九月 2020

常用油画媒介剂及颜料的快干

常用油画媒介剂及颜料的快干

精炼亚麻油——稀释颜料,增加透明度,光泽度,慢干。

晒稠亚麻油——稀释颜料,增加透明度,光泽度与流动性,易于浅色颜料 ,不易变黄。

厚亚麻油——稀释颜料,增加透明度,光泽度与流动性,增强颜料耐久性,快干。

漂白亚麻油——稀释颜料,增加透明度,光泽度,易于浅色颜料。

聚合亚麻油——稀释颜料,增加透明度,光泽度与流动性,慢干,增强颜料耐久性。

快干油——快干,有毒性,可用于配制凝胶媒介剂。

胡桃油——性能与亚麻油相近,但不易变黄。

罂粟油——优质干性油,慢干,色浅,不变黄。尤其适用于白色和浅色颜料。

松节油——天然挥发性溶剂,有芳香味,无粘合力。用语稀释颜料,配制媒介剂等。

白酒精——挥发性较慢的溶剂,替代传统松节油,稀释颜料。配制媒介剂和清洗作画工具。

罩色媒介剂——快干透明媒介剂,用于罩染透明油色。

醇酸树脂媒介剂——稀释颜料,抑制笔迹,增加流平性,促进干燥。

达玛上光油——浅色,速干,是传统的表面上色保护剂,日久后有色泽变深倾向。

画面上光油——普通的画面光亮保护剂,快干,可用松节油及溶剂汽油去除。

润色光油——用于恢复吸油处光泽,并起临时保护,绘画时使用有利于干湿颜料的衔接。

醇酸树脂凝胶媒介剂——促进颜料干燥。可用于透明色罩染。

塑形软膏——白色膏体,用于丙烯绘画的肌理塑造,速干,不开裂,不变黄。

画面清洁剂——用于油画清洗修复,去除亚麻油氧化物和颜料表面脏污物。

下面关于集的快干方法:

醇酸树脂媒介剂,用酒精稀释(最多一天)

快干油(至少一天)

醇酸树脂和少量亚麻油混合(半天)或再加酒精稀释(更快)

油画是怎样分类的?

油画是怎样分类的?

一般意义上的油画分为三类:人物画、风景画和静物画。

(1)人物画是把生活中具体的人作为表现对象,揭示具体人物的性格特征和社会生活风貌。欧洲的宗教题材作品都是以人物为描绘对象。圣母、基督等形象都来源于生活中的人物形象。15世纪,油性颜料的兴起,使画家能够更准确,更生动地表现人物皮肤和服饰的特质与光线和环境气氛的细微差别。贝里尼、达·芬奇、拉斐尔、提香等绘画大师的人物画作品,其真实感如见其人。17世纪的人物画,其形象更为自然、逼真、富有魅力。18世纪人物画技法更为娴熟。19世纪到20世纪,人物画的风格出现多样化。

人物画又可分为肖像画、风俗画、历史画和军事画。

①肖像画包括头像、胸像、半身像、单人像、双人像和群体像等。就性质而言,肖像画又分为纪念性人物肖像、盛装人物肖像、生活人物肖像、自画像等。自画像是众多画家惯用的题材。荷兰肖像画巨匠伦勃朗一生以肖像画作为自己艺术活动的主要目标,并且作了大约七十余幅自画像。

③风俗画是以表现社会生活、风土人情为题材的绘画作品。风俗画多取材于现实生活,最容易引起大众的共鸣。如法国米勒的《拾穗》、《晚钟》等。

③历史画主要表现人类社会发展中有意义的事件,其中包括神话传说、历史故事以及现代生活中有意义的事件。如董希文的《开国大典》、达维特的《马拉之死》。

④军事画是以表现战争为主题的作品。如西班牙画家委拉斯开兹的《布列达之降》。

(2)风景画作为一种独立体裁是17世纪荷兰画家始创的。在此之前,景物的描写多以人物画的背景出现。油画风景的发展大体经历了古典主义、现实主义、印象主义、后印象主义以及现代象征性风景等几个阶段。法国画家柯罗、库尔贝,俄国画家列维坦均是优秀的风景画家。

(3)静物画多取材于日常用具、花卉、水果、食品以及猎获物等。画家以物写情,通过对静物的描绘反映生活气息和时代特点。最早可以归入静物画范畴的绘画出现于罗马的庞贝时期,而作为独立画种始于17世纪的荷兰画派。艺术史上,对静画的发展产生过重大影响的画家有:卡拉瓦乔、柯尔内斯、夏尔丹、马奈、塞尚等。

