九月 2020

绘画艺术欣赏知识

绘画艺术欣赏知识

一、繁花似锦的绘画艺术

  人们形容风景美,喜欢用“风景如画”来比喻;形容人长得漂亮,说“像从画上走下来的”;形容文学作品场面描写得生动宏阔,说它像“壮丽的画卷”。

  绘画,已经成了美的象征。

  绘画利用线条和色彩,通过平面描绘来展示丰富多彩的生活。它是一种视觉的艺术,它反映的是瞬间的生活。其长处,是可以运用色彩使艺术家广泛地反映可以看得见的事物,表达生活中色调鲜艳的多种多样的事物。其弱点,是它的直接的形象受到可见事物的领域的限制,也不能实际表达出事物的活动。

  古今中外的绘画作品美不胜收,是“画”的海洋。

  那带着谜一般神秘微笑的《蒙娜·丽莎》,永远是那样富有魅力,打动人心。她的笑,是那样飘忽,那样令人难以捉摸。那是一种无法形容不可名状的微笑。像鄙薄,又像喜悦;像嘲讽,又像希望。她——蒙娜·丽莎,没有华贵的服饰,那袒露的胸部、柔嫩的手,处处显示出健康、华贵、青春、神秘的美。《蒙娜· 丽莎》是意大利文艺复兴三杰之一的莱奥纳多·达·芬奇的大手笔,代表了那个时期艺术的最高成就。《蒙娜·丽莎》现存于法国的卢浮宫。据说,法朗西斯一世很重视文化艺术,在入侵意大利时,把达·芬奇邀来法国奉养于宫廷中,对达·芬奇关怀备至,在达·芬奇弥留之际,他亲自怀抱扶持,所以,达·芬奇把自己最重要的四件创作都留给了他。如今成了举世闻名的珍宝,其中尤以《蒙娜·丽莎》最为显赫。1911年,使观众梦绕魂牵的杰作,忽然不翼而飞,一年之后才寻回。传说是一位在卢浮宫工作的意大利木匠偷去的,大约他觉得达·芬奇是意大利人,画也该给意大利吧。这件事后,《蒙娜·丽莎》更受到了非同寻常的礼遇,被嵌入墙中,外加防护玻璃,终日有武装卫士站岗。这大约是蒙娜·丽莎本人生前所始料未及的吧?

  那温柔美貌、恬静与欢乐的《圣母子》(《奥尔良圣母》)洋溢着天伦之乐的情趣,令人感受到人间女性的美。红红的暖色,充满了画面,色彩柔和圆润,给人以安祥平和的美感。圣母善良、端庄、纯洁和美丽。她在幸福地逗弄着自己心爱的婴儿,给人以平易近人的美感。圣母那特殊气韵的文雅秀美,婴儿那稚气地注视着观众和可爱的姿态,确实使人为之倾倒。这是意大利文艺复兴三杰之一的拉斐尔·桑蒂的名作。

  那曾为鲁迅所称道的,法国19世纪画家米勒的《拾穗者》,给人以没有雕琢的、单纯、质朴的美感。它的画面是三个弯身拾穗的妇女,表现了贫苦农妇们艰辛劳动的场面。鲁迅认为这幅画很美,流露出了作者对农民的深厚感情。鲁迅曾以这幅画为例,对照当时上海英美烟草公司的商业广告画《时装美女》讲到艺术的美与丑问题。《拾穗者》单从画面上看是极其平凡的,然而结合当时的政治背景——法国革命风暴席卷巴黎之后,尤其是1830年7月革命和1848年2月革命之后,产生的艺术效果,就远不是艺术家本人所能预料的了。当时,曾有人这样高度评价这幅画:“现代艺术家相信一个在光天化日下的乞丐的确比坐在宝座上的国王还要美,……当远处满载麦子的大车在重压下呻吟时,我看到三个弯腰的农妇正在收获过的田里捡拾落穗,这比见到一个圣者殉难还要痛苦地抓住我的心灵。这幅油画,使人产生可怕的忧虑,它不像库尔贝的某些画那样,成为激昂的政治演说或者社会论文,它是一件艺术品,非常之美而单纯,独立于议论之外。主题非常动人,精确;但画得那样坦率,使它高出于一般党派争论之上,从而无需撒谎,也无需使用夸张手法,就表现出了那真实而伟大的篇章,犹如荷马和维吉尔的诗篇。”

  英国著名的画家威廉·透纳的海上风景画,以其独特的艺术魅力,显示了“自然的崇高的美”。尤其是他的《贩奴船》更显示出震撼人们心灵的魅力。这是一幅水彩画。画面上展现的是海上大自然的触目惊心的景象和发生在海上触目惊心的贩卖奴隶事件。海是愤怒的,汹涌的波涛,强烈而刺眼的晨曦,桔红、柠檬黄、玫瑰红、紫色交织成如血、如金、如练、如波的触目景色,船已向远处飘去,后面是散见的漂浮物,愤怒的波涛把一具尸体推向你的眼前,尸体那显露出水面的脚上带着脚镣,令人触目惊心。海的愤怒,显示了大自然对悲惨的社会现实的愤怒和抗争,引起观者心灵上的震撼。

  同是描绘大海,美国画家温斯洛·霍默的《回头浪》又是另一番情景:画面展示的是三个抢险队员营救一名妇女的场面。妇女刚刚得救,一名队员抱紧这已经昏迷的妇女,一名队员手搭凉棚,似乎在寻找前进的道路,可是一排排“回头浪”,打得他们不得不侧身而行。巨大的浪头溅起了雪白的浪花,然而,他们在艰难地前进着。这是一种扣人心弦的壮美。

