九月 2020

现实主义

现实主义

现实主义 Realism

法国写实主义又称现实主义,致力于再现现实事物和客观真实表象的艺术,写实画家始终热爱生活,善于观察生活,他们把浪漫主义的激情与日常生活和谐的统一。

19世纪30年代 后欧洲文艺 中占主导地位的 文艺思潮和流派;也指文艺创作的一种原则和方法。  

《依据自己的评价,将自己的时代风俗、思想、外观加以描绘,亦即正确地、忠实地描写出当下活生生的社会环境。》

  写实──是抽象、理想化的反义。写实主义一般解释为依据自己的评价,将自己的思想、外观、社会环境、时代风俗正确、忠实地描写出来。它也泛指自贫困阶层的日常生活中取材,描写低收入者的生活或凡夫俗子的活动。提倡客观地观察现实生活,按照现实生活的本来面貌,真实地表现典型环境中的典型形象,再现生活,从而推动历史前进,现实主义画派代表人物有库尔贝等。

特征:

具有一些共同的基本特征:①它偏重对现实的客观的、具体的、历史的描写,强调人物和环境之间的现实关系。②典型是现实主义创作的核心。典型化和个性化不可分割,每个典型又是“这一个”。巴尔扎克在《人间喜剧》的序言中说:“不仅仅是人物,就是生活上的主要事件,也用典型表达出来。有在形形色色的生活中表现出来的处境,有典型的阶段,而这就是我刻意追求的一种准则。”别林斯基认为果戈理的小说是“现实在其全部真实性上的再现 。在这里 ,关键在于典型”。③具有强烈的批判性或揭露性,特别注重描绘社会的黑暗和丑恶现象,以及社会下层、“小人物”的悲惨遭遇 。④在艺术形式和表现手法上,以生活本身的形式反映生活为其基本形式,但不局限于这一形式。它具有广阔的审美可能性,不排除采用假定、夸张、荒诞、变形、意识流等多种手法。它重视社会分析,包括心理分析。探索人的复杂内心世界的心理描写,是它的艺术特征之一。⑤思想基础一般为资产阶级的人道主义。谴责社会黑暗,同情下层人民的苦难与不平等地位,但一般未触及社会矛盾和现实关系的真正根源。

发展史:

最早起源於法国,其中心也是法国,后波及欧洲各国.法国在新古典主义、浪漫主义之后,於30~70年代间,曾掀起过一场强大的现实主义美术思潮,1848年革命后,首次用"写实主义"这个词来自称.写实主义的代表人物为画家库尔贝,G.,最早的理论家为尚弗勒里,其第一份宣言发表於1855年.库尔贝等所提倡的写实主义既反对僵化了的新古典主义,也反对那追求抽象理想的浪漫主义.它认为现实生活本身便是最适当的题材来源,无须进行粉饰.它坚持表现当代生活,并往往以社会低层人物为作品的主人公和满怀同情地描绘他们的处境,以揭示资本主义社会的不合理性.这种美术运动的形成和发展,有其历史原因.在法国,由於社会阶级矛盾的激化,继1830年革命以后,又掀起了规模更大、波及全欧的1848年革命.这场革命遭到残酷的镇压,"自由、平等、博爱"的口号被践踏,使人们不再抱任何浪漫主义的幻想,而迫切要求对现实作客观的认识.具有批判性质的写实主义,便是这种思想意识在艺术上的反映.

"写实主义"在西语中往往包括两个含义:指艺术的创作方法;指艺术的写实手法.法国19世纪的写实主义美术中两者兼而有之.正是由於库尔贝等的作品在表现手法上是写实的,在内容上有强烈的现实主义精神.

