九月 2020

光效应艺术

光效应艺术

又称为奥普艺术 Op Art,西方 20世纪60年代兴起的美术思潮。1965年正式使用这一名称,含义为“视觉效应”。

  光效应艺术是用直线或者几何图案来创作出一种特殊的视觉效果的抽象艺术形式.各部分明暗之间的反差,有时看来好像在运动或者使人感到表面、方向和大小在变化.艺术家瓦萨利就能用他的几何光效应艺术创造出一些错觉。

当时正值纽约现代美术馆举办眼睛的反应画展,大量有一定规律排列而成的波纹或几何形画面造成运动感和闪烁感,使视神经在与画面图形的接触中产生光效应现象与视幻效果。艺术家以此证明诉诸视觉的艺术品与探究知觉心理的科学之间并无严格的分界,用严谨的科学设计亦可激活视觉神经,通过视觉作用唤起并组合成视觉形象,达到与传统绘画同样动人的艺术体验。因此,奥普艺术以精确严谨的几何图式代替主题。这种艺术同时兴起于欧洲各国。欧洲则以法国画家V.瓦萨雷利为开创者,受其影响者有以色列的Y.阿加姆、委内瑞拉的J.R.索托、法国的耶拉尔、英国的B.L.赖利;美国的先驱者为J.阿伯斯,代表人物则有R.阿纽斯凯维兹等。

油画技法的基本知识(1)

油画技法的基本知识(1)

