九月 2020

油画技巧及介绍

油画技巧及介绍


  挫是用油画笔的根部落笔着色的方法,按下笔后稍作挫动然后提起,如书法的逆锋行笔,苍劲结实。笔尖与笔根蘸取颜色的差异、按笔的轻重方向不同能产生多种变化和趣味。


  用宽的油画笔或扇形笔蘸色后在画面上轻轻拍打的技法称为拍。拍能产生一定的起伏肌理,既不十分明显,又不致过于简单,也可处理原先太强的笔触或色彩,使其减弱。


  揉是指把画面上两种或几种不同的颜色用笔直接操合的方法,颜色操合后产生自然的混合变化,获得微妙而鲜明的色彩及明暗对比,并可起到过渡衔接的作用。

线
  线是指用笔勾画的线条,油画勾线一般用软毫的尖头绪,但在不同的风格中,圆头、校形和旧的扁笔也可勾画出类似书强中锋般的浑厚线条。东西方绘画开始时都是用线造型的,在早期油画中通常都以精确严谨的线条轮廓起稿,坦泼拉技法中排线法是形成明暗的主要手段。西方油画到后来才演变为以明暗和体首为主,但尽管如此,油画中线的因素也从未消失过。纤细、豪放、工整或随意不拘以及反复交错叠压的各种线条运用,使油画语言更为丰富,不同形体边线的处理更是十分重要。东方绘画的用线也影响了很多西方现代大师的风格,如马蒂斯、凡高、毕加索、米罗和克利等都是用线的高手。

油画
  油画是西洋绘画中的主要的一个画种。用快干油质调和颜料,绘制在经过处理的画布、板、厚纸或墙面上的绘画艺术。早期油画采有“坦泼拉”(Tempere)画法,即用鸡蛋黄或蛋清作为调料溶合矿物颜料作画,再作薄而透明油色罩在画上。15世纪,尼德兰画家凡? 爱克兄弟改用亚麻仁油和核桃油等快干油作为调和剂,使颜色易于调和,被广泛地运用。特点为运笔自如,并可层层敷设,提高色彩亮度,能较充分地表现物体的真实感和丰富的色彩效果。从此,新材料和新技法很快流传全欧洲。凡? 爱克兄弟因此被称作欧洲油画的创造人。20世纪初我国出现研习油画者渐多,其中李叔同(1880—1952)最早研习油画并把这种技法介绍到中国来。


  扫常用来衔接两个邻接的色块,使之不太生硬,趁颜色未干时以干净的扇形笔轻轻扫掠就可达到此目的。也可在底层色上用笔将另一种颜色扫上去来产生上下交错、松动而不腻死的色彩效果。


  指用硬的猪鬃画笔蘸色后以笔的头部垂直地将颜料跺在画面上。跺的方法不很常用,通常只在局部需要特殊肌理的时候才应用。

乳剂材料
  乳剂材料是一种具有悠久历史的优秀传统材料,在现代得到了新的发展。乳剂型材料是兼含有水性和油性成分的混合型材料,两者的优点也兼而有之。各种坦培拉绘画材料如蛋彩、酪彩以及蜡质材料都是属于乳剂系列的。乳剂材料可用水稀释,干燥速度快,类似水性材料;可以作不透明厚涂,干后不溶于水,又具有油性材料的优点。各类现代的丙烯、乙烯合成颜料等既保留了传统乳剂材料的特点,又具备油性材料的长处,并且还有其它材料无法替代的效果,是有着很大发展前途的新型材料。

油性材料
  使用油性材料以及天然树脂作为绘画媒介剂的主要画种是油画,它是由传统蛋彩和酿蛋白等乳剂型材料演变发展而来的。油性材料的特点是干燥缓慢、有光泽并可反复覆盖厚涂。油性材料具有强烈的表现力和丰富的技法效果,可以说几乎包容了所有其它材料和画种的技法特点。油性材料的特性允许深入细微地刻画对象的造型,可以表现出对象丰富逼真的色彩关系,从而符合了14世纪以来人们再现视觉真实的愿望,促进了西方绘画向写实发展的进程。油画诞生后一直在西方画坛占主要地位,并在全世界范围得到发展,这也证明了油性材料的优越性。从水性材料到油性材料的过渡是一个漫长的变革过程,几乎经历了数千年的时间,是绘画材料技法乃至艺术史上的重大突破。油与树脂的使用是使西方绘画材料技法区别于东方绘画材料技法的重要特征之一。