30~40年代的巴比松画派,是风景画中的写实主义的代表.跟巴比松画派有密切关系的米勒,J.-F.,是写实主义美术的重要人物,他满怀同情地在创作中描绘农民的生活和劳动.库尔贝是众所公认的写实主义美术运动的领袖.继尚弗勒里於1853年写作《写实主义》一书后,他不仅在1855年发表的著名的写实主义宣言中,提出艺术应真实地表现当代生活,而且以后还宣称:"写实主义就其本质来说是民主的艺术."杜米埃,H.也对发展写实主义美术作出了重要贡献.他参加过1830、1848、1871年的历次法国革命运动,留下了大量反映革命斗争的绘画作品和雕塑.

19世纪中期法国写实主义美术家们发展了美术作品的写实技法,特别在风景画中对表现光线和空间感,作了富有成果的探索.一方面,他们使历来被上层社会不屑一顾的劳动者,在艺术创作中得到了一定的地位;另一方面,在他们的实践和理论中,也有某些偏激之处.例如,库尔贝在反对学院派绘画的僵化了的表现程式和弄虚作假的陈腐内容时,提出绘画只应该去画眼睛直接看到的东西,从而把历史画之类绘画体裁事实上也给否定了.但从整体来看,19世纪中期法国的写实主义美术运动是法国文艺史上光辉的篇章.它对19世纪欧洲各国的文艺运动影响深远,开阔了民主艺术的新阶段.

样式主义

样式主义

样式主义(Mannerism),意大利16世纪中后期的美术流派,代表著盛期文艺复兴渐趋衰落后出现的追求形式的保守倾向。

样式主义一词源出意大利语 maniera,兼指艺术风格及生活风度,并含高雅优美之意。16世纪20年代以来,一批倾慕米开朗基罗和拉斐尔的典雅风格而又务求新奇的艺术家,以追求风格自居,遂被后人视为样式主义流派。此词从17世纪起渐含贬义,有装模作样的讥讽意味。1920年以来,西方美术史学界对样式主义重新作了评价,认为它是盛期文艺复兴美术和巴洛克美术之间的自成一格的流派,其风格演变自有其社会背景,并在西欧形成国际影响。目前讨论仍在深入,争议之点甚多,是研究文艺复兴和近代美术发展方面的一个关键问题。

样式主义的特点是它既有违于盛期文艺复兴美术的一些基本原则,也与日后的巴洛克美术有所不同。它虽仿效米开朗基罗等大师,却只得其形式而失其精神,一般而言,样式主义的作品都注重人体描绘,尤以裸体为多,但姿态怪异,肌肉表现夸张近于畸形;画题多隐晦不明,或别出心裁令人难以理解;布局多呈幻想结构,任意发挥透视技巧,构图之奇违乎常理;用色也光怪陆离,不循自然。但这些特点又是在袭用文艺复兴成果的基本形式上表现出来的,因此总体仍不失新美术的风貌,只有详加考察才能辨其究竟。正因为如此,样式主义在一些国家仍被当作文艺复兴新风格的代表,意义作用皆和本土大有区别。在发展阶段上,样式主义可分为前后两期:1515~1540年为前期,上述反古典主义的特徵表现得最为强烈;1540~1590年为后期,这些特征又具有学院派的倾向,在广采博收盛期文艺复兴大师各家之长的基础上表现得更为精妙。

前期样式主义的代表有佛罗伦萨画家蓬托尔莫,J.da和罗索,F.,佛罗伦萨之外则有朱利奥·罗马诺和帕尔米贾尼诺。产生样式主义的背景是意大利经济停滞,佛罗伦萨共和政治被贵族统治取代,法、德、西班牙武力入侵,特别是1527年德军攻陷罗马,全城惨遭浩劫,不少艺术家身受其害流浪四方,样式主义的怪奇实际上是从不同角度反映了这危机四伏的时代环境。罗马诺为拉斐尔门生,其师死后主要工作于北意的曼图亚,他在此地造的德尔泰宫(1525~1535)随意使用古典柱式,是样式主义建筑的代表作;其中的巨人厅四壁与屋顶皆画以巨人被天神打击殒亡的神话故事,淋漓尽致地抒写地震山崩、世界毁灭的景象,令人怵目惊心。帕尔米贾尼诺的代表作《长颈的圣母》(1534)则故意拉长人体比例,尤以圣母之颈曲如天鹅,追求风格达于极致;技艺虽精,构图布局却有不少荒谬悖理之处。