下面把油画技法的一些基本知识分成数点加以介绍。在实际作画时,它们是密切结合在一起的,是无法截然分开的。而且,下面所讲的也不是死板的公式,作画时要从具体对象出发,灵活运用,大胆创造。
一、关于颜色的使用
油画颜色的使用、油画的色彩方法,总的说来也不外乎混合、重置、并置这三种。只是由于颜色性能的不同,油画颜色的混合、重置、并置,又有自己的特点,是和水粉画,水彩画有所不同的。
混合法
通过不同的颜色的混合,调配出所需要的色彩,这是油画最常用,最基本的色彩方法。油画写生时很少完全使用从锡管里挤出来的原色。尤其象画人像、人体时,用色都需要经过仔细的调配,才能得到许多接近而又有变化的色彩。水彩、水粉画颜色混合时,水是重要的结合剂,画到纸上时可以利用水分,助帮色彩的衔接和转折,会有一些偶然效果。油画在表现对象形体、色彩的转折时,是靠色彩自身的变化,是靠一块块色彩的拼接、压接,表现对象复杂的色彩、素描关系。因此,油画写生时,不仅要准确地观察,理解对象的形体结构和色彩关系,而且要有准确、得心应手地混合颜色的能力,要有熟练的调色技巧。
油画颜色混合时,同样是以红、黄、蓝(青)作为三原无能。颜色相调时,种类也不宜过多(除白色外,一般不宜多于三色),时间不宜过长。过多、过久都会使混合了来的颜色变灰,变脏,影响色彩的鲜明度和光泽感。
调色时,要把调色板清理干净,除了用笔调色外,还可以用画刀调色。画刀容易保持干净,混合所得的颜色比较新鲜,不易调”死“。
油画颜色的粘着性,遮盖力都是相当强的,但程度也有差别。调色时要熟悉各种颜色的染色力和盖色力。染色力强的颜色如玫瑰红、普鲁士蓝等,调色时只用少许这些颜色,作用就很大。玫瑰红还有泛色的毛病(油色干透后会泛出玫瑰红的淡紫红色),这二种颜色都宜少用。此外,深红、紫红、翠绿等色的染色力也较强。相对来说,染色力强的颜料,比较适合薄涂,也较透明。盖色力强的颜色适合用来厚涂,覆盖,粘着性强,不透明。一般土质颜色和白色的盖色力都比较强(其中锌钛白的盖色力更强一些)。
调色时还要考虑颜色的耐晒性、耐久性,应尽可能选择耐晒性强的颜色,锌钛白、淡铬黄、土黄、金土黄、生赭、桔黄、熟褐、朱红、大红、翠绿、钴蓝、酞青蓝、群青、钴紫、象牙黑等国产颜色的耐晒性都比较强。
油画颜色与水粉、水彩画颜色比较,在颜色混合时,容易产生化学变化,而影响色彩的耐久性。例如含硫化物的颜色(如镉类颜色、群青、银朱等色)与铁土质的颜色(如土黄、土红等土质颜色)、与含钴颜色(如钴蓝、钴紫等),都容易产生化学作用,调出来的颜色日久易变暗变黑。
初学时,对这些不必太过注意,以免束缚自己的手脚,影响对形象的观察和表现注意力。在绘画实践中逐步了解各种颜色的性能和混合效果,在有一定的基础之后,再阅读有关专门介绍油画颜色成分、性能的书籍,即可解决。
重置法
这是利用色层上下重叠以取得所需要的色彩效果的方法。油画颜色虽然一般说是不透明的,盖色力强,但如果和调色油、松节油混合,也可以变得很稀薄,而有透明、半透明的效果。因此通过色层的上下重叠,利用光的透射,可以获得新的色彩效果。透明画法就是色彩重置的方法。如前指出的它也具有丰富的表现力。自从直接画法取代透明画法而成为油画的基本方法以来,不少画家在画暗部、阴影等处时,仍然用比较稀薄、透明的油色(但仍是色彩重置的方法。直接画法常常采用的一些颜色,斑驳陈,以取得所需要的色彩和画肌效果,这也是一种色彩的重置方法。)。
并置法
这是二种或数种颜色并列在一起,通过空间和视觉生理混合,取得所需要的色彩效果的方法,如红、蓝小色点排列在一起时,远看起来变成紫色。这种通过视觉生理混合排列在一起时,远看起来变成紫色。这种通过视觉生理混合得到的色彩,要比在调色板混合出来的颜色来得活跃、跳动和富有空气感。油画颜色不调用清水,颜色不会流动、渗代,容易保持清晰的笔触和色块(色点)的形状,可以象镶嵌画似的一笔笔、一块块地拼接,在一定的距离上看起来,形成完整的色彩形象。因此,色彩并置的方法在油画中是比较多见的。在古典绘画中,散涂笔法的出现已经具有色彩并置的含义。只不过当时的画家还没有自觉地从色彩理论上来认识。十八世纪法国画家毕托、十九世纪的德拉克洛瓦所运用的分离笔法,也就是一种色彩并置的方法。随之,印象派和新印象派画家,根据色彩的光学原理开始自觉地、大量地使用色彩并置的方法。他们结合点状、条状的用笔,使色彩并置发展成为一种专门的油画技法。这种技法。对于描绘阳光、空气的相互辉映的光色气氛,特别富有表现力。色彩并置的方法还容易获得一种装饰效果。新印象派代表画家修拉的作品,带有明显的装饰趣味。后来,后期印象派画家凡高所使用的条状笔触、纳比派画家波纳尔的点状小笔触、奥地利维也纳分离派画家克里姆特用色点组成的风景画,都是运用色彩并置方法的范例。
色彩并置法需要较深的色彩知识和绘画实践经验,初学时不宜急于尝试,更不要从表面上去盲目模仿。可以通过鉴赏莫奈、毕沙罗、修拉、凡高和波纳尔等画家的作品,逐步了解各种色彩并置所产生的不同效果,经过自己的真正理解和消化,适当地运用。

行动派绘画

行动派绘画

行动派绘画又称动作派,属于抽象表现主义艺术。

在美国北卡罗莱纳州黑山学院,素来采用美国教育的最激进的试验,它没有规定课程。在黑山学院及欧洲传入的先锋派思想中,有一种超现实主义自动化的艺术理论,西班牙画家米罗实践了这种理论,他把颜料溅洒在画布上,然后把蘸了颜色的画笔在画布上到处移动,这种技法上的自动主义,直接启发了美国的行动派画家;还有法国的马松比米罗的笔触更为轻松,整个画布上是一种线条的猝发,一种颤动的色彩的放电。他们对美国的戈尔基和波洛克有直接的影响。

在这个时期,美国画家中正风行存在主义哲学,认为宁可冒失败危险来努力争取达到新的高度。因此他们大胆试验。抽象表现派的画家们主张宁可彻底摆脱所有传统的美学观,也不要有什么社会意义。他们提倡任意的、自发的个人表现,创造了一种无意识的自动绘画。