  拉是指油画中有时需要画出坚挺的线条和物体边缘如画锋利即剑或玻璃的侧面等,这时可用画刀调准颜色后用刀刃一侧将颜色在画面上拉出色线或色面,画刀画出的形体坚实肯定,是画笔或其它方法难以达到的。


  擦是把画笔横卧,用画笔的腹部在画面鼓擦,通常擦时用较少的颜色大面积进行,可形成不很明显的笔触,也是铺底层色的常用方法。在干了的底色或起伏的肌理上用擦的笔法可画出类似国画飞白的效果,使底层肌理更为明显。


  抑是用刀的底面在湿的颜色层上轻轻向下压后提起,颜色表面会产生特殊的肌理。在有些需要刻画特殊质感的地方用抑技法可达到预期的效果。

水性材料
  人类最早使用的颜料是以水溶性材料为主的。在早期绘画中自发地以水、树胶或动物胶等天然的物质作为颜料的稀释剂和粘合剂是十分自然的,它们取材方便,使用简单,这在东西方早期绘画中是一致的。今天的水彩和水粉的颜料等都是水性媒介型的,其表现技法自由、流畅,可产生轻快、透明的效果,也是中国画、日本画等东方绘画的主要材料类型。

油画材料
  油画材料可分为基底材料、油画颜料和媒介剂材料三大类。基底材料指承载绘画颜料层的依托材料和底子涂料。油画颜料是绘制时直接表达绘画的色彩和肌理效果的主要材料。媒介剂材料则是用于调整颜料性状并使其和基底材料结合在一起的各种稀释剂、结合剂和上光剂等。


  砌的方法是用刀代替画笔,像泥瓦匠用泥刀环泥灰那样将颜色砌到画布上去,直接留下刀痕。用砌的方法可以有不同的厚薄层次变化,刀的大小和形状以及用刀的方向不同也会产生丰富的对比。用画刀调取不同的颜色不作过多调合,任其在画面上自然地混合能产生微妙的色彩关系。起伏过大的色层也可用砌的方法将其砌平。砌的方法如果使用得当,就会有很强的塑造感


  划指用画刀的刀锋在未干的颜色上刻画出阴线条和形有时可露出底层色来。不同的画刀能产生深浅粗细不同的变与画笔的笔触及画刀利的技法产生的色面形成点、线、面的对起伏的肌理变化。


  点——众法自点始,一切笔法均出发于点。早在古典坦培拉技法中,点画法就是一种表现层次的重要技法。在维米尔的作品中也使用了点的笔触来表现光的闪烁和物体质地。印象派时点彩笔法成了其基本特征之一,但莫奈、雷诺阿和毕沙罗等的点法各自具有不同的变化和个性。新印象派则走向极端,机械地将点作为其唯一的笔法。现代写实油画中也有沿用以点的疏密来产生明暗层次的,可以造成肯定又不死板的过渡。点的方法在综合性画法中与线条和体面结合可产生丰富的对比,用不同形状和质地的油画笔又可产生不同的点状笔触,对表现某些物体的质感能起独特的作用。


  刮是油画刀的基本用途,刮的方法一般是用刀刃刮去画面上画得不理想的部分,也可用刀刮去不必要的细节或减弱过于强的关系,让显得紧张的画面关系松弛下来。长期作业在一天作业结束时往往需要把本画完的部分颜色用刀刮去以便及时干燥,待第二天接着画。颜色干后也可用画刀或剃须刀把高低不平处刮得平整一些。还可在未干的颜色层上用刀刮,使之露出底色从而显现各种肌理。