后期样式主义的代表有 布龙齐诺,Il、瓦萨里,G.、切利尼,B.、C.萨尔维亚蒂、F.普里马蒂乔、詹博洛尼亚以及T.祖卡里、F.祖卡里兄弟。此时期意大利各地的贵族政权已较稳定,他们的宫廷是艺术家主要服务对象。近代形式的艺术学院也首先在佛罗伦萨设立(1563),主持人皆属瓦萨里等样式主义大师。因此后期样式主义更增加了雍容华贵和矜夸傲慢的贵族气派,刻意追求形式之美几近病态。但在具体创作实践上,样式主义倾向与文艺复兴成果仍糅合并存,有时且瑕不掩瑜,续出佳作,如瓦萨里的乌菲齐宫、詹博洛尼亚的雕刻《墨丘利神像》(1564)、《萨宾人之劫》(1579~1583)等。普里马蒂乔继罗索之后,把意大利美术传于法国,在枫丹白露宫完成了一系列使法人惊为观止的装修工程,推动了法国文艺复兴美术的发展。

选择与保养油画笔

选择与保养油画笔

油画笔由三部分组成:笔杆、金属箍和笔毛。油画笔的质量关键在笔毛,购买时要检查笔毛是否粗细均匀、自然,不应当是修剪过的。商店出售的画笔笔毛通常是用胶粘在一起的,用手捻开后不应呈散开状,同时要查看金属箍是否牢固,有横向波纹的较好。最后要看画笔握在手中是否舒适。
油画笔如果保管得当,能够延长其使用寿命。画笔使用后应及时清洗,以免颜料干在笔毛上,长期不用时应彻底清洗并用纸封存。
(1)若短时间不使用,可先用布或纸把残留在画笔上的颜料擦掉,再用松节油清洗后浸于水中。
(2)用松节油清洗使用过的画笔,可准备两个盛松节油的广口瓶(如果酱瓶),一个用来初步清洗,除去画笔上存留的颜料;另一个用于进行第二次清洗。
(3)彻底清洗的方法,如图9。
①用松节油清洗后,将笔蘸清水或温水在肥皂上摩擦(注意:不能用开水,因开水对画笔的金属箍有损害)。
②用手指挤压或在手心里转动笔毛。
③反复上述动作,直到皂沫变白。
④用清水冲洗后,理顺笔毛,用稍硬一点的纸条将笔包起来存放,以备后用。

清洗画笔时,用力要适度,否则易伤笔毛。所用皂液必须是弱碱皂(国外有专用的画笔清洗皂),以防笔毛硬化。可以使用丝毛洗涤剂,绝不可使用油漆稀料,它会使笔毛因失掉油质而脆化。磨短了的油画笔通常会被丢掉,如果在火苗上加热金属箍,将笔毛拉出一点而不改变笔毛的形状,便可延长画笔的使用寿命,这样做不仅节约而且有趣。

新印象主义

新印象主义

新印象主义

neo-impressionism

继印象主义之后在法国出现的美术流派。奠基人之一P.西涅克为其定义:“他们是自1886年以来发展了分割技术的人,分割主义用色彩和色彩进行光的混合,以此表现自己的意图。”即采用纯粹的色彩用小点块的方法,彼此相邻近地排列于画布上,以克罗斯《遇险》求得比在画板上进行色调混合的更高明亮度,故又称点彩派。其出现与科学的迅猛发展有密切联系,光学和色彩学的理论以及实验成果,有力地推动了它的发展。其理论是:①色彩的分割理论,及分割法。②主张色彩、线的表现性与情感的特质相结合。新印象主义既是印象主义的某些技法和科学实践相结合的产物,同时也是印象派(凭直觉、凭经验的写实主义)向古典主义(重法则、重理论、重秩序)的转化。代表人物有G.修拉、西涅克、M. 吕斯、H.-E. 克罗斯等。