丙烯颜料的由来与使用方法

丙烯颜料的由来与使用方法

丙烯颜料的由来与使用方法 丙烯颜料属于人工合成的聚合颜料,发明于20世纪50年代,是颜料粉调和丙烯酸乳胶制成的。丙烯酸乳胶亦称丙烯树脂聚化乳胶。丙烯树脂有许多种,如甲基丙烯酸树脂等,因此,丙烯颜料也有很多种类。国外颜料生产厂家已生产出丙烯系列产品,如亚光丙烯颜料、半亚光丙烯颜料和有光泽丙烯颜料以及丙烯亚光油、上光油、塑型软膏等等。丙烯颜料深受画家欢迎。与油画颜料相比,它有如下特性:(1)可用水烯释,利于清洗。(2)速干。颜料在落笔后几分钟即可干燥,不必像油画作品那样完成后需等几个月才能上光。喜欢慢干特性颜料的画家可用延缓剂来延缓颜料干燥时间。(3)着色层干后会迅速失去可溶性,同时形成坚韧、有弹性的不渗水的膜。这种膜类似于橡胶。(4)颜色饱满、浓重、鲜润,无论怎样调和都不会有“脏”“灰”的感觉。着色层永远不会有吸油发污的现象。(5)作品的持久性较长。油画中的油膜时间久了容易氧化,变黄、变硬易使画面产生龟裂现象。而丙烯胶膜从理论上讲永远不会脆化,也绝不会变黄。(6)丙烯颜料在使用方式上与油画的最大区别是带有一般水性颜料的操作特性,既能作水彩,又能作水粉用。(7)丙烯塑型软膏中有含颗粒型,且有粗颗粒与细颗粒之分,为制作肌理提供了方便。(8)丙烯颜料无毒,对人体不会产生伤害。应当注意的是: 丙烯画应在丙烯底涂料(GESSO)制作的底子上绘制,不要用油质底子作画。材料专家也不主张丙烯与油画色混合使用,尤其不要在丙烯底子上画油画,这主要是为了作品的永久性保存。丙烯与油画颜料之间并没有不良反应,交替使用时,其附着力有待于时间的检验。

油画的局限性表现在哪些方面?

油画的局限性表现在哪些方面?

油画虽然在欧洲绘画中占主导地位,但不足之处显而易见。比如:时间过长,保存不善会变暗、变黄、龟裂、脆化、粉化等。

发黄变暗的原因在于颜料中油的成分以及调色油、上光油的使用。无论使用的油质如何精制,都不能改变油层在空气氧化过程中发黄变暗的可能性。使用上光油来阻隔空气与色层油膜的接触,待光油变黄后将其洗掉重新上光是目前较为实用的改善油画发黄变暗的方法。为防止油画过早变黄,采用优质的颜料、调和剂、上光油是很有必要的;同时要在油画干燥期间,把作品放于明亮干燥的地方;切忌在日光下曝晒和放置在黑暗、潮湿的地方;否则,也会使画面变黄。

表面龟裂的原因也是多方面的。比如底子缺乏韧性;底层含油量大大超过表层;吸油量高的颜料(如煤黑)与含油量低的颜料(如锌白)调在一起画得遍数过多;硬树脂等易龟裂材料的使用;干燥剂使用过多;气候的剧烈变化;挤压等外因。

反光也是透明、有光泽的油画的相应不足。在一定光线角度下,流动的光影给欣赏者带来诸多不便,同时画家作画时不得不为避开反光而调整画面角度。亚光颜料和亚光油的使用又会使得画面缺少“湿润感”,而且易使色层变脆、粉化。

油画要求画家必须按照一定的规则和程序作画,否则会出现画面吸油的问题,这会在一定程度上限制画家的作画激情。

此外,油画的保存与运输都需要适当的条件和设备。与中国画相比,油画在这方面有明显的弊端。

生机无限的中国油画

生机无限的中国油画

随着我国经济形势的好转和居住环境的改善,中国油画被越来越多的人所推崇。如今,在京沪等大城市购买油画已成时尚,也成为新兴产业和白领人士等高收入者地位的象征。

  毋庸置疑,油画作为舶来品传入我国也就一百多年的历史,因此,许多购藏者对它知之甚少,笔者就收藏与投资方面介绍相关的技巧,供藏友参考:

  首先,购藏者应为自己的投资定位,你是为美化家居,还是要投资理财。若属前者,只要是自己喜欢又符合您的心理价位就可以购藏;若属后者,就必须有独特的选画眼光,这就像选黑马股票一样,关键是选好画家的作品,老一代大名家的油画价格在大平台上,初入藏界应不予考虑,而应选择当代优秀中青年油画家的作品作为投资重点,这是因为他们的作品相对价位较低,风险性较小。另一个好处是具有较大的增值空间,一旦选择准,前途无量,受益无穷;其次,在收藏油画前要摸清画家的背景,最好选择在美术院校里经过系统的高等教育且功力较深的画家的作品。此外,还要看画家曾入选过哪一类的重要美展,以及作品被收藏的层次,中国美术馆对馆藏作品有着严格的规定,因此,它的收藏具有权威性。具有中国美术馆收藏记录的青年画家的作品,极有可能成为艺术品中的“绩优股”;再次,投资油画最好针对某一个油画家,或某一个时期形成的某一个流派进行专题性、阶段性收藏。收藏油画还应本着宁缺勿滥的原则,画不在多而在精,需寻找含金量高的油画投资。

来源:网络

古典透明画法的方法是怎样的?

古典透明画法的方法是怎样的?

(1)素描初稿。透明画法主要依赖于清晰、成功的单色底画——素描。在这个阶段,可以用任何素描媒介——炭条、色粉笔等清楚地确定一个可填充底色的框架——素描稿。之后,喷一层发胶或上光油。 (2)纯灰画法。一般用白色与黑色调和的灰色作画,也可用赭石或褐色与白色调和。基本要求是反差强烈的明暗层次,尽可能用亮色调表现,因为其后每一遍上色都会使画面变暗一点。根据“肥盖瘦”原则,这一阶段尽可能少用油,古代画家多用铅白,因为铅白在油画颜料中最“瘦”,而黑油画色含油多,因而要少用。在表现明暗层次反差强烈的肖像时,并不意味着越暗越好,在保持亮度的基础上,最深的调子处于中间灰色即可。在画灰色画时,应常备一支扇形笔或油画滚子,不断用它把颜料抹平,一般只在确实需要的地方才画稍厚的笔触。灰色画完成之后,至少要让它干两天以上再涂上一层润色光油,这利于随后的色层上光。 N0 (3)着色。开始时色层要概括,大面积涂上单纯的经过稀释的上光色是着色过程的第一步。待一层上光色干后才能覆盖下一层色,间隔约为一至两天。当然可以采用湿盖湿的画法,但不易控制色彩,所以很多采用透明画法的艺术家同时画几幅画。 (4)薄涂。透明着色之后,为增加物象的体感、质感,高光及细节部分常采用薄涂方式强调,用大量白色调和大量的调色油涂于干后的上光色上,多加调色油是为了遵守“肥盖瘦”的原则。注意:这一阶段不要使用松节油。松节油只在灰色画阶段使用。 在透明画法中,上光着色与薄涂覆盖可以交替进行。有时两三遍即可,也可能三、四十遍不止。作品完成后需干燥几个月,然后涂一遍上光油。 有人说:有多少采用透明画法的艺术家就会有多少种技法,可见透明画法并不局限于上述方法。画家可根据自己的需要探索属于自己的技法风格。下面再介绍一种古典透明画法: 首先用木炭起稿,然后用长锋勾线笔蘸乳胶调和的黑颜料或墨汁准确地勾出轮廓,再用大刷笔蘸“三合一”油(达玛上光油∶亚麻仁油∶松节油=1∶1∶3)调出赭色调的稀薄色,以松散的笔意涂满画面,再用抹布轻擦吸去多余的油。第二步:用大笔蘸乳液(甲基纤维素乳液或干酪素乳液,详见“坦培拉乳剂的制作”),调钛白粉画出物体受光部分,趁白色未干时用笔轻扫,向暗部过渡,制造飞白效果显出中间色调,此时画面的明暗对比应概括、强烈。第三步:白色干后接着用“三合一”油调色粉釉染,即所谓的“上光术”。如果没有色粉可将油画颜料用高丽纸吸去油份再用。第二步的提白与第三步的釉染反复进行,直到造型与色彩完美结合为止。 由于此技法使用乳胶调白,所以干燥迅速,釉染后能在短时间内结膜,故可连续作业。应当注意:最初釉染不能用油过多。另外,画布底子要有吸油性,初画干涩,渐呈光泽。 古典透明画法需要一个熟悉材料的过程,作画者要在实践中不断积累经验。

油画的主要技法 [油画技法]

油画的主要技法 [油画技法]