海牙画派

海牙画派

荷兰画家集团,1860~1900年间活跃于海牙。他们致力于用写实手法来绘制风俗画和风景画,以表现他们所熟悉的民间生活和环境,并揭示其本质。因而,这个画派被人们认为是17世纪荷兰现实主义画派的延续和发展。不过,海牙画派的作品往往带有某种浪漫色彩和怀旧情绪,使它跟同时期的法国巴比松画派和印象主义在创作倾向上有所不同。海牙画派的风俗画大多取材劳动人民生活。其风景画则选择具有地方特色的题材,并着重表现外光效果。海牙画派的成员有J.伊斯拉埃尔斯﹑J.H.韦森布吕赫﹑J.博斯博姆﹑A.毛夫﹑马里斯三兄弟﹑H.W.梅斯达等。伊斯拉埃尔斯为这个画派中最有名的风俗画家。他有不少作品表现贫苦渔民的生活,画中阴沉而简陋的室内环境,渲染着场面的悲剧性,而光线处理方面则受到伦勃朗的影响。M.马里斯于1877年起定居英国,受拉斐尔前派绘画影响,他那些略嫌甜腻的风俗画仍然洋溢着生活情趣。在风景画家中,毛夫,梅斯达﹑韦森布吕赫﹑J.马里斯等各有专长。他们发展了17世纪荷兰风景画传统,并在不同程度上受到同时期法国风景画的影响。其中J.马里斯晚年成为荷兰印象派绘画的创始者。

分辨和把握色调的主要途径

分辨和把握色调的主要途径

一幅优秀的色彩静物写生作品必然是有其独特色调倾向的,那种杂乱无章、各自为政、无调性的色彩作品是不会引起人们的美感的。
   在一组静物中,我们如何感受或“找到”这种色调呢?色调是指在一组静物中的物体色彩所构成的总的色彩倾向。在写生训练中,有时我们注视对象,感到色调的倾向不是很明显,这时我们应当采取整体观察和归类定位的方法,这样我们就能抓往一组物体的基本色调。例如:我们首先感受一下静物的背景,衬布与物体之间哪种色彩占的比例大,衬布的色彩倾向与主要静物的色彩是协调的还是对比关系。如果衬布与主要静物的色彩属同类色系的范围,那么它们就基本决定了这组静物的色调倾向,占据画面主要位置大面积的衬布颜色就构成了该画面的主要色调。静物的摆布与组织,通常是在以大面积的具有某一色彩倾向的衬布或物体占据主控位置的基础上,配以具有其他色彩的一些小面积的衬布,以此与物体产生对比关系,从而活跃画面。
   在对一组静物的色块面积的分布和比例构成上有了初步的感受和比较分类之后,为了明确色调的具体定位,我们应当学会从下列几个方面来辨别其特点:从明度上来分,有亮色调(或称高调),有暗色调;从色性上来分,有冷色调、暖色调和中性色调;从色相上来分,有褐调子、紫调子、黄灰调子等。这些都是该组静物中的整体色彩的总体倾向所构成的色调。我们应在写生中牢牢地把握并记住静物的色调,并将其贯穿于写生的始终。

立体主义

立体主义

西方现代艺术史上的一个运动和流派。又译为立方主义,1908年始于法国。这个名称的出现含有偶然性。1908年,G.布拉克在卡恩韦勒画廊展出作品,评论家L.活塞列斯在《吉尔.布拉斯》杂志上评论说:”布拉克先生将每件事物都还原了……成为立方体”,这种画风因此得名。立体主义的主将是P.毕加索和布拉克。毕加索的油画《弹曼多林的少女》(1910),被认为是包含了立体主义因素的作品。

立体主义绘画方法的产生,经历了一个酝酿过程。20世纪初巴黎画坛异常活跃。继后印象主义﹑象征主义之后,年轻的艺术家们普遍关注的是如何革新形式,来表现在迅猛变革的工业社会里人们的内在情绪和心理。新的流派在法国﹑德国﹑意大利和俄国相继出现。在法国,继野兽主义崛起后,另一群文艺家常在蒙马尔特的”流动洗衣房”聚会。参加的有毕加索﹑布拉克﹑M.洛朗森﹑G.阿波利奈尔﹑A.萨尔蒙﹑M.雷纳尔﹑J.格里斯﹑F.莱热等。支持他们的有画商D.-H.卡恩韦勒,他在1907年在巴黎开办了画廊,这便是被人们称作的立体主义社团。参予立体主义活动的还有R.德洛内﹑A.格莱兹。1910年,以J.维荣为中心,建立起新的立体派社团,因经常在法国皮托活动,被称作皮托集团。荷兰画家P.蒙德里安﹑墨西哥的J.de里维拉也与皮托集团有联系。他们赋予分析的立体主义以秩序和规则,从而促进了立体主义朝着更为抽象和主观的方向发展。从1912年开始,毕加索等又进行综合的立体主义的试验。在分析的立体主义破碎而又剔透的结构中,还保留着强烈的光线和某种空间感。画家们将不同状态及不同视点所观察到的对象,集中地表现于单一的平面上,造成一个总体经验的效果。综合的立体主义不再从解剖﹑分析一定的对象着手,而是利用多种不同素材的组合去创造一个新的母题,并且采用实物拼贴的手法,试图使艺术家接近生活中平凡的真实。