油画的色彩问题

油画的色彩问题

一、色彩问题是油画的中心课题
油画是用色彩塑造形象的,色彩是油画的主要表现手段。平常说素描是造型的基础,这是不错的。在油画中,素描是包含在色彩之中的,对象的形体结构、明暗层次、空间关系和质量感等,都是通过色彩来表现的。油画工具在使用色彩、表现色彩方面有明显的优越性,有丰富的表现力。同时对色彩的要求也更严、更高。在水彩画中,恰当地使用水分常可掩盖色彩表现上的不足。水粉画颜色的粉质特征,使色彩鲜明、艳丽、润润,但不易表现丰富的中间色调和深暗色调。在油画中,则主要是靠色彩自身的力量,色彩问题在油画中是十分敏感的,色彩上的微小不足和差错,都会很快地暴露出来。接触过一段时间水彩、水粉再学和油画的同志,常有这样的相同体会:先学水彩、水粉再学油画的,在色彩上会仍然感到比较吃力,甚至不易纠正所谓的“水粉味”(指画面色彩比较单薄);相反,先学油画再学水彩、水粉时,多半在色彩上问题不是很大,主要是如何熟悉工具性能方面的问题。这也说明了油画与色彩的密切关系。再从油画的历史来看,也是色彩的表现力及其重要性得到不断丰富和发展的过程。今天我们接触到的比较系统的、科学的绘画色彩写生理论,可以说主要是在油画的实践中发展和总结出来的。
因此,现在普遍认为色彩问题是油画的一个中心课题。学习油画就是需要把注意力集中到研究色彩造型的规律上来,培养敏锐的色彩感觉,掌握正确的观察、分析和表现色彩的科学方法。
二、油画色彩的三个发展阶段
色彩在油画中的作用和表现方法,有一个不断发展的过程。如果加以大的归纳,可以分为下述三个大阶段。
从文艺复兴时期油画形成之初到十九世纪印象派绘画出现之前的四百年间,概括地说油画色彩还处于从属于素描的地位。油画色彩基本上是以表现对象的固有色和明暗关系为主,在表现物体的亮部与暗部、受光和阴影的色彩时,基本上是明暗、黑白的变化关系,画面的整个色彩都是统一于一定的素描关系之中。这段时期的油画基本是以透明画法为主。透明画法就是先着重解决形与明暗,再解决色彩的一种画法。例如,达芬奇的《蒙娜丽丽莎》中人物的面部和双手的色彩,十分细腻、柔和,但从表现方法上看显然是丰富的明暗色阶的生当选渐变。十七世纪佛兰德斯大画家鲁本斯是一位著名的色彩大师,其作品给人以色彩热烈华美、富丽夺目的感觉。他有丰富的色彩想象力,注意色调和大色块的对比处理,但总的来说他仍然是用素描关系来驾驭、统制色彩的,是用明暗关系把色彩统一起来的。在这一时期的风景画中,这种色彩从属于素描、以表现固有色和明暗为主的特点,就表现得更加明显。文艺复兴时期的风景画,虽然已经初步运用色彩的冷暖变化来表现景物的空间层次,如画前景用暖褐色、中景用棕绿色、远景用冷青灰色。但这几乎是一种程式,起主要作用的还是明暗关系——近景明暗对比强烈,逐渐向远景的灰色递减。这种方法一直被沿袭下来。这样的风景画今天看起来近乎单色素描,整个色彩显得灰暗、沉闷而虚假,明显地暴露出对外光的光色关系和阳肖下景物的灿烂色彩的无能为力。当然这不是完全否定这一时期的油画,这是从油画色彩的发展过程来说的。这种油画方法也自它的特点,它在表现对象的形体、明暗、空间和质量感方面,在组织色块对比方面,同样有很强的表现力。而且,形式风格也是多种多样的,并非一个模样、一成不变的。四百年来出现了不少的色彩巨匠,从意大利文艺复兴时期威尼斯画派的提香,到十七世纪的鲁本斯、伦勃朗、委拉斯开兹再到十八世纪的戈雅和十九世纪的浪漫派主将德拉克洛瓦等,油画色彩的表现方法以及色彩在油画中的重要性和表现力,是不断提高、日益发展的,为在十九世纪中叶油画色彩的重要突破奠定了基础。