代表画家是波洛克

油画的特点

油画的特点

油画经凡·爱克兄弟革新后,迅速成为西最主要的画种,并在全世界范围内广为流行,这是与油画工具性能的优越和丰富的表现力所分不开的。 油画与水彩画、水粉画相比,水彩、水粉画虽各具长处,有其它画种不能代替的特点,但在工具性能和表现力上都存在着明显的局限。例如,水彩画的水分不易控制,水的流动性、随意性和对作画时间的限制,影响对对象的精确、具体的描绘,画幅也不能太大,画面怕光、怕晒、怕潮,极易褪色,难于保存。水粉画虽然表现上比较自由,可大可小,可粗可细,表现手法也比较多样,但由于颜色含粉量大,使画面色彩干湿变化显著,不易衔接和修改,暗色调和丰富的中间层次比较难以表现。水粉画的画面也怕潮、怕晒,颜色易发霉、脱落,同样难于长期保存。相对来说,油画就不存在这些问题。油颜色的色彩丰富、稳定,不发生干湿变化。作画时,油色干得不快不慢,可以仔细考虑,从容下笔,色块的形状、大小、方向都比较容易控制,容易衔接,也便于修改。油画颜色色既可以变得十分稀薄,具有透明、半透明的效果,又可以十分浓稠,具有极强的遮盖力和粘着性,可以多层次地覆盖、厚涂,可以进行长时期的制作。油画的表现形式和手法,也十分丰富多采,可大可小,可粗可细、可薄可厚,透明与不透明,灵活多变。总之,油画的工具材料的性能具有比较明显的优越性,绘画中的各种造型因素色彩、明暗、线条等等都可以得到综合的、充分的运用。油画可以非常具体地、细致地表现对象的全部造型和视觉的特征——即再现对象在具体的时间、空间里的光色关系、明暗层次、形体结构、空间感和质量感,使画面形象达到异常逼真的地步。而且,油画颜色干透后,十分坚固,不易损坏,可以长期保存。韩默藏画在我国展出时,其中有鲁本斯、伦勃朗的原作,虽然已经历了数个世纪,仍光彩夺目,恰似新画一般。
再从画面总的效果来看,如果说水彩画给人以透明、轻快、流畅的感觉,水粉画给人以鲜艳、柔润、浑厚的感觉,那么油画的特点是丰富、厚重、沉着和有光泽感。由油画的色彩、笔触和色层厚薄相间(包括把画布布纹组织入画)所构成的油画画肌显示出油画独特的质地感、质地美,并且十分丰富多变。
当然,油画也有它的局限。大家常把油画比作是交响乐、重武器,可以说是很恰当的。交响乐音响丰富,震憾人心,但并不能替代轻音乐。大炮打得远,威力大,但某些地方比不上一支小小的手枪。油画就不象水彩画、水粉画那样简便易行。油画对工具材料的要求较多,价格比较贵,要配套配齐很不容易。尤其在我国农村,很难看到油画原作而且缺乏油画教师。要学油画又要有一定的素描、色彩基础,因此油画比较难于普及。油画的工具材料又多又重,画面油色也不象水彩、水粉画那样快干,外出写生、携带都不大方便。油画的表现力、表现手法虽然是丰富多彩的,但也不是万能的。某些绘画体裁、样式,如年画、插图、连环画以及象工艺图案设计等,采用油画并不是完全不可以,但毕竟不大合适。我们也需要通过实践,更好地了解和掌握油画的性能,扬长避短,充分发挥油画的长处。

未来主义

未来主义

未来派是二十世纪初产生于意大利的文学艺术的革新运动,发起人是诗人马里内蒂。1910 年在米兰发表了“未来派画家宣言”,代表人物有波菊尼、卡拉、卢索罗、巴拉、塞维里尼等。他们在批评传统艺术口号下,主张建设“未来的艺术”。提倡速力之美,赞美机械之动力和噪音,歌颂造成世界混乱和破坏的各种战争和恐怖,冒险、杀人以及无政府主义的行为。其核心人物曾狂热地鼓吹参加第一次世界大战。在表现技法上,继承分析阶段的立体派手法,肢解对象,但不像立体派那样静止,捕捉对象和环境的力量关系,企图把光和空间作为一体表现出来,并且主张用物理论来解释宇宙与力的关系。在表现形式上,喜欢用强烈的色彩、箭头斜线、锐角、螺旋形体。创作题材有舞蹈者、疾驰的马、汽车、火车、飞机等。未来派作品于 1912年在巴黎、欧洲各地展,引起很大的反响,至1914年以后便自行消亡。