虽然作为立体主义分支的黄金分割社于1920﹑1925年继续举行展览,但作为艺术运动的立体主义早在1914年便失去活力。
立体主义是富有理念的艺术流派。它主要追求一种几何形体的美,追求形式的排列组合所产生的美感。它否定了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法,把三度空间的画面归结成平面的﹑两度空间的画面。明暗﹑光线﹑空气﹑氛围表现的趣味让位于由直线﹑曲线所构成的轮廓﹑块面堆积与交错的趣味和情调。不从一个视点看事物,把从不同的视点所观察和理解的,形诸于画面,从而表现出时间的持续性。这样做,显然不主要依靠视觉经验和感性认识,而主要依靠理性﹑观念和思维。

立体主义在反传统的口号下有浓厚的形式主义倾向。但它在艺术形式上的探索,又给现代工艺美术﹑装饰美术﹑建筑美术等注重形式美的实用艺术领域以不小的推动作用。

中国当代油画概观(五)

中国当代油画概观(五)

九、新世纪前后的绘画走势
  90年代中期,一些很另类的艺术,如行为艺术、装置艺术、影像艺术等等十分活跃,而架上绘画则显得相对沉寂。但到了90年代末中国当代油画又兴起了一股新的浪潮。我认为,这既与年青的艺术家们主动借鉴另类的艺术有关,也与市场的启动有关。从整体上看去,虽然新绘画呈现出了多元化的大好局面,但还是有着共同之处的,那就是在关注人的生存状态与回归叙事的同时,一方面越来越远离宏大叙事的传统,转而走向了微观叙事;另一方面越来越强调虚构与夸张在艺术创作中的作用。
  关于前者,我在一些文章与场合中已经说过,这首先是因为在改革开放中成长的年轻艺术家对大而无当的宏大理想与泛政治化的现象毫无兴趣,其次是时代的风潮已经从强调集体主义经验向个人经验的转换。所以,年青轻艺术家更加关注发生在他们身边的人和事,并由此还创作了一大批表达碎片般感受的艺术作品。
  但是,这些年轻艺术家为什么不愿像他们的前辈那样从“反映论”的立场出发,即用“现实主义”的手法去真实客观地再现或记录现实,而要从虚拟美学的立场出发,去制造一些现实中并不存在的“假象”,难道年轻的艺术家的所作所为就是出于创造新艺术风格的考虑吗?
  答案是绝对否定的。从我的了解中,我发现,受康德思想的影响,在这些年轻的艺术家看来,现实或自然仅仅只是一种表象或幻象,只有按自身的理解去破坏这个表象世界,进而制造出一个个“假象”与虚构的事件,才能真正解释本质的世界。可以说,他们是在以自我虚构的方式表现他们自己。当然,因为成长背景、艺术个性、记忆方式与关注点完全不同,所以每个人进入“虚拟”表现的艺术方式是很不一样的。也正是在此过程中,年轻艺术家们方才逐步建立了更新的表征与形式系统。
  而在艺术的表现上,一直以强劲风头席卷当今艺坛的新绘画无论在艺术风格上多么丰富与新奇,其实大多与借鉴各种非绘画类的图像资源有关。作为一种必然结果,大多数新绘画在图像的呈现方式上是完全不同于传统“现实主义”绘画的。总的来说,大多数新绘画在图像资源的借鉴上有着以下三种主要的创作趋势,即重视对影像、各类现存公共图像或卡通、网络与电脑游戏资源的借鉴。毫无疑问,这在具体的实践中其实是很难分开的,因为一些按后二者方式处理画面的艺术家,也在很大程度上借用了摄影抓拍的方式,他们不过是在以非写实的方式处理照片而已。
  云南艺术家李季画的《宠物》,近年来,李季常以没有头部的女人与宠物为表现对象,意在针砭社会上出现的“二奶”现象。在画家看来,画中女郎虽有小猴作为宠物,可她自己也不过是某有钱人的宠物而已。他的作品是请人化装、拍照后,再根据照片画出来的。这与做影像的搞后期制作一样。
  李大方画的《无题》,作品是根据图像的拼装改造后制作出来的,而且用荒诞、夸张的方式表现青年人在一起聚会的感觉。作品中男女青年的着装、姿态与生活方式都清楚地说明了西方文化对他们的巨大影响。
  沈娜的作品《右手系列》表现的是女同性恋题材。可以说,她的作品既涉及了一些人们长期无视的客观现实,也充分表现出西方女性主义在中国的萌生并对当代艺术的影响。她的画受了日本漫画的影响,不过其中也结合了一些表现主义的手法。