  那描绘无产阶级革命导师形象的油画《列宁在讲坛上》,是苏联革命美术的骄傲。这是苏联卓越的油画家亚·盖拉西莫夫的杰作。这幅画问世的时候,莫斯科正处在战斗的状态,画家着意表现列宁号召全国人民保卫十月革命的胜利果实,向全国人民发表讲演的场面。画家采取了虚实结合的表现手法,选择了一个独特的角度表现列宁。用指向前方的红旗,虚化了讲坛和列宁立足的地方,从而使列宁的形象置于宏阔的背景之下,显示了革命导师的气魄和胸襟。天际,乱云争飞,象征着战斗的暴风雨即将来临;列宁,脸色亲切慈祥,展现出兴奋的神采;左手握帽,右手提着敞开的前襟,身子前倾,显示出列宁独特的个性和一往无前的气概。广场上是被列宁鼓舞起激情的群众,全画透出一种波澜壮阔的奋进之美。

  我国东晋顾恺之的《洛神赋图》被称为哀怨缠绵的连续画图。内容取材于三国曹植的《洛神赋》。画面上,洛神含情脉脉,回眸顾盼,飘飘若仙,姿态与装束,无不令人感到绝美而生爱恋之心;曹子建那诗人的风度,爱恋的目光,失意追恋的神态,无不给人一种哀婉悱恻的感觉。整卷画以极强的魅力吸引着读者,时而让你欢欣,时而让你惆怅。

  唐代李思训的《江帆楼阁图》是“青绿山水”画的代表作。展现在我们眼前的是江天一色,浩渺无垠,点点风帆,若隐若现,给人以无穷深远之感;江岸边古松参天,山岭奇峻,古松掩映之中,碧殿朱廊,绿不掩红,似有若无,斑斑点点,给人以如入仙境之感;山下江边,山径蜿蜒,翠竹茂林,桃红丛绿,游人缓缓,或乘骑蹲道,或闲步同游,或肩挑肩负,给人以错落有致,意境幽邃之感。全图峰峦连绵,云雾飘渺,江天浩渺,风帆逐流,给人以境界雄远之感。

  宋代张择端的《清明上河图》可以说是我国艺术史上的稀世珍品。画中描绘的是北宋都城汴梁(今开封)和汴河两岸清明时节的市俗人情,因此取名《清明上河图》。纵观全国,可分为三大部分:一、郊野——描绘了城郊乡村清明时节的田园景色;二、汴河——以汴河桥为中心,描绘了汴河两岸繁华而又闲适的景象;三、街市——描写了汴梁街市风俗世态与繁华景象。“汴河桥”似乎是全画的高潮,舟车、牛马、屋舍、河流、树木错落映衬,显现出一种立体的美;各种人物一应俱全:农民、商人、达官、显贵;老人、小孩、妇女、青年、壮汉,各种人物维妙维肖、栩栩如生。画家利用“桥”——人们必经的地方作为高潮,匠心独具, “桥”把各种人物、各种人情世态都联系起来了。尤其生动的是,桥上,一达官贵人乘轿急速经过拥挤的通道,轿前有两人挥手开道,与迎面的一匹骡马相遇,牵马人迅即勒住马头,想从侧面闪开道路,惊动了道边的行人和两头毛驴,毛驴向前乱窜,赶驴人慌忙地吆喝着,道边的小摊贩也赶快用竹棍驱赶毛驴。生活气息多么浓厚!多么悬殊的阶级对立!多么富有情趣的画面!

  我国近代的国画大师,现代的丹青高手,更是人材荟萃,不乏传世之作。任伯年、虚谷、吴昌硕、高剑父、陈师曾等创作的画名扬海内外。至于齐白石、张大千、黄宾虹、徐悲鸿等更是成就恢宏,家喻户晓。

  总之,中外绘画艺术源远流长,繁花似锦,为我们对绘画美学的研究提供了广阔的天地。

二、绘画艺术的要素及类别

  绘画艺术最基本的要素是线条、色彩和构图。绘画艺术中的线条在自然界是不存在的,我们说的线条只不过是形体与形体、色块与色块会合的地方,是我们想象力在他们之间创造出来的可视语言。线条是画家用以表达自己的感觉和情感的造型语汇。当画家用画笔画过纸张或画布时,标出了空间的界限,同时也表现着时间的流动,画家的感觉和情感也随之而凝聚在画面上。画家的线条风格,反映其内在的品格。比如凡·高的绘画中多弯曲、动荡的条线,反映画家本人急躁而冲动的天性;达·芬奇的画中冷静、准确的线条,则表现出艺术家的精确、理性、富于逻辑性的个性;德拉克罗瓦的画中奔放而有力的线条,则反映了这位浪漫主义艺术家的火焰般的激情和热烈的性格。中国国画家的这种特性更为明显。譬如,元代大画家倪云林的线条,枯涩中见丰润,疏荡中见遒劲,表现了画家的飘逸和空灵。晋代顾恺之的线条,简约娴静,反映了画家内向、深思的性格。唐朝吴道子的线条,豪放飘洒,用力错落,反映了作者奔放、雄浑的气质。