十九世纪六、七十年代法国印象派绘画的出现,是油画色彩方法上的一个重大的转折。 印象派画家吸收了当代自然科学关于色彩光学原理的的研究成果,继承了前人在绘画色彩上的经验,加上自己的刻苦实践,认识到光与色的密切关系,物体的颜色并非固定不变的,物体的色彩是在光源、环境、空气的具体条件下变化的,形成各种不同的色调;认识到暗部和阴影并非无色,并非是固有色的简单加深、加黑(亮部和受光处的颜色也不是固有色的简单加白、加亮)。他们用冷暖对比、补色对比来表现对象上亮部与暗部、受光处和阴影的明暗关系,从而使绘画色彩从固有色概念的长期束缚下解放出来。他们又根据光与色的关系,尝试把颜色还原、分解为日光的光色,大胆地使用鲜明而纯净的原色(他们较少使用黑色和土褐色系的颜色),把散涂笔法发展为连续的、跳跃的小笔触。同时,他们坚持户外写生,强调感觉、瞬间印象和整体观察,捕捉瞬息万变的光色气氛,善于觉察和表现在素描上(明暗上)几乎没有反应的光色关系的微妙变化。同一景物他们可以画出不同光照下的不同色调的多幅连作,仔细区分光色气氛的细微差别,呈现出不同的色调美。他们不再采用传统的透明画法,改用直接画法,不打底色稿,用厚涂的、不透明的颜色直接在洁白的画布作画,直接解决形与色、色彩关系和素描关系。这一切,使画面焕然一新,色彩变得无比绚丽、响亮,使自然景物在阳光、空气中的灿烂景象得到了前所未有的真实、生动的表现。这是整个油画表现方法,从色彩观念到观察的表现技法上的一次大变革。从此,色彩成为油画的主要表现手段,色彩的表现烽也大大地丰富了。
从十九世纪末至二十世纪初的以后期印象派和野兽派为代表的色彩表现方法,是油画发展的第三个大阶段。这些画家都在不同程度上受过印象派的影响,但又都认为印象派绘画在色彩表现上太过客观,大受自然光色关系的约束,太不稳定。他们从东方艺术、从民间和原始艺术中获得启迪,重视对色彩的提炼、概括,重视色彩的寓意、象征等心理因素,强调自己的主观感受,而不拘泥于对光色气氛的如实描绘。他们在造型上不再遵循传统的立体表现和透视法则,而大胆采用变形、装饰和平面化处理。在色彩上则是运用色块组合的对比、协调关系和引起的心理反应,以获得所需要的色彩效果。例如,著名的后期印象派画家高更所作的《市场》一幅晨所呈现的南国强烈阳光下的灿烂景象,不是通过对人物、景物在一定的光源、环境里的光色关系的如实描绘来获得的。他舍弃了对光源色、环境色的描写,而是对色彩进行高度的概括和综合,通过色块组合所产生的对比关系,而得到视觉和心理的效果的。其阳光灼热、耀眼的程度,决不下于印象派绘画所能给我们的感觉。因而,这种色彩方法不仅有别于印象派绘画,而且大胆地突破了文艺复兴时期以来要求如实表现对象的传统绘画观念和方法。从一定的意义上说,这种色彩方法更突出了色彩的作用,赋予画家在使用色彩上更为宽广的想象和创造的天地。法国的野兽派,德国的表现主义和维也纳分离等现代绘画流派,都可归于这种色彩方法。