达达主义

达达主义

达达主义是从第一次世界大战到战后流行于瑞士、德国、法国的美术界和文艺界的反抗运动。它的名字来源于DaDa (玩具马)。这个运动是第一次世界大战的精神产物,是否定传统、蔑视理性的不折不扣虚无主义,以对社会习俗恶魔般反抗和讽刺作为武器采取反合理的、反审美的、反道德的态度而著称。在绘画技法方面多为无意识行为,采用拼贴、摹拓等方法。达达主义在法国一直持续到1922年。代表人物有杜尚、曼·雷、皮卡比亚、休森贝克、豪斯曼、格罗思等。

油画工具材料及其制作和使用

油画工具材料及其制作和使用

在开始学习油画之前必须准备以下一些工具材料,它们多数可以在市场上买到,如果不称心,可以自己再作些加工,也可以自己制作。 一、颜色
我国现在生产的油画颜色有五十种左右,一般备用十多种就可以了。常用的颜色如:锌钛白、柠檬黄、淡铬黄、中铬黄、桔黄、土黄、生赭、赭石、熟褐、朱红、大红、深红、玫瑰红、粉绿、中铬绿、翠绿、橄榄绿、湖蓝、钴蓝、群青、紫罗兰、钴紫和象牙黑等种。白色使用较多,要多备一些。选购颜色时,如发现有漏油现象(锡管尾部有油渗出),属于质量不好。我国目前生产的油画颜色质量也有多种,有些还不大稳定,不同的牌号、批号的颜色,质量不大一样,要在作画过程中注意观察,了解各种颜色的不同性能,逐步积累经验。
二、调色板
在文具、美术用品商店有调色板出售。也可以用三合板、五合板自制。其形状多为长方形、椭圆形,尺寸可大可小,一般在35*25公分左右,锯好后用砂纸打磨,再涂上一层光油或调色油即可使用。(如果找不到合适的木板,也可以用普通的玻璃板在背面贴上一张白纸代用。)
在调色板上挤放颜色,一般是在上边沿和左边沿,也要按一定的顺序放置颜色,不要随便更改,养成习惯,方便作画。每次作画完毕,要清理调色板,用刮刀把调色区域内的剩余颜色全部刮去,再用抹布擦净,保持光洁平滑,好似镜面一样。挤出来的颜色如未用完,接着要画,可留在调色板上待用。但一般也应刮去。调色板使用久了,挤放颜色的区域色层堆积太厚,可对着炉子微微加热,再用刮刀刮平。
三、油剂
油画所用油剂种类很多,一般是三种:调色油、松节油、上光油。它们性能不同,各有用处。
调色油
是用来稀释颜料用的,有时油画颜色比较厚就需要醮点油使它稀薄一点方好用。在文具、美术用品商店出售的“调色油”,即亚麻仁油,用来调色,可增加油分,使颜色稀薄,变得透明,增加光泽。油质以透明(微黄)和不要太浓的为好。如果油色太黄,或是在其它地方买不到,也可以自行改良制作。方法是把亚麻仁油倒入宽口的无色透光的玻璃瓶中,在油中浸放一小块干透了的面包或馒头,用纱布把瓶口封好,把瓶放在阳光照到的地方,二、三个月后,油色净化,变得透明,即可作调色油用。(如买不到“调色油”也可使用核桃油,并可自制,方法是把核桃仁放在锅里,加进一点水,象熬猪油一样,即可熬出核桃油。核桃油调色比亚麻仁油快干一些。)还有一种方法:买生亚麻油,放在盆子一样的宽口容器里,油中放少量活性碳,用来吸附杂质,盆口盖一块玻璃,注意不要完全密封,与盆口之间留有通气空隙然后在阳光下晒两星期,经过滤后,是最好的调色油。
松节油
松节油以无色透明的为好。松节油主要用一稀释颜色,并使色层快干。松节油有较强的挥发性,不使用时要把瓶口盖紧。一般用来起稿子。用松节油画画干得较快,有时会把颜料里的油份一起挥发掉,使油画吸油变灰,因此常常是掺在调色油里用。也有的画家不用调色油,只用松节油画画。