  色彩也是构成绘画的重要因素之一。绘画的色彩来自客观世界的光与物体。各种物体因吸收和反射光量的程度不同,而呈现出复杂的色现象。色彩到了画家的笔下,不仅反映客观事物而且表达艺术家的思想感情。画家正是利用色彩的无穷变化,包括各种色彩的对比与组合构成了一幅幅美丽的画图。色彩的本质,同样在于它的情感意义。外国科学家曾在实验中认定各种色彩与特定的情感反应之间有着对应的关系;红色,往往与热烈、庄严、兴奋相对应;橙色,往往与热情、严肃、快乐相对应;黄色,往往与明朗、欢快、活泼相对应;绿色,往往与美丽、自然、大方相对应;青色,往往与秀丽、朴素、清冷相对应;蓝色,往往与清秀、广阔、朴实相对应;紫色,往往与珍贵、华丽、高贵相对应;黑色,往往与沉闷、紧张、恐怖相对应;白色,往往与明亮、淡雅、纯洁相对应。当然,我们不能僵死呆板地去理解色彩的情感性。色彩的情感性会因人而异、因地而异,就是同样一种颜色,在不同的画面中,也会呈现出不同的意味。18世纪的英国就发生过一场蓝色之争:著名画家雷诺茨在向学生讲课时说:蓝颜色不可多用,尤其不能用于画面的主体。可另一位著名画家康斯博罗听说以后,却偏偏画了一幅蓝衣少年的画,用大片的蓝色表现主体,达到了出奇制胜的效果,获得了意外的成功。从这里也可以看出,色彩也同样富有个性,每一个画家,总有自己喜爱的颜色。比如,伦勃朗最喜欢用金黄色、褐色、黑色、银灰色,偶尔也用淡绿色。凡·高总喜欢用苹果绿。德加则对绛红色、黑色和翠绿色特别喜爱。

  构图是绘画的又一重要因素。是指画家为了表现作品的主题思想和美感效果,在一定的空间,安排和处理人、物的关系和位置,把个别或局部的形象组成艺术的整体。在这个过程中,要通过几何透视(几何线条及几何形状变化产生的空间距离)、视觉透视(色彩气氛造成的空间感)、晕光处理(物体轮廓的晕光造成空间距离)以及中国画中的散点透视(一种不断变化的、流动的视点处理的空间)。绘画中的构图同样有极强的情感意义。比如水平式的构图常常暗示着安闲、和平、宁静;倾斜的构图常蕴含着动的趋势;金字塔式的构图常暗示稳固、持久;锯齿形的构图常包含着痛苦和紧张;倒三角式的构图则显示出不稳的危机;圆状的构图常暗示着圆润、完满。而这些如果进行综合性的组合,进行交错、对比,就能够唤起崇高、升腾、庄严、悲壮、坚实、挺拔、舒展、优美、温柔、萎缩、紧逼、寒冷、凄凉等等情感。

  中国画的构图,更是以立意、气韵为根本的出发点和归宿。重视情势,讲究画面物象内在联系上脉通气贯;在位置的经营上讲究环环相扣,节节相连,从内外两个方面形成一种起伏而又连贯的情感节奏。如宋代张择端的《清明上河图》在构图上,有序曲、高潮、尾声,形成了鲜明的情感节奏,抒发了作者的主观情思。又比如,清代大画家朱耷的构图气势豪放,而又深藏着一种矛盾心理。其画古怪、奇崛、空旷、幽深、孤寂、静穆,同时又朴茂、酣畅、皎洁、秀健、雄浑。从这些复杂的构图中我们可以看到作者的豪情纵逸和因国破家亡产生的愤懑、沉郁。

  世界绘画艺术,大体可分为东方、西方两大体系。东方绘画体系,即东方画是在东方文明古国中发展起来的,包括古埃及、波斯、印度和中国等,而以中国画为主。因为还包括朝鲜、日本、越南、缅甸、泰国及南洋群岛等各国在内,因而也有人称之为亚洲体系。西方绘画体系,即通常说的西洋画,是从古希腊、古罗马发展起来的,以欧洲为中心,以油画为主,而后移植到美洲各国。从原始社会到欧洲文艺复兴时期以前,西方绘画体系的发展大致与东方绘画体系相同,都是用简单明确的线条勾画出所要画的形象轮廓,以此作为绘画造型的基础。虽然绘画技巧和表现方法各自不断发展,但其造型手法基本上是相近的。欧洲文艺复兴,使得西方绘画艺术有了巨大的突破性的飞跃,它吸收了透视学、色彩学、解剖学等新科学的研究成果,逐步形成了自己独立的体系,与东方绘画体系分道扬镳,开始了西方绘画体系与东方绘画体系二者同存并峙的局面。

  绘画艺术的分类比较复杂,有各种方法,前面谈到的东方和西方绘画体系,即东方画和西洋画,是一种划分方法。也可以根据绘画使用的物质材料和技巧的不同,分为帛画、水墨画、油画、壁画、水彩画、水粉画、版画、素描等;可以根据画面的形式不同,分为单幅画、组画、连环画等。当然,每一种画,又可以分为更小的类别。比如,中国画如果以题材内容分,就可以分为人物画、山水画、花鸟画等;以画体分,又可分为工笔画和写意画两类,写意画又可以分为小写意和大写意。同时,同一幅画,从不同的角度分,又可以兼有几种不同的类别,比如德国女画家凯绥·珂勒惠支的名作《面包》,它是西洋画,又是版画,既是单幅画,又是人物画。

  东西方两大绘画体系,在各自发展的历史进程中,又形成了各种不同艺术风格的众多流派,使得绘画艺术更加绚烂多姿,丰富多彩。比如,属东方画的中国画,历史上又有南宗、北宗、浙派、吴派、江西派等风格流派、各派之下,还有许多风格不同的画家。又比如,西方绘画体系中的近代绘画,在发展过程中出现了 18世纪的古典主义,19世纪的浪漫主义、现实主义、印象主义等流派。19世纪末的现代绘画,又出现了新印象主义、后印象主义、野兽主义、表现主义、立体主义、未来主义等等五花八门的流派,并正在继续发展和变化。

三、绘画艺术的审美特征

(一)绘画是二度空间的艺术

  绘画,是运用色彩、线条和构图,在二度空间内(即平面内)反映现实美,表达人们的审美感受的造型艺术。它与其他的造型艺术如雕塑、工艺美术、建筑艺术等有着共同的特征,这就是都是通过静态的视觉艺术形象来反映社会生活,表达审美感受。但是,绘画的造型,是在平面上,如画布、纸等上面进行的,而雕塑、工艺美术的一部分、建筑等造型是立体的,在三度空间进行,具有实际的长度、宽度、深度。

