可用画刀或剃须刀把高低不平处刮得平整一些。还可在未干的颜色层上用刀刮,使之露出底色从而显现各种肌理。

  涂
  如果说点画法和勾画法是形成油画点与线的手段的话,那么涂就是构成油画体决,即面的主要方法。涂的方法有平涂、厚涂和薄涂等,也有把印象派的点彩法称为散涂的。平涂是画大面积色块的主要方法,均匀的平涂也是装饰性油画的常用技法。厚涂则是油画区别于其它画种用笔的主要特征之~,可以使颜料产生一定的厚度并留下明显的笔触而形成肌理。用画刀把极厚的颜料刮到或直接将颜料挤到画布上,可称为堆涂。薄徐是用油将颜色稀释后薄薄地涂上画面,可产生透明或半透明的效果。散涂则使用笔显得灵活多变、气韵生动。结合揉扫的涂法也叫做晕涂。

  摆
  用笔将颜料直接放在画布上不作更多的改动称摆,摆也是油画基本的笔法之一。摆的方法常用在油画开始和结束时,以较肯定的颜色和准确的笔触来寻找色彩与形体关系,往往关键处只需几笔就能使画面改观,当然下笔前应先做到成竹在胸方可奏效。 擦——擦是把画笔横卧,用画笔的腹部在画面鼓擦,通常擦时用较少的颜色大面积进行,可形成不很明显的笔触,也是铺底层色的常用方法。在干了的底色或起伏的肌理上用擦的笔法可画出类似国画飞白的效果,使底层肌理更为明显。

疫情下国际化艺术市场的机遇和挑战——专访加拿大收藏家协会会长周岳平

疫情下国际化艺术市场的机遇和挑战——专访加拿大收藏家协会会长周岳平

近几个月来,随着新冠病毒肺炎疫情在全球范围的大规模暴发,国际艺术市场也面临着巨大的改变,市场的动荡既带来了严峻的挑战,也提供着潜在的机遇。对此,从事艺术品收藏、经营、投资长达二十余年的资深文化推广人、加拿大收藏家协会会长周岳平分享了自己的几个观点。

大都会艺术博物馆首位原住民艺术全职策展人任命公布

帕特里夏·马洛奎恩·诺比. 摄影:Scott Rosenthal. 纽约大都会艺术博物馆任命帕特里夏·马洛奎恩·诺比(Patricia Marroquin Norby)为美国原住民艺术副策展人,她也是首位担任该全职职位的策展人,负责培养和维护博物馆与原住民社区之间的长期关系。这一职位的设立标志着大都会艺术博物馆策展实践的巨大转变。

什么是透明画法什么是光学灰

什么是透明画法什么是光学灰

透明画法是已知架上绘画最古老的绘画技法,最早可追溯到15世纪。它是19世纪以前欧洲传统的绘画技法。透明画法主要是进行色彩罩染,使两种颜色通过视觉调和产生第三种颜色,它与物理调和派生的第三种颜色虽有相同的色相,但视觉效果不一样,前者更为深沉,具有珠宝般的光泽。 在运用透明画法的作画过程中,一幅画的素描关系是在不使用颜色的情况下完成的。所谓不使用颜色,指的是以单色高调的形式将构图与物象的体积感确定下来。然后,将颜色以透明的稀薄色或上光色添加上去。
透明画法包括:
(1)透明色重显。一般在背景及主体物的暗部用不调粉或少调粉的油彩进行多层罩色,透露布纹及底色。
(2)薄底透明罩色。在中间调子的灰棕色底上用深棕色或银灰色画出较严格的素色油画,待干后罩上透明色,透明色避免过多调入白色,以免影响透明度。为此,底画的素色油画需要预先提高明度,为多层罩色留下余地。
(3)厚底透明罩色。指在底画厚涂平滑的表面及底画厚涂凹凸的表面上罩透明色。厚涂平滑的表面指先用厚色待未干时扫平,干后罩透明色。此法多用于古典风油画。例如肌肤受光部分多用厚涂颜料,使其与背景等暗色部分的厚薄拉开距离。厚涂颜料未干时用毛笔轻轻扫匀笔触进行平滑处理,干透后再罩透明色,能达到既厚实又透明晶莹的效果。
“光学灰”是透明画法表现出来的一种视觉效果。古代艺术家在坦培拉或油性色底上用树脂光油进行釉染后,涂以透明或半透明覆盖层,使各色层通过重叠显露出来,即产生色彩奇异的透明灰色——“光学灰”。这种透明灰色和调配出来的灰色相比,视觉效果不大相同。它是直接画法无法达到的。鲁本斯当时就以创造光学灰著称,他曾对他的学生说:“至少暗部最后一层色应是透明的。”如图29是鲁本斯的油画局部。