上光油
它是在油画完成并干透以后一般需六个月用来刷在油画表层的油。涂过上光油的油画色彩透明有光泽,并能起到保护油画色层的作用,但必须注意要涂得尽量薄而均匀,不要在画面上积起来。上光油用多了画面要发黄,因此最好选用色泽透明的上光油,使用古典的技法的画家一般都用上光油。近代许多画家很少用甚至不用上光油。因为他们不希望油画发光,有的则有意使油画吸油,有时也只在吸油比较严重的暗部稍涂一点。一方面因为上光油对油画颜色有一定影响,另一方面发光的油画在展览时容易有反光,展览效果不好。
油壶
在文具、美术用品商店有专制的油壶出售,用来盛放调色油、松节油、可插在调色板上,使用方便。但这种油壶不易买到。初学时可用普通的小药瓶代替,或用铝、铅片自行制作。
油画笔
我国现在生产的油画笔,按大小分成十二种型号,初时可隔号选购,一般备有大、中、小不等四、五支笔就够用了。国外另有一种圆型尖头油画笔,也分大小型号,适用画细部、勾线。我国也有,也可用毛笔代替。画笔是用一取颜色并把颜色放到画布上去的,它和毛笔水彩笔不同。油画颜料较厚,只有比较硬的笔毛才能把颜料捞起来,初学的人不习惯,常常象拿毛笔一样把笔毛放到颜料里去醮一下就往布上涂,结果醮了好几次画布上还是没有什么颜色。应该把颜色捞起来放在调色板上调合,再把它放画布上去。有时可以醮点油调得很稀,有时需要很厚的一堆颜色堆砌到画布上去。握笔的方法有直握与横握,一般描写都取直握。涂大面积或需要比较有力度时常用横握。作画时的笔法很多,笔法是根据画家表现的需要来决定的。有时平刷,是求得大片平整的效果,有时厚堆是为了让笔触突出画面,使物象引人注目。一般笔法有摆、刷、点、划、勾、挑、皴、擦、拍、贴、描、拖、扫、按触、挤、转等等。再加上颜色厚薄、用笔大小、用力轻重、速度快慢、力度变化等等,可以说笔法是变化多端、无究无尽。这些都需要在学习过程中逐步体会掌握。为了达到某种表现效果,有时也用手指揉,笔杆划,或用刮刀画。为了油画表现的需要,可以采取种种手段,画笔只是其中一种主要的表现工具而已。
画笔每次用过后要用肥皂或皂粉洗净,并用小纸将笔毛包好压平以保持它原来的形状。如果连续作画,懒于洗笔,每次画完后可把笔浸泡在松节油(这是最好)或汽油、清水中。国外有专制的油画洗笔罐(瓶),外壳是玻璃(或金属、塑料)、大口,罐的中下部装有一块可以活动的、有许多小孔的金属板(或塑料板)。使用时在罐中倒入松节油、或汽油,再把笔放入罐中,松节油把笔上的颜色浸化后,洗下的颜色液透过金属板的小孔,沉入罐底。下次作画时,画笔已基本洗净,用布或纸擦一下即可使用。这种洗笔罐很简单,可自行仿制。
此外,作画时还需要准备一些废报纸(或抹布)用来随时擦笔,以保持笔毛干净。
画刀和刮刀
画刀又名调色刀,比较小,刀口薄而富有弹性,它可以用来调颜色,并象画笔那样把颜料堆放 到画布上去作画。也有全部用画刀作画的。用画刀作画可以造成一种画笔达不到的效果,它适合表现岩石、建筑物等质地坚硬的物体。用画刀作画,颜料用得比较多,堆得比较厚,刀痕明显,感觉坚实有力,而且由于布纹被颜料布满,色层表面光滑,颜色一般要亮一些,而且不容易画脏。画刀也可以用来刮去画面上不好的地方。刮刀比较厚实,弹性少,主要用来铲去调色板上不用的颜色,作画不太适宜。如下图:

油画布 通常可以买到的油画布不外两类:一类布纹较粗,一类布纹较细,可以根据自己的爱好选购。画布的质地以亚麻布为好,这种布的织纹美观,质紧而有韧性,比较牢固;棉布质地较松,易受温度和湿度变化的影响,时间长了画面容易脆裂,织纹也不如麻布好看;化纤织物弹性较差不宜采用;混纺布因化纤和棉的收缩程度不同,画面容易出现裂纹,也不宜采用。布纹以经纬线的为好,切不要用斜纹布做画布。买来的画布有的质量较差,表面没有光泽,画上去的油画颜料中的油份容易被吸进去,使色彩变灰变暗。补救的办法可以在画布上再涂上一层涂料。最简便的办法可用白油画色调入适量掺了松节油的调色油,稀释以后用大画笔或刷子在画布上薄薄地、均匀地再刷一遍、待干透后就可以用了。
油画布的制作方法:
做油画布旯选用亚麻布(布纹有粗细之分,可根据需要、爱好选用)、麻布和棉布(白扣布)等。用来包装商品的打包布,百货商店常常称斤出售,价格低廉,布纹较粗,质地结实,也很适合做油画布。
先将布裁剪成比内框稍大一些(每边大出二——三公分),然后把布绷紧在内框上。绷布的方法是从内框侧面的中间钉起,对边轮换着钉,逐步钉向两角。要把布尽量拉紧、拉平,布纹的经纬要与内框边平行,绷紧的程度好似鼓面一样。钉子最好用鞋钉,一般不宜把钉子钉死,露出一些,以便需要时容易把画布拆下,钉子的间距一般是五公分左右。布绷好后,用清水把画布喷湿,使它缩水,干后可以开始涂胶。
画布涂胶一般是用牛胶(或鱼胶、龙须菜液等)。先将胶砸碎,在清水中浸泡十来小时,使其泡涨、发软(胶与水的比例是1:15以上),然后隔水用文火慢慢把胶化为胶液(切忌把胶液煮沸,煮沸会使胶性大减)。胶液不宜太稠可用手指蘸一点试试,感到有些粘性即可。接着用排队笔或刷子把胶液薄薄地、均匀地顺次刷到画布上。刷毕把画布举起来对着光亮处,检查布孔是否已经蒙住(蒙住为好),并检查布面是否平整,有否线结,如有发现,可用刀片把线结清除,用砂纸轻轻打磨。接着再刷一遍胶。一般画布刷二遍胶即可,如画布布纹很粗,可适当多刷一、二遍。涂胶后让画布在通风处晾干(切勿在太阳下晒、在炉旁烘烤)。
下一步是涂底子。底子涂料有各种不同配方,相应产生各种不同的效果,这是制作画布十分重要的一道工序。初学时所用画布的涂料不必太讲究,从节省、实用考虑,可采用最简单的油质底子或胶质底子。
油质底子是由亚麻仁油(或鱼油)和立德粉混合构成(讲究的还可加入蛋黄和少许蜂蜜),调配成稀薄的油粉质涂料,接着薄而匀地刷到涂了胶的画布上去,一般刷一、二层即可,以刷匀、刷满而又能见到布纹为好。涂好后让其慢慢晾干,数月后便可使用。
胶质底子的做法是,先将胶煮成胶溶液,同时用清水把立德粉调好后倒入胶溶液(最好也加入少许蜂蜜,以增加柔润程度),搅拌混匀,然后刷到涂了胶的画布上去,第一遍干后再刷一遍。干后即可使用。
油质底子和胶质底子的画布各有特点。前者不吸油,画面有光泽感;后者吸油,画面无光泽感,不产生反光。可以根据爱好、需要分别选用。
油画纸的制作方法:
初学时画速写、短期写生作业,用油画纸是既方便又经济,油画纸的制作方法也简便易行。卡纸、白板纸等较结实的硬纸,都适合做油画纸。印刷厂处理报废的板纸,又便宜又适合作油画纸。如果是用来画小幅的风景写生,也可以用制图纸和图画纸来做油画纸。
刷油画纸的涂料,种类很多。最简单的是到化工商店买乳白胶,在乳白胶中加入清水,调匀调稀,用排笔均匀平整地刷到纸上(干后如觉得胶液稀了一些,便再刷一二遍),干后即可用来作画。此外也可以用牛胶溶液,前面提到的做油画布用的油质底子、胶质底子涂料,同样平刷到板纸上,晾干后,即可用来作来。
也可以用滚筒把涂料滚到纸上去,或在涂了油质底子之后用铁丝窗纱(或塑料窗纱)平压,都可以使画纸表面形成细微的凹凸不平,类似画布表面的布纹效果。
现在美术用品商店出售的油画纸,是在板纸上贴有一层布面的,做起来比较费事。做法是先用胶溶液把布贴在板纸上,要贴平粘紧,干后再刷涂料。
初学时,还可以把每次作画后留在调色板上的多余颜色用刀刮涂在画纸上,干后也可用来画小幅风景写生。这样做成的油画纸,常常具有不同倾向的底色,作画时可以根据对象色调的需要选用,对掌握色调有帮助。
油画板的制作方法:
油画也可以画在木板上。达芬奇的名作《蒙娜丽萨》 就是画在木板上的。现在用来做油画板的,多是三合板、五合板和纤维板等。先在木板的四周和背面涂上一层光油,以防木板受潮、变形、裂开。干后再在板面刷上涂料。
画框