巴黎派

巴黎派

在20世纪的20、30年代,巴黎成为世界艺术家淘金之地,先是在巴黎的蒙马特高地,而后在蒙巴纳斯地区,聚集了一批来自西班牙、意大利、俄国.以至日本、中国的外乡移民画家,他们并不卷入当时频繁变幻的现代美术思潮和流派,而是超脱地保持着自己的独特艺术追求,人们称他们为“巴黎派”,但他们实际上并没有一个统一的艺术观念,他们中的许多名字如莫迪里阿尼、 夏加尔、苏汀、基斯林、帕斯金等已经与“巴黎派”一同永久地进入了美术史。

中国当代油画概观(四)

中国当代油画概观(四)

八、90年代中前期的中国当代油画
  90年代中前期的中国当代油画与新世纪前后的中国当代油画有较大区别,所以,我分别加以介绍。
  新潮美术的正式退潮是在1989年2月举办的“中国现代艺术展”之后。除开文艺领域以外的重要因素,我们可以发现,造成这种局面的原因大致是:第一,新潮美术是思想解放运动的产物。在成功突破极左艺术与传统艺术的森严壁垒,进而导致多元化的艺术格局后,它已丧失了前进的目标,更没有了内在动力;第二,参加新潮美术的大多数青年艺术家在实践中越来越清楚地认识到,完全模仿西方现代艺术是不可能有所作为的。更重要的是,应该立足民族的文化传统与现实情境去进行新的创造,否则,真正意义上的中国现当代艺术就永远不会诞生;第三,新潮美术以精英式的方式反抗极左艺术虽然卓有成效,但在很大程度上造成了与社会的脱节,因此,如何以新的方式重建与现实的关系已经成了许多艺术家思考的问题。
  1992年邓小平对南方进行了巡视,重新启动了经济改革的开放,这也使中国当代油画的创作重新活跃起来,不过,90年代的中国当代油画和85思潮时期的现代油画还是有区别的,具体地说,80年代的艺术家更多的注重是表现哲理,表达一种宏大的理想,表达对生命的感受。但到了90年代,出现了两种全新的走势:其一是社会学的转向,即强调从当代文化中寻求有针对性的文化问题,关注人的现实生存环境与状态。这一转向既与国内的现实有关,也与借鉴国外当代艺术有关。在这样的前提下,艺术家们不仅对一些西方社会学家的著作进行了合理借鉴,也对传统文化与西方文化的资源进行了巧妙借用;其二是文化学的转向,具体地说,就追求在传统的基础上创造具有现代意味的中国前卫艺术,其中抽象艺术占了较重要的位置。毫无疑问,这与八十年代后期兴起的文化热与寻根热有着极大的联系。相比起来,后一种趋向要弱得多。
  1、新生代艺术
  1991年7月9日,“新生代艺术展”在中国历史博物馆展出,展览集中反映了20世纪60年代出生的青年艺术家的作品,并揭开了九十年代中国先锋艺术的序幕。与知青一代艺术家不同,“新生代”画家既没有文革的经历,也没有参与八五运动。所以,他们不太关心虚幻的“理想”、“崇高”与宏大叙事,更关注自己的切身经验。这不仅使得都市的生活从此取代了乡土生活,也使得他们总是近距离地表现身边的人。其作品从表面上看极其客观,但本质上是一种超越了客观的主观再现。正因如此,“新生代”艺术家方能以特有的方式涉及无聊、无奈、冷淡、空虚这样一类话题。在这里,独特的话语方式既是文化立场,又是对现实生活进行评说的有效方式。“新生代”艺术的出现对先锋艺术界由空洞的观念层面调整到现实层面,具有重要的启示作用。参加“新生代”画展的有刘小东、喻红、李天元、宋永红、赵半荻等。
  刘小东画的作品《人鸟》,画的前景是几个拉单杠的青年人,背景是天空,还有一些小鸟在飞,这表达了青年人希望超越现实的寓意。作为“新生代”艺术的代表人物,刘小东的作品经常取材于现实生活,而且总是以“近距离”的方式交待出描绘对象的精神风貌及现实处境。其创作特征是:画面普通而没有戏剧性,人物自然而没有做作感。比如作品《人鸟》就对极其“无聊”的状态表现得十分突出。刘小东的表现方法在一定的程度上受了弗洛伊德的影响。他的作品可视为20世纪80年代向90年代过度的衔接点。