元代 永乐宫壁画《朝元图》·局部

《朝元图》·局部  元代  永乐宫壁画
《朝元图》为永乐宫壁画的一部分,是元代壁画艺术的最高曲范。永乐宫原在山西永济县永乐镇,相传为道教祖师之一吕洞宾的故宅。

西泠印社集资购藏《三老碑》

西泠印社集资购藏《三老碑》

汉代《三老碑》,全称《三老讳字忌日记》,刻立于东汉建武二十八年(52),是现存最早的东汉石刻之一,也是江南仅见、浙江最古老的碑石,今保存在杭州孤山之巅西泠印社“汉三老石室”,为国家一级文物。

油画技法知识

油画技法知识

油画工具材料的限定导致油画绘制技法的复杂性。几个世纪以来,画廊艺术家在实践中创造了多种油画技法,使油画材料发挥出充分的表现效果。
油画主要技法有:
①透明覆色法,画廊即用不加白色而只是被调色油稀释的颜料进行多层次描绘。必须在每一层干透后进行下一层上色,由于每层的颜色都较稀薄,下层的颜色能隐约透露出来,与上层的颜色形成变化微妙的色调。例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色,就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富效果,画廊这往往是调色板上无法调出的色调。这种画法适于表现物象的质感和厚实感,尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色彩变化,令人感到肌肤表皮之下流动着血液。它的缺点是色域较窄,制作过程工细,完成作品的时间长,不易于表达画家即时的艺术创作情感。
  ②不透明覆色法,也称多层次着色法。作画时先画廊用单色画出形体大貌,然后用颜色多层次塑造,暗部往往画得较薄,中间调子和亮部则层层厚涂,或盖或留,形成色块对比。由于厚薄不一,显出色彩的丰富韵意与肌理。透明与不透明两种画法没有严格的区别,画家经常在一幅画作中综合运用。画廊表现处在暗部或阴影中的物象时,用透明覆色法可以产生稳定、深邃的体积感和空间感;不透明覆色法则易于塑造处在暗部以外的形体,增加画面色彩的饱和度。画廊19世纪以前的画家大都采用这两种画法,制作作品的时间一般较长,有的画完一层后经长期放置,待色层完全干透后再进行描绘。
 ③不透明一次着色法,画廊也称为直接着色法。即在画布上作出物象形体轮廓后,凭借对物象的色彩感觉或对画面色彩的构思铺设颜色,基本上一次画完,不正确的部位用画刀刮去后继续上色调整。这种画法中每笔所蘸的颜料比较浓厚,色彩饱和度高,笔触也较清晰,易于表达作画时的生动感受。画廊19世纪中叶后的许多画家较多采用这种画法。为使一次着色后达到色层饱满的效果,必须讲究笔势的运用即涂法,常用的涂法分为平涂、散涂和厚涂。平涂就是用单向的力度、均匀的笔势涂绘成大面积色彩,适于在平稳、安定的构图中塑造静态的形体;画廊散涂指的是依据所画形体的自然转折趋势运笔,笔触比较松散、灵活;厚涂则是全幅或局部地厚堆颜料,有的形成高达数毫米的色层或色块,使颜料表现出质地的趣味,形象也得到强化。
  画廊作为一种艺术语言,油画包括色彩、明暗、线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素,油画技法的作用在于将各项造型因素综合地或侧重单项地体现出来,油画材料的性能充分提供了在二度的平面底子上运用油画技法的可能。画廊油画的制作过程就是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并运用可以表达艺术思想、形成艺术形象的技法的创造过程。油画作品既表达了艺术家赋予的思想内容,画廊又展示了油画语言独特的美──绘画性。