超现实主义

超现实主义

超现实主义是以排斥理性的支配,表现非合理的,下意识的世界艺术革新运动,和抽象美术同为20 世纪最重要的艺术思潮之一,是达达派的继续。1925年在巴黎举办了首届超现实主义综合画展。1938年巴黎国际超现实派画展是这个运动的峰巅。在技法方面,有拼贴画、摹拓法、印花釉法,写实性的有描绘法。以达利、玛格利特德尔沃米罗、克利为代表。特别是达利把绘画看作是想象世界的自制的彩色照片。通过所谓超现实派的客体纯化物体的实用性使之作用于主观深处并转化为艺术品。米罗是西班牙加泰隆人,是超现实主义伟大天才之一,20世纪绘画大师。开始模仿凡· 高;后来很佩服毕加索;受日本版画影响。第二次世界大战后,米罗运用厚实颜料进行大量创作,大胆运用图案的造型、粗壮厚重笔触和强烈色彩。代表作有《拿着镜子的裸体》、《小丑狂欢节》、《构图》、《血红的太阳》、《裸》等。克利是20世纪变化最多、最难理解和才华横溢的人杰之一。他把绘画或者创作活动,看作不可思议的体验,在这个体验过程中,艺术家在得到启发的时刻,把内心的幻象和对外部世界的体验结合起来。克利和蒙德里安与康定斯基那样,在绘画中运用几何要素——点、线、面和体。他的代表作有《围绕着鱼》、《红气球》、《高尚的园丁》、《黄鸟风景》等。