后印象主义

后印象主义

后印象主义

Post-Impressionisme

法国19世纪80~90年代继印象主义之后的美术现象。后印象主义的称谓为英国美术批评家R.弗赖所创。主要代表人物有P.塞尚、V.凡高、P.高更等。他们都曾不同程度地追随过印象主义,后逐渐不满于印象主义的过分强调客观表现和新印象主义的片面追求外光及色彩,而主张更强烈地抒发自我感受。其创作特色是重视形和塞尚《奥维尔的曲径》(油画)构成形的线条、色块和体、面,以及强烈的内心化和个性化。

他们虽有共同的创作倾向又有各自鲜明的艺术个性:

塞尚注重物质的具体性、稳定性和内在结构的表现,对立体主义、构成主义等有较大促进。塞尚一生的创作活动都是为了追求心目中永恒性的形体和坚实的结构,以创造形象的重量感、体积感、稳定感和宏伟感,最后达到简单化和几何化的效果,这使他成为后来的立体主义和抽象主义的始祖。

凡高追求线和色彩自身的表现力以及画面的装饰性,直接启发了野兽主义、表现主义等流派。凡·高的新画风,可以说是印象主义、新印象主义,日本的浮世绘版画融合在他个人气质中的产物,是东西方绘画合流的结果。凡·高的画,一个突出的特点是强烈地表现了自己的个性。有人说,他的画都是他的自画像。

高更主张不要面对实物,而凭记忆作画,提倡综合的和象征的美学原则。高更则专注于艺术表现的原始性和象征性,给予象征主义、超现实主义等流派以重要影响。后印象主义完全抛弃了自然主义的态度,动摇了西方绘画中以模仿为职能的根基,将绘画引向一个更新奇、更加渗透着强烈情感的主观世界,为20世纪西方现代诸美术流派提供了可资借鉴的范式。

这三位画家都是在去世后很久才得到社会的承认,他们三人共同开启了现代艺术的大门,在他们的创作思想、艺术观念影响下产生了野兽主义、立体主义、表现主义、抽象主义等,是他们彻底地改变了西方绘画面貌,由客观再现走向主观表现,并使之走向现代,他们被誉为现代艺术之父。

严格意义讲后印象主义不是一个画派,他们之间不是团体,也没有联合开过画展,更没有什幺宣言,只是三人都脱胎于印象主义又有着共同创作倾向而已。后来的美术史家们发现他们既有与印象主义联系又不同于印象主义,便称他们为“后印象主义者”。

代表人物:

塞尚(Paul Cezanne,1839-1906)、

高更(Paul Gauguin,1848-1903)、

凡高(Vincent Van Gogh,1853-1890)等。

中国当代油画概观(三)

中国当代油画概观(三)