油画工具材料的限定导致油画绘制技法的复杂性。几个世纪以来,艺术家在实践中创造了多种油画技法,使油画材料发挥出充分的表现效果。 ①透明覆色法,即用不加白色而只是被调色油稀释的颜料进行多层次描绘。必须在每一层干透后进行下一层上色,由于每层的颜色都较稀薄,下层的颜色能隐约透露出来,与上层的颜色形成变化微妙的色调。例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色,就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富效果,这往往是调色板上无法调出的色调。这种画法适于表现物象的质感和厚实感,尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色彩变化,令人感到肌肤表皮之F流动着血液。它的缺点是色域较窄,制作过程工细,完成作品的时间长,不易于表达画家即时的艺术创作情感。 ②不透明覆色法,也称多层次着色法。作画时先用单色画出形体大貌,然后用颜色多层次塑造,暗部往往画得较薄,中间调子和亮部则层层厚涂,或盖或留,形成色块对比。由于厚薄不一,显出色彩的丰富韵意与肌理。 透明与不透明两种画法没有严格的区别,画家经常在一幅画作中综合运用。表现处在暗部或阴影中的物象时,用透明覆色法可以产生稳定、深邃的体积感和空间感:不透明覆色法则易于塑造处在暗部以外的形体,增加画面色彩的饱和度。19世纪以前的画家大都采用这两种画法,制作作品的时间一般较长,有的画完一层后经长期放置,待色层完全干透后再行描绘。 ③不透明一次着色法,也称为直接着色法。即在画布上作出物象形体轮廓后,凭借对物象的色彩感觉或对画面色彩的构思铺设颜色,基本上一次画完,不正确的部位用画刀刮去后继续上色调整。这种画法中每笔所蘸的颜料比较浓厚,色彩饱和度高,笔触也较清晰,易于表达作画时的生动感受。19世纪中叶后的许多画家较多采用这种画法。为使一次着色后达到色层饱满的效果,必须讲究笔势的运用即涂法,常用的涂法分为平涂、散涂和厚涂。平涂就是用单向的力度、均匀的笔势涂给成大面积色彩,适于在平稳、安定的构图中塑造静态的形体;散涂指的是依据所画形体的自然转折趋势运笔,笔触比较松散、灵活;厚涂则是全幅或局部地厚堆颜料,有的形成高达数毫米的色层或色块,使颜料表现出质地的趣味,形象也得到强化。 作为一种艺术语言,油画包括色彩、明暗、线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素,油画技法的作用在于将各项造型因素综合地或侧重单项地体现出来,油画材料的性能充分提供了在二度的平面底子上运用油画技法的可能。油画的制作过程就是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并运用可以表达艺术思想、形成艺术形象的技法的创造过程。油画作品既表达了艺术家赋予的思想内容,又展示了油画语言独特的美——绘画性。

什么是拼贴法?

什么是拼贴法?

什么是拼贴法? 拼贴法即是在绘画过程中,为获得独特的艺术效果,运用实物,如报纸、画片、相片等,根据设计意图剪裁成所需的形状,粘贴到画面上。通过绘画本身产生的肌理、轮廓线的运动变化、色块的对比呼应,改变粘贴物的物质性,具象或抽象地表达作者的意蕴。 拼贴法与民间剪纸和立体主义艺术有着不可分割的联系。立体主义打破了传统的造型观念,寻求新的表达方式,不顾及物象的真实性,用一种仅仅与自己的思想有联系的方式作画。力求表现出同一物象的各个方面或同一物象在某一段时间内的变化。这种将物象分解重组的技法被进一步发展成为在素描和油画作品上贴上与画的主题无关的报纸、包装纸、薄木板、玻璃、布条等物,使作品变成可以用手触及的物质性实体。此法开创了画家不依附于客观物象而仅凭主观造诣独立创作的新观念。 立体派的代表人物之一乔治·勃拉克是最早将报纸等现成材料引入绘画的,如图46。 《小提琴与烟斗》是勃拉克1913年用报纸、壁纸拼贴和炭笔技巧结合创作的。既突出了画面,又利用不同材料的重叠暗示出空间感。 拼贴并不是现代绘画的特有艺术形式,早期意大利教堂绘画作品就是利用画底色将有光泽的色料同金叶子结合的手法表现材料美感的极好例子。通过在石膏基底上制作浮雕图案、擦亮金叶子或偶尔点缀上贵重的宝石美玉来增强金叶子的富丽堂皇效果。这些将绘画颜料与金叶子结合而创作的宗教作品启发了克里姆特对综合材料的探索。他对浮雕金叶子和金色颜料形成的节奏图案进行了梦幻般的风格化排列,并将这种排列和曲线动感及优美的人体造型结合在一起,如图47。克里姆特为了达到猎奇和时髦,追求装饰的隐喻性,曾将大理石、金银箔、铜片、珊瑚、螺钿等材料镶嵌进油画作品中,从而极大的丰富了现代油画语言的表现特征。