  由于绘画是在平面上描绘具有一定形状、体积、质感和空间感觉的二度空间造型艺术,因而,就有它自己独特的审美意义。绘画的造型并不是实体的直接再现,也不是单纯的外形摹仿,而是线条、色彩、明暗、透视等对人们造成的一种错觉。因此,绘画较之雕塑等造型艺术的题材更为广泛,能够广阔、自由地再现人物及事件之间的关系和发展过程,能够细致地表现艺术形象活动的环境。比如荷兰的维米尔,是被西方美术史称为“谜样的画家”,其代表作《站在窗口读信的姑娘》就是一个很好的例子:画面的主体,是位正在读信的少女。环境是窗明几净的房间,里面布置朴素、雅致。金黄色的布幔后面,桌上铺着织花的绒毯,放着新鲜的水果。房间沉浸在熙和的阳光里,对面方形玻璃窗上映出她朦胧的面庞,使少女更为楚楚动人。在画面上表现这样多的内容,恐怕是雕塑等造型艺术所难以办到的。而在绘画中,像《站在窗口读信的姑娘》的情节、形象都是很单纯的。

(二)绘画是瞬间的艺术

  绘画艺术表现的是静态的视觉艺术形象,因此,表现人物和事件的发展过程,不像小说、诗歌、电影、戏剧等艺术形式那样自由舒展,往往受到画面的局限,只能选择最富于表现力的一瞬间来反映现实生活,表达人们的审美感受。因而,绘画对艺术形象的概括和提炼,要求更为集中、凝炼和巧于构思。比如,法国浪漫主义大师籍里柯的《梅杜萨之筏》,是直接取材于当时的现实生活的一幅杰作。描绘的是法国巡洋舰“梅杜萨”号触礁沉没的事件:1816年7月2日,法国巡洋舰“梅杜萨”号满载着大批法国移民、政府职员和军人,在驶往塞内加尔途中,在西非布朗海岬触礁沉没。酿成此祸的直接原因是由于波旁王朝任命了一个昏庸无能的贵族、保皇党分子肖马勒当舰长胡乱指挥的结果。触礁后,肖马勒和高级官员分别乘六艘救生船逃命,剩下150人出于无奈,只得拥挤在一条临时扎起的木筏上,原先舰长和全体乘客订有公约,让6艘救生船缆索联接在木筏上,以便一同驶往附近海岸。但开船不久,救生船上的高级官员们为抢先脱险,先后割断了缆索,使木筏孤独无援地漂流在海上。7月5日晚一部分人被海浪冲走,第二天发生兵变,混乱中死去65人。第三天因饥饿、口渴、风吹日晒,一些人开始吞食尸体。到了第六天,木筏上仅剩15人,他们又继续在海上挣扎了一个星期,终于在第十三天早上被一艘寻找“梅杜萨”号上财产的船只“阿古斯号”发现,15个幸存者获救。对于这一事件,波旁王朝竭力封锁消息,掩盖事实真相,包庇肖马勒。不久,幸存者陆续回国,其中随舰外科医生萨维尼将遇难情况写成报告,全国舆论为之哗然。波旁王朝被迫审讯肖马勒,但却重罪轻判,仅给予降职处分,徒刑三年。而揭露事实真相的萨维尼和另一个幸存者地理学者科莱阿反而一度遭禁闭。对于这样一起牵扯面广、人物众多、时间长的重大事件,需要描绘和表现的地方太多了。但是,《梅杜萨之筏》只选择了幸存者初见“阿古斯号”而欣喜若狂,呼唤求救的一瞬。不仅表现了船员们遭难的惨痛景象,还表现了船员求生的强烈愿望和意志,使观众不能不联想到酿成灾难的过去和未来,具有震撼人心的艺术效果。

(三)绘画是可以突破时空限制的艺术

  绘画与摄影艺术都是瞬间艺术。但是,摄影作品画面上的艺术形象,只能是在相机镜头“视野”之内的,按下快门那一瞬间的情景。绘画,就没有这种局限。绘画作品所表现的,可以是已经过去的一瞬间,可以是正在发生的一瞬间,也可以是运用想象对未来一瞬间的描绘。绘画不但可以描画可见的具体的事物,也可以表现抽象的不具体的事物,比如人的精神、思想等。当然,摄影作品也能在摄影中加以体现,然而却没有绘画这样自由,这是毫无疑问的。比如17世纪西班牙画家委拉斯贵支的《教皇英诺森十世画像》,就把一个自尊心极强、阴险奸诈、毒辣凶狠的人物的精神表现了出来。绘画还可以借助读者的联想和想象以及一些特殊的表现手法来突破时间和空间的限制以表现艺术形象。这在中国画方面表现尤为突出。比如,宋徽宗赵佶当政的时候,曾以“竹锁桥边卖酒家”为题让画家们作画。当时许多应试者都集中心思考虑如何重点表现酒家,所以大多以小溪、木桥和竹林作陪衬,画面上应有尽有,样样摆出。然而,画家李唐却独出机杼,在画面上巧妙地画出一弯清清的流水,一座小桥横架于水上,桥畔岸边,在一抹青翠的竹林中,斜挑出一幅酒帘,迎风招展。画面虽未画出酒家,酒家深藏于竹林之中却是一看便知,而且深得“竹锁”意趣。

  从上面几层意义上来说,绘画可以突破时间、空间的限制,从而达到画里传神,画外有画的美妙境界。

丙烯颜料使用的几个建议

丙烯颜料使用的几个建议

1、用笔的时候可以用鸭嘴笔(油画笔)或者合成黄毛的笔(价格较油画笔贵点)因为毛比较硬,粗度统一点,较好把握。
2、找一件没有用的衣服,或者烂布试笔,先看效果。
3、建议用油性笔勾边线,注意:衣服下面一定要垫一层废旧干净毛巾,避免油性笔的水化开。或者渗透到衣服的背部。还有下笔要准和快。