纳比派

纳比派

纳比派,法国的艺术社团。始于1888年,是画家高更与塞律希埃两人某次会谈的结果。1891年出现于巴黎,其主要成员是巴黎朱利安美术学院的学生。纳比在希伯来语中意为先知或神秘的启示,取此名称的基本点旨在表明其信念、创作思想同宗教的密切联系。这是一个为期很短的艺术运动,主要参加者是法国的画家和雕塑家。纳比派的主要理论家德尼,将纳比派的特色归纳为两种变形的理论:“客观的变形,它基于纯美学,装饰概念,以及色彩和构图的技术要素;再就是主观的变形,它使画家个人的灵感得以发挥。。。”

纳比派作品,以其坚实的文学和历史基础,以及对于色彩的侧重,与同时代的象征派形成了对照。纳比派画家们为了追求色彩的效果,放弃了僵硬的绘画轮廓,采用卡片纸等吸附力强的画面材料,来代替油画布,以此缓和色泽的效果。有时他们还用蛋白或胶水来调和颜料,这样创作出的作品色泽柔和,富有活力,自成一格。

该派以革新绘画艺术为标榜,广泛吸收P.高更、P.塞尚及日本浮世绘艺术的有益因素,主张在理性和感性的领域里,对自然进行“重新安排”,强调创造诗意的现实,追求平面的装饰效果和象征意义的表达,注重审辨色调及单纯与变形的法则。主要代表有塞律西埃、P.博纳尔、M.德尼、E.维亚尔等。纳比派于1899年解散。