七、85思潮时期的绘画
  同学们可能不知道,1957年我们国家开展了一个反右运动,那个时候文人与艺术家聚在一起探讨艺术,都要打成反革命。所以在改革开放以前,艺术家之间是不敢随便接触的,更不敢公开成立组织。但到85思潮时期,这个风气彻底改变了。当时各个地方都有出现了很多年轻人自发组织的艺术团体,比如说“北方艺术群体”、“西南艺术研究群体”等等。据不完全统计,当时在全国有上百个青年艺术家群体,其范围之广,气氛之活跃,在中国的近代史上是从来没有的。为什么青年艺术家热衷于成立群体呢?我认为:第一是可以超越官方自行举办展览;第二是在极左思潮还没有消除之际,青年艺术家在组成群体后,就能以集体的力量抵抗外来的压力,并引起人们的关注。不过,当时的青年艺术群体并不是铁板一块,总的来看,“85思潮时期”的创作有三种趋向:
  首先是哲理化趋向。其背景就是一些青年艺术家开始对以前正统的理论都不感兴趣了。他们开始向西方学习,在那个时候,法国的思想家,如萨特、尼采、帕格森、维特根斯坦等人,还有中国古代哲学家的思想,都是深受艺术家的欢迎的。体现在作品中,就是强调反省和批判自身的意识,追求对人类宏大精神的表现,探索宇宙和生命的起源等等。而在具体得艺术表现上,则深受西方超现实主义与形而上画派的影响。
  现在让我们来看看艺术家王广义的作品《凝固的北方极地》,画面的中央粗看上去像一堆巨石,但仔细看去,却是人类的肢体,它们悬在空中,像云彩一样。在表现上,艺术家去掉了可感的因素,从而以半抽象的形与崇高的图式来表现主题,显示了对以往文化精神的超越,进而强调了一种宗教感与崇高的气氛。应该介绍的是,当时北方有一批艺术家组织起来,他们认为北方的精神是宗教的,是崇高的,值得推崇。该作品就突出了这样一种观念。
  这是另外一位艺术家丁方画的作品《走出城堡》,他的灵感来源于陕北,不过他画的陕北并不是真正写实的陕北,更不是风情的陕北,而是借助落日的余晖表达了一种神圣感。在画中,有一个小人正在向发光的地方走去,它暗示着人类向往光明、追求真理的感觉。
  当时创作的第二个趋向是生命流的倾向。与上一种趋向不同,此种趋向更强调对直觉、本体意志、潜意识与内在对生命状态的表达。应该说,它是对以往压抑个性做法的反拨。在题材的表现上,艺术家们都非常注重人和自然的一种关系;而在艺术的表现上,艺术家们明显受到了西方超现实主义与表现主义的影响。

浪漫主义

浪漫主义

19世纪浪漫主义的诞生是对当时新古典主义、学院派美术的一次革命。

浪漫主义以追求自由、平等、博爱和个性解放为思想基础。追求幻想的美、注重感情的传达,喜欢热情奔放的性情抒发。浪漫主义艺术以动态对抗静止,以强烈的主观性对抗过分的客观性。浪漫主义在题材上,多描写独特的性格,异国的情调,生活的悲剧,异常的事件,还往往从一些文学作品中寻找创作的题材。

浪漫主义的先驱者是法国画家席里柯,另一位法国画家德拉克洛瓦使浪漫主义绘画达到了顶峰。

席里柯(1781~1824)是法国浪漫主义绘画的先驱。席里柯出生在法国的里昂,15岁时到巴黎学画。他深受前辈大师们的影响,创作出一些具有浪漫主义色彩的作品。席里柯的生命虽然短暂,但却终生充满着激情、幻想和痛苦,并把这种感情反映在自己的作品中。他善于以写实的手法表现人的内心情感。作品题材都是从现实生活中取得,并删除掉一切非本质的东西。

《梅杜萨之筏》是席里柯最具代表性的作品。取材于当时“梅杜萨号”远洋船触礁事件,表现遇难船员乘木筏在海上漂流了13天终于看到救援的船只,一刹那间人们所表现出的激情和求生的渴望。

德拉克洛瓦(1798~1863)是法国浪漫主义绘画的重要画家。他出生在巴黎附近的一个律师的家庭,从小酷爱美术,18岁时进美术学院,在此期间认识了被称为浪漫主义绘画先驱的席里柯,使他开始的创作就受到席里柯的启发。

德拉克洛瓦在西方美术史上是一位有卓越成就和较大影响的画家,特别是对浪漫主义绘画的形成和发展做出了重要的贡献。他被看作是一位承先启后的大师。德拉克洛瓦不仅总结了从文艺复兴以来名家们的艺术成就,并影响了一批后代的艺术家。许多人从他那里得到启示和教益。德拉克洛瓦的想象力非常丰富而且才思敏捷,并具有一种别人少有的敏感。他反对当时古典主义绘画那种呆板、平庸的画风,主张个性解放,重视情感的表达。他的画善于表现动荡活跃的场面,色彩鲜明、豪迈奔放。他的重要作品是《但丁和维吉尔》《希阿岛的屠杀》《自由领导人民》等。

浪漫主义油画《梅杜萨之筏》《但丁和维吉尔》《希阿岛的屠杀》《自由领导人民》