油画将成为富裕阶层收藏与投资首选品种

油画将成为富裕阶层收藏与投资首选品种

  目前中国油画艺术品的市场化只有短短的二十年,和欧美油画艺术品市场的百余年历史相比属刚刚起步,未来中国油画艺术品市场会呈现怎样的发展状态,研究机构认为从八十年代初到今天,中国油画翻倍数是滚动式往前发展,欧美各国油画艺术品收藏和投资的现状有可能是中国油画艺术品收藏和投资的未来发展情况。

  美国中产阶级首先认为油画艺术品是身份的象征,也是财富的象征和文化品位的象征。第二是油画艺术品的保值作用,一般来说油画艺术品都在升值。所以,欧美各国整个社会群体对于艺术品的关注和收藏的发展情况就很有可能是中国未来的发展状况,中国完成这样的发展过程大概会呈现加速发展的状态。

  今天,先富起来的一部分国人开始对艺术品的收藏与投资表现出浓厚兴趣,据拍艺术品交易界人士介绍,中国艺术品市场已形成了大约近千人的高端油画艺术品收藏与投资群体,以油画大师的经典作品为收藏对象、以精品为主兼顾数量规模效应及中长期持有以期获得丰厚利润是这一高端收藏群体的投资理念。

  投资的方向非常重要,选择大师们的经典油画作品才最具收藏与投资价值。根据专家给的艺术家名单来找第一流的画家作品,收藏者虽然不是很懂艺术却可以遵循买好画家的好作品这样一条原则。假设买不着好画家的好作品,也可以退而求其次地买著名画家的一般作品,此类作品相对便宜是最大的优势。假如再买不着著名画家的一般作品,也可以买他们的素描、手稿或草图等,买这些东西也不失为一种聪明务实的选择。目前艺术品市场正处在向理性化收藏的发展过程中。经过十多年的市场化历程,也使得大家更加成熟起来。所以,现在中国油画未来的前景应该是很乐观的,如果不出现意外的话,中国油画市场交易价格在未来不长的时间[1-2年]里应该有翻番的可能性。

色彩鲜艳的油画棒砂纸画

色彩鲜艳的油画棒砂纸画

油画棒砂纸画是用油画棒在打磨用的砂纸(砂布)的磨面所作的画。油画棒色彩鲜艳,颗粒细腻,质地柔软:砂纸的磨面较为粗糙,有利于油画棒色附着在画面上,而且砂纸较深的底色更能衬托出油画棒的色彩。因此,油画棒砂纸画色彩明快,画面统一,工具简单,是孩子们易学乐学的一种儿童画,深受广大师生的喜爱。
工具材料:油画棒、打磨用的砂纸或砂布
作画过程:
  1、构思。想好要画的题材和内容;2、布局。把要画的内容在画面上作适当的安排;3、作画。把画面上所要表现的对象具体地描绘出来;4、完成。对画面作适当的调整和修改,完成整幅画的创作。
涂色方法:
  1、勾线涂色。先用油画棒轻轻地勾出轮廓,再按作画需要涂上颜色;
  2、直接涂色。不勾轮廓,直接用油画棒在砂纸(砂布)上描绘对象;
  3、叠加涂色。在涂完第一层颜色后,可根据需要用相同或不同的颜色再涂第二层、第三层颜色;
  
  4、用力变化。在涂颜色时,用力有轻重的变化,会使画面颜色出现浓淡变化,产生立体感和空间感。

投资油画四要点

投资油画四要点

 初入油画收藏四个要点必须注意:

  首先要看油画作品所体现出的画家功力,一方面是通过作品的创意、表现方式等进行比较,另一方面要看油画的细节处理,无论是人物还是风景,作品的细节处理体现作者的绘画技巧和实力;

  其次是油画作品的颜色运用,看其是否协调,对比度是否合理;

  第三是要看画家深造程度,对于油画作家来说,一般都要经过长期的严格专业训练;