油画写生基础

油画写生基础

概述
油画是用油质颜料在画布(纸、板)上作画的一个画种。它起源于欧洲,流行于全世界。(也有一种说法认为油画起源于我国,我国古代的漆画也是一种油画,传到欧洲,对欧洲油画的发展起了促进作用。)
欧洲古代和中世纪时的绘画,主要是“胶彩画”(用胶水调色作画)、“蜡画”(用蜡调色作画)、“鲜画”(即“湿壁画”)、“蛋粉画”(用鸡蛋和胶水调色作画)。它们的表现方法和画面效果已近似油画,对油画的形成和发展有重要影响。不过,它们的工具性能和作画方式都存在不少缺点,作画很不方便。例如,蜡画要把蜡加热,趁热作画;鲜画要趁墙壁泥灰水潮湿湿时作画;蛋粉画由于调用蛋黄,颜色干得太快。因此,古代画工们一直在寻找更为理想的绘画工具材料。有人就想到用油调色作画。从欧洲十世纪以来就有关于用油调色作画的记载。但是都停留在零星的尝试上,找不到理想的调色油剂。
下到十五世纪初,北欧文艺复兴时期尼德兰画家凡·爱克兄弟(胡伯特·凡·爱克1370——1420,杨·凡·爱克1385——1441),总结前人的经验,经过反复试验,终于找到了理想的调色油剂——亚麻仁油、核桃油。用它们研调的颜色,色彩不变,色层牢固,干得不快不慢,便于作画。经过凡·爱克兄弟的革新(他们因此常被称作是油画的发明人),油画开始成形,并且很快地传到意大利等国,迅速成为欧洲绘画中的主要画种。数百年来,油画的工具材料和技术得到了不断的改进和发展,名家辈出,流派纷呈,构成了瑰丽发彩的艺术传统。
油画传入我国主要是在清末民初之际,由于历史和社会的原因,长期发展缓慢。油画在我国得到真正的重视和发展,是在新中国成立之后。随着美术教育、出版、展览以及中外文化艺术交流的日益发展,油画这一外来艺术形式已逐渐为我国人民群众所熟悉和喜爱,油画作者队伍也不断扩大,并出了象《开国大典》、《蒋家王朝的覆灭》和《父亲》等大型油画创作。油画已和中国画一样,成为我国主要的画种之一。当然,也应看到油画对我国来说,毕竟是一个外来的画种,还需要继续向外国学习和借鉴,进一步探索油画的中国气氛和民族特色,使其更好地为我广大群众所喜闻乐见。
本站上传的这是一本油写生基础教学参考书,是专门为学习写实油画的初学者入门引路的。不涉及油画创作,也不涉及各种艺术派别。这样范围小点,比较好写。而且对于初学者来说目标明确,效果会更好些。
近年来,我国油画发展很快,正处在蓬勃发展的上升时期,关于油画基础教学有许多新问题尚待研究。但是,写生仍然是培养和训练学生素质不可取代的取代的基本课程。为了避免写生中可能产生的过份依赖对象,束缚学生创造力的弊病,本书在有关章节中作了阐述,并安排了适当的练习以发挥学生的艺术想象力和主动创造精神,希望在阅读和写生实践中引起注意,细心体难其中提到的一些原则,灵活加以运用。
要培养一个真正的画家,基础训练和进行油画创作不应当被看作是完全不相干的两回事,好的写生同样可以成为一件真正的艺术品。至为重要的是不要把油画写生与摹仿自然划等号,它自始至终渗透着画家的审美意趣和发自心底的灵性。如果失去这一点油画写生就只能是自然物的一个外表躯壳,这无论对一个学生还是画家来说都将是致命的。
油画写生基础
对于一个下决心学习油画的年青人,我相信这本书将会是有用的。它将比较系统地介绍油画写生的基本原理智方法。书中安排的练习作业可以帮助有志者由浅入深地、有步骤地达到预定目标。
油画是一门比较难于掌握的画种,在画油画之前先要进行一段时间的素描训练。在专业美术院校,通常是从画石膏模型开始,接下去画真人头像。这种素描写生能力的训练对提高学生的造型能力和审美趣味大有好处。在学生基本上掌握了素描石膏像或头像的技巧以后,就可以进入油画写生阶段,在学习油画的同时仍要不断增加素描训练的难度,从画头像进入画半身像、全身像。在美术院校均设有人体课,这些课程都和油画课的进度互相交叉衔接。经验证明,素描训练是学习油画的基础。凡是学习油画的同志都要具备一定的素描基础,没有学过素描的要先学素描,不要急于画油画,急于求成,收效反而慢。

洗笔器的作用及制作方法

洗笔器的作用及制作方法

笔器并非只用于清洗油画笔,它还是作画过程中用来短时间存放画笔的容器,容器中盛有松节油,可溶解悬垂于容器上油画笔的残余颜料,美中不足是松节油容易挥发。洗笔器的另一个用途是能够使画笔悬垂,笔头垂于容器中,而笔毛又不触及容器,可维持笔头的形状,一旦笔头变形是很难恢复如初的。
许多画家喜欢将使用中的画笔暂存于水盘中,这样笔杆的前部常因浸水而脱皮。如果使用洗笔器就不会出现这个问题。无论是松节油,还是水,画笔都不能长时间置于洗笔器中,时间过长松节油对笔毛也会产生伤害,况且一旦松节油挥发掉画笔可能作废。虽然水挥发慢,但水含氧,同样会使笔中的颜料变硬。一旦画笔上有变硬的颜料,应用香蕉水等溶剂软化处理之后再进行清洗。
洗笔器的基本结构如图10。上面一层的底盘上满是小孔,松节油、溶剂汽油等清洗液将画笔上溶解下来的颜料,通过小孔落于底层,这样以来,被上端弹簧固定而悬垂的油画笔能够始终处在干净的溶剂里。

洗笔器可以自制,并且自制的洗笔器更实用。用广口的玻璃瓶作溶剂容器,再用一个恰好能置于其中的小油漆筒或易拉罐,剪去顶部,倒置后用铁钉在筒底部打若干小孔,筒底向上放入玻璃瓶中,并加以固定,注入松节油即可使用。使用方法:将含有颜料的画笔在自制洗笔器中涮洗干净之后,拧好瓶盖搁置一旁,颜料将逐渐沉入瓶底,以保证下次使用时瓶中松节油仍旧是清的。因有隔层,底部沉淀的颜料不会泛上来。每次使用后用盖子封好瓶口,可防止松节油挥发。之所以使用玻璃瓶作容器,是因为能察看出沉淀了多少颜料,过多时就要清理一番。