油画的收藏和保存

油画的收藏和保存

修复的认识:大自然中的任何有机体,经历岁月的流逝都会逐渐的变老、变旧。许多油画作品在种自然法则的演变中,也逐渐出现各种劣化的问题,甚至面临保存的瓶颈,油画修复是肩负治疗劣化的问题,达到传承作品原貌的目的,让后人有机会看到前人艺术的面貌。但迄今仍有些人对油画修复的真正功能保持存疑的态度,甚至被一种根深蒂固的错误观念所误导,因而否定一件经过良好修复作品的价值。 喜爱艺术品进而收藏拥有,除了喜爱外,当我们拥有它时,就要如照顾自己小孩一样地去呵护爱护它。观看古今中外美术馆,我们有幸能看到百年前大师所留下作品,不外就是有着良好收藏保存及修复,才能不断公诸展示您我面前。
第一从如何保存一件心爱的油画作品,有个基本认识:
(一) 购画前多注意作品本身材料使用是否得当。
(二) 画作均以装框较易受到完整安全的保护。
(三) 挂画展示的选择,首先是避免太阳直接照射,因为紫外线易分解颜料中的分子 结构而褪色。另外避免接近厨房、浴厕或是潮湿地方,一般温度以20~25℃及湿度50%左右,并以通风佳为考虑。
(四) 目前国内西画装框均已有压克力,除保护画面外更能隔离空气中的灰尘及虫子污染,但平常切忌以清洁剂擦拭以免污染画本身。
(五) 定期的检验与保养,所谓预防胜于治疗,在一定时间内应请专业修复师检视,早期发现问题可减少病变的恶化。
第二对油画作品经常遇到的问题及基本结构认识:
(一) 油画作品基本结构可分为 1. 底基物:又简称「画布」或「画板」,材质可分为麻布、绵布、合成纤维,而画板则有木板、纸。 2. 涂底层:介于画布与绘画层( 颜色层)之中,虽只是薄薄的一层,但所肩负的责任就如女人在上妆前的粉底一样重要,缺少这层将使绘画层因附着不佳而快速剥落,其材料可分为水性与油性。 3. 绘画层:颜料主要来源可分为有机色粉与无机色粉,有机色粉因其分子结构较活泼易起变化,常会引发局部性的发霉与褪色,其中如黑色、紫色、红色、绿色就保存上要多留意,无机色粉则无上述缺失。此外,油脂化合物中的干性油是与空气接触后,将产生氧化作用,而逐渐干硬,许多绘画层的龟裂纹就时常会发生。 4. 保护层:又称凡尼斯,它如一层透明的薄膜附着于绘画层的上面,主要功能在保护绘画层不受到直接污染(但凡尼斯质量良莠不齐如果涂到劣质凡尼斯,日后氧化会慢慢引起病变,绘画层的色泽被泛黄的凡尼斯所覆盖而失去原有色彩,俗称凡尼斯层的氧化病变。另一种是绘画层未完全干燥就涂上凡尼斯因而存在绘画层内部的湿气无处挥发,逐渐形成有点暗灰色霉点,称之为滞怠性的霉化作用。)
(二) 油画修复经常性的问题 1. 油画的清洗:因受到空气中杂质日积月累的污染,自然会渐渐失去它原有的光彩。而清洗重点可分为 l 凡尼斯层(保护层) l 绘画层的污染 l 重新复笔(作品完成后一段时间被第三者或画家本人,又在画面上加笔,此种复笔,已影响原画的感觉时可将此复笔去除恢复原貌。治疗而不伤害,还原而不变质,清洁而不艳丽是清洗作品的最高境界。) 2. 为什么画会龟裂 a. 年代的龟裂纹 l 底基物的蠕动:绘画层因逐渐老化而失去弹性,因此无法适应底基物膨涨与收缩的变化,渐渐形成绘画层的分裂,有如蜘蛛网纹,这是自然现象。 l 局部撞伤:在搬运过程中,碰撞或压伤,通常形状是同心圆或蜗牛式向外扩张。 l 人为失误:已完成年代久的作品,绘画层已干硬,有时为方便携带而拆框卷成圆型。 b. 过早的龟裂纹:原因出自艺术家作画时,技法的应用不当,或是对材料特性认识不清。实际上龟裂纹的产生并不可怕,只要适当给予治疗就可以控制龟裂的蔓延,浮起的绘画层或即将剥落的颜色都可以重新抚平。 c. 画布移植:十六世纪开始采用麻布为底基物,一般上等麻布保存时间为200年左右,而保存环境已影响画布寿命长短,因潮湿或画家使用较次的麻布、绵布甚至是麻布袋(米袋、面粉袋)有些作品已破旧不堪,为使作品生命延续,就必需进行绘画作品的移植手术。
第三建立正确修复观念:
(一)当作品出现病变时,多数人找画家本人来修复,但创作与修复是两个截然不同的领域,许多因认知不同而造成二度伤害。
(二)任何作品病变都是有其原因,无论是画家材料不当使用或保存环境不佳,甚是年代自然老化,都有其治疗方式。所以必须找到专业认知,有艺术涵养的修复师。 (三)修复费用的质疑,许多人将作品的修复看成艺术品买卖一样作品愈大应该愈贵,其实不然,修复费用的多寡是以病变轻重差异而不同。 专业修复已扮演了艺术市场不可或缺的角色,修复师为其修复的作品负责任,画廊对收藏家也负起健康完整的画作才卖出的责任,而收藏家买回的作品也当定期请修复师做检查,各尽其责之下,自然会将作品一代一代传承下去,就如我们去欣赏林布兰、拉斐尔、提香等大师作品。

新造型主义

新造型主义

1917年在荷兰出现的几何抽象主义画派,以《风格》杂志为中心。创始人为T.van杜斯堡,主要领袖为P.蒙德里安。蒙德里安喜欢用新造型主义这个名称,所以风格派又称作新造型主义。风格派完全拒绝使用任何的具象元素,主张 用纯粹几何形的抽象来表现纯粹的精神。认为拋开具体描绘,拋开细节,才能避免个别性和特殊性,获得人类共通的纯粹精神表现。