  第四要看作者的年龄段,一般中青年油画家正处于创作的高峰,而且市场投资一般不会很大。

油画市场投资的基础知识

油画市场投资的基础知识

中国的油画市场3年前开始苏醒,慢慢成了一个火爆的投资市场。以下数据就可以提供佐证,过去价值被低估的林凤眠、吴冠中等人的作品3年来的画价增幅达到了400%~500%,一般画家的画作升值也在50%以上。这个市场处在供不应求的状态,现在的大部分画家都无画可卖。
油画市场水涨船高
“3年前我就预期,内地油画市场的兴旺是必然的!”这是保利上海前总经理洪平涛一贯的观点。因此这位台湾人早早地就到上海落户,他在台湾从事过30年的画廊生意,见识了艺术品市场从国画热转到油画热的过程。那段时间他花了很多钱收购了上百幅国内画家的作品,“当时的价格真的很便宜。”一般的也就几千块钱。和他一样有先见之明的还有苏州的李先生,早在4年前就开始了油画收购,“到去年初全部转手时,差不多赚了10倍。”
“中国的经济在不断发展,艺术作品的价值会随着经济的发展而被发现。”洪平涛说。中国经济的发展,使得新兴的产业阶层与白领阶层日益崛起,社会审美风尚发生改换。这个阶层有钱、有文化、有审美趣味,都乐于接受充满新意、具有挑战性的当代艺术。油画对于国画相对容易理解,因此体现时代气息、色彩丰富、充满节奏感的油画肯定会逐渐受到所谓中产阶层的喜欢。
炒画鉴赏能力不能少
尽管许多油画已经升值不少,但作为一个新兴市场其对资金的需求量相对较小,因此“算是一个比较容易进入的市场”。但问题是投资画和投资其它艺术品一样,首先需要具备一些基础知识,才能真正理解它们的价值。
因为供不应求,市场上已经出现了伪造的画作。“在同一时期的不同画家以及他们的不同画作,因为当时的历史条件以及他们在美术史上的不同地位,画作的价值出入会比较大。”洪平涛说,因此投资艺术品的人一定要有相当的文化修养以及历史知识。“除非你就是想买幅好看的画挂在家里。”
此前颇有几位民企老板花大价钱买了画,却被发现是假的。这种时候“都不知道是否该告诉他们真相”。如果自己没有专业知识,那么业内人士的建议就是委托给专人。即使是颇有些文化修养的人,也免不了要和收藏界人士多沟通。
值得关注的四类画家
在中国油画市场上,四个群体的作品增值幅度比较大。其一是以徐悲鸿、林凤眠、常玉、刘海杰等为代表的早期油画家。他们是中国油画艺术的奠基人,在中国现代美术史上拥有崇高的地位。加之他们的作品历经战乱,存世不多。
其二是以赵无极、朱德群、吴冠中为代表的作品,他们的作品融合了东西文化精髓,具有独到的艺术表达方式。
其三是以陈逸飞、靳尚谊、陈丹青为代表的学院派画家。他们的古典主义倾向的写实画风,最早被市场所接受,拥有广泛而稳定的市场基础。
最后一类则是以张晓刚、方力钧、王广义为代表的当代画家,他们的画作受到先锋派艺术收藏家的追捧和西方艺术市场的推崇。
提示:炒油画作为一个新兴市场,其对资金的需求量相对较小,因此“算是一个比较容易进入的市场”。同时,投资画和投资其他艺术品一样,首先需要具备一些基础知识,如果自己没有专业知识,那么最好委托给专人,即使是颇有文化修养的人,也免不了要和收藏界人士多沟通。

北面白昼光--油画人体技法

北面白昼光--油画人体技法

我在序言中约略谈到光线质量在绘画中的重要性。无论从技术观点或审美观点来说,它都是重要的。因此我设计画室就要使它能从许多方面控制光线。

  我的主要光源是六英尺高、十三英尺宽、正对北面的窗户。这窗户装在十八英尺高的墙上,窗的底部离画室地板十一英尺,窗顶离天花板一英尺。光线从这样的高度落到画架上,又被画布反射到各个方面,这就使直接射向我眼睛的强光减少到最低程度。我在窗上装了可以从下往上拉的帘子,用来控制光量和光线照到画布上的角度。当我将窗帘拉高一点时,光线从未遮蔽的部分射下来的角度就小一些。

  漫射光来自总面积为32平方英尺的两块半透明天窗(大约象一张白纸的透明度)。它们装在北窗对面的屋顶斜坡上。窗上装有百叶窗,可以控制光线的方向和强度,或将光线完全挡住。

  我很少同时使用北窗和天窗。同时使用会出现彼此冲突的阴影。

北面白昼光

  我在本书中讲到“北面白昼光”或“自然光”时,是专指来自北面明亮的多云天气的光线,同时也是专指我的画室所在地区的光线特点而言(接近于纬度41°,经度73°)。我曾经在许多不同地区绘画,如美国的北太平洋海岸,西印度群岛,地中海沿岸,大西洋海岸,新墨西哥北部(海拔8000英尺),曼哈顿(八月份多烟雾的反常天气)以及其他许多地方。我发现不同的纬度、高度、气温和地形特点所形成的光线条件和在我画室里的光线条件大不相同。

  在所有的光源中,我最喜欢来自北面的白昼光,这种无与伦比的光线是冷的,但不以蓝色为主。在正午时它同天晴时从天窗里漫射进来的日光一样明亮。

  更重要的是,利用冷的北面白昼光除了比装电灯省钱外,还有很实在的技术上的理由。调合颜色时冷光能创造出需要的冷暖关系,即在这种条件下,各种颜色能在它周围的色彩关系中显出冷暖来。(请参考色性部分)在北面白昼光这样的冷光下面,物体色彩变亮对就显得较冷,变暗时就显得较暖。在调合颜色时,要使色彩变亮的最普通的办法是加进白色,因为白色是各种颜料中最冷的,实际上在提亮的同时颜色也变冷了。就某种意义来说,光和颜料共同起作用,对调合颜色有利。

  依靠北面白昼光工作也有三个缺点:第一,不能在夜间工作;第二,光线是经常在变化的,有时候这种变化不明显,但有时候天空会在几分钟内从明亮多云变为深沉、清晰的蓝色,因此影响了画室中的某些色彩关系。第三个缺点是,太阳到冬至前后白昼光的时间变得很短,从十一月开始到一月底这段时间下午三点钟以后光线就不足了。但是上述缺点对我的工作不会造成重大的影响。自然光确实太美妙了,我可以作些适当的调节来补救这些缺点,即使有些小的不便也值得。

古典透明画法的方法是怎样的?

古典透明画法的方法是怎样的?