油画人体直接画法

油画人体直接画法

这种画法在概念上与一次完成法及传统的直接画法的不同是:在开始画以前,要在脑子里完成对整个人体的起稿,以及中间阶段和加工阶段的许多工作。要把对象“看”成一幅已完成的画,“看”成一幅由许多连接的边线和色块拼起来的平面图。因此,不必再按一定的步骤顺序去逐步发展,如先从主要区域开始,再完成次要区域等等。所用的表面技巧也是随意决定的,可以向各个不同方向去画,从现实主义到近乎抽象。

  这种方法有两点同一次完成法一样:一是最初的笔触都保留不变;二是都不需要很多准备工作(虽然在这种方法中所做的一点少量的准备工作是重要的)。如果用这种方法把画一次画完,也可说就是一次完成法。不过,用这种方法即可以一次画完,也可以在任何阶段停下来,依靠脑子里的形象做参考,在一天乃至一星期以后再继续画下去。可是分几次完成的画,一般总不及一次完成的自然,但它适宜于画较大的画幅。

  这幅示范先用透明的单色打轮廓,确定人体在画面上的大小。坐着的人体实际上有三个头高,也就是从脊椎骨底到头顶大约是27英寸,把头画成实物的三分之二,也就是大约6英寸高,整个坐像的高度是18英寸。这样就可以宽敞地把人体周围的前景和背景安排在24″×30″的画幅上。

 第一步:这幅轮廓的细部清楚地显示了画头部所用的非常透明的笔法。用小圆锥笔直接在画布上作简单而仔细的头部线描。在背部和右肩上,用较大的笔仔细地画出头发。这些是在几分钟内完成的唯一的准备工作,它的作用是作为起点供以后参考比较。下一步是完成头部,画整个人体时每一刀、每一笔的大小、形状、色彩和结构都将取决于头部的画法。

第二步:将这一步同第二步的加工相比较,就可看出直接画法的要素。除了头发有些变动,把遮着的眼睛露出来外,这一步中的每一笔在最后完成的画上几乎都没有变动。在这一步中沿着前臂底部、腿部和脚画的线条,在最后阶段成为暗部,只是在边线方面有所改变。画这幅画不是清晰地分阶段进行的。画上大部分地方都不再重新画过,剩下来的工作只不过是将一些边线画模糊些,以及最后突出一些亮部和暗部而已。

人体:布面油画,24″×30″。双肩、脸部、手臂和沿人体左边的刀法、笔法以及边线都同第二步一样。以长圆锥笔用透明颜料把头发画到上背部,画到同样是透明的背景色彩上。用于皴法以透明颜料画整个背景,在前景部分用于皴法再用刀加工。以中号圆锥笔用传统笔法画人体的其余部分。按照这种画法的特性,这幅画也可以从右脚画起,向上发展,最后取得同样结果。

油画如何保存得当

油画如何保存得当

一幅油画如果保存得当,可数百年不变颜色,反之,则可能发生色层的龟裂、脱落和变色。那么,怎样保护你的油画免受损坏呢?

一、可在画布背面薄薄地涂上两层预先溶解在松节油中的天然蜂蜡,能完全防止潮湿空气的浸入而造成损害。

二、油画要避免阳光的长期直射,因为紫外线对色彩的破坏性很大,会造成褪色和变色。

三、储存油画的屋子要注意通风和防潮,尽可能离洗澡间、厨房远一些,注意防止灰尘、油烟对画布造成的损坏,房间内应保持一定的温度与湿度。受潮的画一定要慢慢阴干,切忌暴晒,否则画面容易脱落。

四、油画切忌将两张画面对贴。避免气温升高使画面粘连,导致油彩脱落、画面受损。

五、墙上挂的油画如果落上灰尘,可以用微湿的干净布轻轻地擦。如果有油烟,可以用淡一点的肥皂水和清水轻轻地试着擦洗,然后迅速拿海绵把画面上的水吸干,再拿电风扇轻吹油画表面。

六、卷油画时要使画布朝里,画面朝外,外面卷一层纸筒,然后再用塑料布裹上,防止画裂。

七、一般油画可以保存二三百年,但随着时间的推移,有些油画在几十年后就可能出现龟裂。如果收藏品较多,可以把油画用塑料布包起来,放在木箱里,防止硬伤。