参加风格派的,还有匈牙利画家V.胡萨尔﹑建筑师J.J.P.乌德﹑诗人A.考克﹑雕刻家G.凡顿格洛等。在”抽象化与单纯化”的口号下,风格派提倡数学精神,凡是缺乏明确与秩序的东西,都被他们称作是巴洛克,统统予以反对。蒙德里安﹑杜斯堡等人的绘画,在平面上把横线和竖线加以结合,形成直角或长方形,并在其间安排原色红﹑蓝﹑黄。凡顿格洛则把这种原则运用到雕塑中,与蒙德里安不同的是,他的作品是以数学的解析为基础的,由一些简单的立体单元,用垂直和平行的对称方式组合成一定的空间模式,风格派对20世纪上半期的建筑,产生了相当大的影响。

风格派产生于第一次世界大战期间。艺术家们看到了社会的矛盾和混乱,看到了资本主义社会的腐朽。他们不懂得社会发展的规律,误以为用精神和艺术可以来拯救社会,可以用几何的﹑规则的抽象线条与色彩来建立一个精神王国,以取代资本主义世界。所以说,风格派的思想基础是唯心主义和空想社会主义。风格派的活动继续到1931年。

油画鉴别

油画鉴别

随着生活水平的提高和人们审美观念的更新,目前家居装饰逐渐向着重装饰、轻装修的方向发展,艺术品无疑是居室装饰非常好的选择。如油画作品,就经常被喜爱艺术的居室主人“收”进家中,既是装饰,又是收藏,真是一举两得的好方法。
目前市场上的油画从工艺上分为两种:电脑油画和绘制油画。电脑油画用手摸上去无凹凸的油画颜料质感,更准确地说只是一种印刷品,只具备油画的“形”,不具备油画的“质”,这种画在很多装饰市场都能买到,但没有任何艺术价值。另一种绘制油画为市场主流,但绘制油画中存在一种被俗称为“行画”的油画。此类油画大多工艺粗糙、色彩单调、手法简单。其绘制方法类似于手工作坊的做法,通常几十到上百张一起完成,第一人画所有蓝色,如蓝天、大海等;第二人画所有绿色,如山、树、水等;第三人再画所有红色……依此类推。此类画作没有什么艺术或收藏价值。
真正意义上的油画正在成为家居装饰中的主流。一般以创作的作品或者严谨的临摹作品为主。从形式上画家一般选择亚麻或棉麻为画布,其中油画的颜料也不同。一般好的油画颜料色彩鲜艳、附着力强、不褪色、宜永久保存。外框多选纯实木附聚酯压花,有些还加金箔。目前市场上有投资潜力的油画是由国内知名画家创作的作品,它们大多在国内美展中多次入展而且被国内外文化机构收藏,或具备有艺术水准的相关证明,而一个专业画廊收藏的创作油画作品数量多少也是选择购买地点的一项指标,只有有实力的画廊才会拥有较多位画家画作的代理权。

巴比松画派

巴比松画派

巴比松画派

Barbizon School

法国19世纪的风景画派。巴比松为法国巴黎枫丹白露森林进口处,风景优美。19世纪30~40年代,一批不满七月王朝统治和学院派绘画的画家,陆续来此定居作画,形成画派。它不仅以写实手法表现自然的外貌,并且致力于探索自然界的内在 生命,力求在作品中表达出画家对自然的真诚感受,以真实的自然风景画创作否定了学院派虚假的历史风景画程式,揭开了19世纪法国声势巨大的现实主义美术运动的序幕。他们厌倦都市活动,信奉“回归自然”。 其成员有 T.卢梭、N.-V.迪亚兹·德拉佩纳、C.特罗容、C.- F.多比尼、C.-E.雅克等,其中卢 梭为其领袖。C.柯罗与 J.-F.米莱与此画派关系密切。巴比松画派的画家们反对学院派画家在室内画风景画,主张走出画室在自然光下对景写生,然后以写生稿为基础,进行风景画创作。他们的创作经验,特别是对景写生,以求获得真实新鲜的感受和使画面色调响亮起来的艺术主张和实践,给欧美风景画家,包括印象主义画家以重要启示。