(1)素描初稿。透明画法主要依赖于清晰、成功的单色底画——素描。在这个阶段,可以用任何素描媒介——炭条、色粉笔等清楚地确定一个可填充底色的框架——素描稿。之后,喷一层发胶或上光油。
(2)纯灰画法。一般用白色与黑色调和的灰色作画,也可用赭石或褐色与白色调和。基本要求是反差强烈的明暗层次,尽可能用亮色调表现,因为其后每一遍上色都会使画面变暗一点。根据“肥盖瘦”原则,这一阶段尽可能少用油,古代画家多用铅白,因为铅白在油画颜料中最“瘦”,而黑油画色含油多,因而要少用。在表现明暗层次反差强烈的肖像时,并不意味着越暗越好,在保持亮度的基础上,最深的调子处于中间灰色即可。在画灰色画时,应常备一支扇形笔或油画滚子,不断用它把颜料抹平,一般只在确实需要的地方才画稍厚的笔触。灰色画完成之后,至少要让它干两天以上再涂上一层润色光油,这利于随后的色层上光。
(3)着色。开始时色层要概括,大面积涂上单纯的经过稀释的上光色是着色过程的第一步。待一层上光色干后才能覆盖下一层色,间隔约为一至两天。当然可以采用湿盖湿的画法,但不易控制色彩,所以很多采用透明画法的艺术家同时画几幅画。
(4)薄涂。透明着色之后,为增加物象的体感、质感,高光及细节部分常采用薄涂方式强调,用大量白色调和大量的调色油涂于干后的上光色上,多加调色油是为了遵守“肥盖瘦”的原则。注意:这一阶段不要使用松节油。松节油只在灰色画阶段使用。
在透明画法中,上光着色与薄涂覆盖可以交替进行。有时两三遍即可,也可能三、四十遍不止。作品完成后需干燥几个月,然后涂一遍上光油。
有人说:有多少采用透明画法的艺术家就会有多少种技法,可见透明画法并不局限于上述方法。画家可根据自己的需要探索属于自己的技法风格。下面再介绍一种古典透明画法:
首先用木炭起稿,然后用长锋勾线笔蘸乳胶调和的黑颜料或墨汁准确地勾出轮廓,再用大刷笔蘸“三合一”油(达玛上光油∶亚麻仁油∶松节油=1∶1∶3)调出赭色调的稀薄色,以松散的笔意涂满画面,再用抹布轻擦吸去多余的油。第二步:用大笔蘸乳液(甲基纤维素乳液或干酪素乳液,详见“坦培拉乳剂的制作”),调钛白粉画出物体受光部分,趁白色未干时用笔轻扫,向暗部过渡,制造飞白效果显出中间色调,此时画面的明暗对比应概括、强烈。第三步:白色干后接着用“三合一”油调色粉釉染,即所谓的“上光术”。如果没有色粉可将油画颜料用高丽纸吸去油份再用。第二步的提白与第三步的釉染反复进行,直到造型与色彩完美结合为止。
由于此技法使用乳胶调白,所以干燥迅速,釉染后能在短时间内结膜,故可连续作业。应当注意:最初釉染不能用油过多。另外,画布底子要有吸油性,初画干涩,渐呈光泽。
古典透明画法需要一个熟悉材料的过程,作画者要在实践中不断积累经验。

刀|颜料|稀释剂--油画人体技法

刀|颜料|稀释剂--油画人体技法

我用三种调色刀,长度从1号到3号,形状相同,都是长三角形、刀尖圆钝。

  刀不容易掌握,但是一旦熟练掌握后,就能创造出其他任何工具难以达到的效果。在多数常见的用刀的作品中,可以看到画刀用得象泥水匠泥刀那样,效果比抹泥墙好不了多少,但是,如果充分发挥画刀灵巧有力的性能,并将它和高明的笔法结合起来,就可能创造出单纯用笔或刀所不能画出的神奇的完美效果。这方面最好的范例可以从已故的尼古拉·菲钦的最佳作品中找到。他的技巧有时非常眩目,以至于盖过了主题,这使人们想起蔡斯的警告:“要把绘画学得这么好,能使你把自己的技巧隐藏起来。”

  从照片上可以看到我使用的五种刀子,自左至右是3号、2号和1号调色刀,然后是一把普通的装上柄的单面刀片,我用来刮调色板。最右边这把刀我叫不出名称,它可能是一种医用刀,下部是平的,两侧略微弯曲直到顶端。刀身坚硬。但两边可以磨得很锋利,我用它来刮除画布或板面上多余的干颜色。

颜料

  关于使用的颜料的方法将在本书“色彩”一章中详细论述,这里主要是对油画颜料的特性作一些说明。

  首先,油画颜料并不都是一样的。无论是同一牌子或不同牌子,它们之间的质量都有不同。大多数美国的名牌货都说是符合所谓CS98-62这个商品标准,也就是说在配方、稳定性和耐久性各方面都合乎规定。然而,这个标准既然不是法定的,完全可以悉听尊便。我们只能根据商品标签上的介绍,说得难听一点,就是花了钱碰运气。

  多数厂商提供两种级别的油画颜料,一种是供“学生用”,一种是供“专业用”。学生用的包含各种不会起化学变化的成分,如硫酸钡、氢氧化铝和铝硬脂酸盐。通常学生用的颜料每管含油量要比专业用的高。学生用颜料价钱较低。质量也较次,专业用颜料所含的原料研磨得很细,可能还加进少量别的东西以改善其使用性能。

  画家要保证他的作品质量,必须对每种牌号的颜料反复实验和比较,掌握这方面的知识。我每年两三次买进大量的材料,在画室里将所有颜色取样进行耐光检验。首先,我在板上用同样的颜色画两条杠杠,让它们干燥。然后,将一条用硬纸板盖起来,另一条放在日光下曝晒三个月,然后将两者加以比较。自然,有些颜料会有点褪色。尽管一幅画在正常情况下不可能直接放到日光下曝晒三个月,但是通过这样的试验,我常常发现有些号称“永固”的颜料发生了不应有的不同程度的变化。

  全面考虑一下,我认为画家们今天所用的颜料与过去比较,是同样好的,或者还更好些。经过我的检验,我还认为除了少数例外,美国制造的颜料一般要比欧洲的好些。这也不足为奇,因为欧洲在本世纪经历了多次动乱。不过我想这只是暂时现象。

稀释剂

  除了精制纯树脂松节油外,我不用别的稀释剂。但市场上却有几十种之多。大多数有名的稀释剂和某些不出名的稀释剂我都试过。

  稀释剂应用于两个目的:第一,可以加到油画颜料中去,使之形成流动的稠度,这比直接从软管里挤出来的容易使用;第二,将少量颜料加入稀释剂,可用作透明涂液。不过,只有当加进去的颜色原来就是透明时(如群青或紫红)才会形成真正的透明涂液。如果颜料本身是不透明的,如玫瑰土红或镉黄,那只能形成颜料微粒悬浮或扩散的胶液。这种混合物薄涂时缺乏好的光学效果。

  我知道许多画家把稀释剂当作解决绘画上各种问题的万应灵药。从表面上看,这些稀释剂改进了绘画质量,使作品更象那些名家大师们的手笔。普遍存在这么一种论点,认为凡是名家大师都拥有秘方,使他们能以创作出杰作。事实上,除了扎实的技巧以外,是不可能有什么秘方的。

  所有的稀释剂都有一个共同点:它们损害颜料,这道理很简单。颜料的质量决定于原料研磨的好坏和油与颜料的比例是否适当。所有的颜料厂都有化学师经常检查产品质量。每种颜色都规定了油与颜料的正确比例,符合这个比例才能产生最漂亮的色彩和最适用的稠度。各种颜色所需要的含油率大不相同。稀释剂加进去,颜料的理想含油率就改变了,颜色的成分减少,质量也就起了变化。

  我要公道地说,赞成用稀释剂的基本想法是好的。应该有那么一种东西加进颜料中去,能使它改进光泽度和使用性能。但遗憾的是没有一种配方能在达到上述要求的同时不起副作用。如果不得不使用稀释剂时,拉尔夫·梅那在《绘画材料和技术手册》第三版(纽约威金公司出版1970年印)第216页所介绍的配方也许是最好的,对绘画的不利影响也最小。

  我不注重稀释剂或其他掺杂物的主要原因是,我可以运用各种笔法变化(如干皴法和薄擦法)来取得同样的种种效果。需要调薄颜料时(往往是在画的开始阶段),我用精制纯树脂松节油。松节油是挥发性油,它几乎完全蒸发掉。因此,颜料的含油比例依旧未改变。不致因时间长久而产生发黄的油膜。最后,我的大部分作品是直接画法,象示范5、6、7那样,因此我不必顾虑用松节油所造成的不良效果(最坏的效果是因过分稀薄而造成色层暗淡)。

画布--油画人体技法

画布--油画人体技法

绘画本身是够难的了,在做得不好的画布上画更不容易。因此,我总是自己制备画布和画板的。这要比在市场上购买画布便宜得多。

  买来的画布有几方面的缺点。首先,制造画布的厂商除了简单地说是“涂单层”或“涂双层”外,不大肯告诉你画布是用什么原料以及如何制作的。其次,买来的画布不管价格如何,表面纹路都是千篇一律,使我不得不另外涂一层上去;或者在画的时候不管是否需要,都用厚涂法,借以改变原来平滑的表面。自制画布的最大好处是可以做成各种各样的表面纹路。从表面的质量以及耐久等方面来看,自制画布是很值得的。

  我制作画布不是整幅布做好后裁下来用,而是单幅连框做的。这样做很有好处。画布一次直接绷在内框上,不大需要移动或重新绷过。由于画布是直接干绷在内框上的,并靠涂上的热胶层使它拉紧,它们表面的张力是一样的,不大会松弛凹陷,不需要再插进棒头去。再说,干的未经涂过的画布不必绷得很紧,因此内框不会因拉力强和不均匀而变形。

  我按照经过时间检验的方法来裁制画布和画板。我采用两种高级比利时亚麻布。画幅大于16″×20″时,用中等布纹的乌特勒克(注1)21号A型号,它的编织密度是每平方英寸62支线。较小的画幅用乌特勒克66号J型号,这种布面很光滑,每平方英寸92支线。我按照尺寸裁好画布,绷在标准的榫接木内框上,以不见皱纹为度。

  然后,我用一块海绵把热的兔皮胶涂刷在布上。兔皮胶的溶剂就象稀薄的肉汁,只是气味难闻些。它是用六餐匙兔皮胶碎粒(42.5克)溶于一夸脱水中,温度在沸点(华氏212度)以下20-40度。绝不能到达或超过沸点。几小时后胶就干了,画布就绷紧了。于是,用沙皮擦去表面一些粗糙的点子,再重复涂一层胶。但用的胶要比第一次少得多。干燥后,就可以在上面涂底子。

  我用纯粹的铅白调合精制树脂松节油,达到可以涂抹的稠度,用硬的四号笔将它深深地抹进画布。涂层是很薄的,但我让笔触留在画布上。过十分钟左右(看空气湿度而定),松节油挥发到一定程度,铅白几乎回复到原来糊状的稠度。这时,我就用大画刀修饰表面,有选择地加以刮削,使之平滑,或者修改原来的笔触,直到画布表面纹理类似古代邦壁画那样。这种修饰工作要做得快,因为铅白稠度适宜于修饰的时间只有一两分钟,当松节油进一步挥发后,它就变硬了。总之,修饰的时间要掌握适当,过迟则涂料层太坚硬,完全无法修饰,过早则会使画布过于光滑,缺少油画画上去时必需是凸纹。

  制作画布听起来很费事,事实也确是如此,但我通常一次要做三十多块,在三天内全部完成。一年做两次,可有六七十块画布和同样数量的画板。画板是用1/4″未经处理的麦松尼纤维板(注2),两面上胶以防弯翘,做底子的方法同画布一样。画布和画板制成后干燥十天就可应用。由于胶液具有吸收空气中水分的特点,所以我注意天气预报,选择中等湿度的日子上胶和涂底子。另外,做好底子后在每块画布后面写上日期,时间久的先用。