油画作品

铬黄、镉黄、藤黄、土黄有何不同?

铬黄、镉黄、藤黄、土黄有何不同?

铬黄是中性的铬酸铅,是一种非常漂亮的略带暖性的颜色,无毒。按照不同的制作方法生产的铬酸铅可以从最浅的柠檬黄、浅黄、中黄、深黄直到橙色。市场销售的铬黄都注有铬色,如中铬黄。铬黄色覆盖力强、不透明且干得快,其稳定性随其颜色深浅而呈明显变化,颜色越深越耐久,浅铬黄受热或年久会变暗,所以凡·高的(向日葵》等油画作品中的铬黄色,最初远没有现在神妙,而是明亮刺目。铬黄与普蓝调和后稳定性会提高,但铬黄不能与带硫的颜色相调,调后容易变暗发黑。铬黄更不能与铅白调配。现在市场上铬黄已不多见。

镉黄的化学成份是硫化镉。中黄油画色就是镉黄,其耐光性很好,能经久不变色,无毒,非常稳定,干得较慢。除中黄外,油画色中的浅黄、深黄、桔色也是镉色或硫化镉与其它颜料的混合色,这些都是很稳定的颜色。还有一种镉柠檬黄,比柠檬黄稳定性要好得多,但着色力差。在阳光直晒下会变成橙色。镉黄的覆盖力较强,几乎能和所有的颜料调和使用,对不常见的铜颜料有反应,调和后容易变黑,与铬绿调和,干后色泽也会加深。

土黄属矿物质颜料,是天然的含铁化合物,可以人工合成。国产的有金土黄、土黄二种。国外生产的还有浅土黄和深土黄,是黄颜色中稳定性最好的,有很强的着色力和覆盖性,干后色层坚实,可以和任何颜料混合使用。

铬黄、镉黄、藤黄的稳定性都不够好,国产的永固黄较稳定,可替代其它浅黄色使用。此外,钴黄是一种鲜艳的透明色,较稳定,但制造困难,且不易与群青相调,国内不生产。

油画的材料和工具

油画的材料和工具

油画的主要材料和工具有颜料、画笔、画刀、画布、上光油、外框等。
①颜料,分矿物质和化学合成两大类。最初的颜料多为矿物质颜料,由手工研磨成细末,作画时才进行调和。近代由工厂成批生产,装入锡管,颜料的种类也不断增加。颜料的性能与其所含的化学成分有关,调色时,化学作用会使有些颜料之间产生不良反应。因而,掌握颜料的性能有助于充分发挥油画技巧并使作品色彩经久不变。
②画笔,用弹性适中的动物毛制成,有尖锋圆形、平锋扁平形、短锋扁平形及扇形等种类。
③画刀,又称调色刀,用富有弹性的薄钢片制成,有尖状、圆状之分,用于在调色板上调匀颜料,不少画家也以刀代笔,直接用刀作画或部分地在画布上形成颜料层面、肌理,增加表现力。
④画布,标准的画布,是将亚麻布或帆布紧绷在木质内框上后,用胶或油与白粉掺和并涂刷在布的表面制作而成。一般做成不吸油又具有一定布纹效果的底子,或根据创作需要做成半吸油或完全吸油的底子。布纹的粗细根据画幅的大小而定,也根据作画效果的需要选择。布的画家使用涂过底色的画布,容易形成统一的画面色调,作画时还可不经意地露出底色。经过涂底制作后,不吸油的木板或硬纸板也可以代替画布。
⑤上光油,通常在油画完成并干透后罩涂上光油,保持画面的光泽度,防止空气侵蚀和积垢。
⑥外框,完整的油画作品包括外框,尤其是写实性较强的油画,外框形成观者对作品视域的界限,使画面显得完整、集中,画中的物象在观者的感觉中朝纵深发展。画框的厚薄、大小依作品内容而定。古典油画的外框多用木料、石膏制成,近现代油画的外框较多用铝合金等金属材料制成。

油画的主要技法 [油画技法]

油画的主要技法 [油画技法]

油画工具材料的限定导致油画绘制技法的复杂性。几个世纪以来,艺术家在实践中创造了多种油画技法,使油画材料发挥出充分的表现效果。 ①透明覆色法,即用不加白色而只是被调色油稀释的颜料进行多层次描绘。必须在每一层干透后进行下一层上色,由于每层的颜色都较稀薄,下层的颜色能隐约透露出来,与上层的颜色形成变化微妙的色调。例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色,就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富效果,这往往是调色板上无法调出的色调。这种画法适于表现物象的质感和厚实感,尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色彩变化,令人感到肌肤表皮之F流动着血液。它的缺点是色域较窄,制作过程工细,完成作品的时间长,不易于表达画家即时的艺术创作情感。 ②不透明覆色法,也称多层次着色法。作画时先用单色画出形体大貌,然后用颜色多层次塑造,暗部往往画得较薄,中间调子和亮部则层层厚涂,或盖或留,形成色块对比。由于厚薄不一,显出色彩的丰富韵意与肌理。 透明与不透明两种画法没有严格的区别,画家经常在一幅画作中综合运用。表现处在暗部或阴影中的物象时,用透明覆色法可以产生稳定、深邃的体积感和空间感:不透明覆色法则易于塑造处在暗部以外的形体,增加画面色彩的饱和度。19世纪以前的画家大都采用这两种画法,制作作品的时间一般较长,有的画完一层后经长期放置,待色层完全干透后再行描绘。 ③不透明一次着色法,也称为直接着色法。即在画布上作出物象形体轮廓后,凭借对物象的色彩感觉或对画面色彩的构思铺设颜色,基本上一次画完,不正确的部位用画刀刮去后继续上色调整。这种画法中每笔所蘸的颜料比较浓厚,色彩饱和度高,笔触也较清晰,易于表达作画时的生动感受。19世纪中叶后的许多画家较多采用这种画法。为使一次着色后达到色层饱满的效果,必须讲究笔势的运用即涂法,常用的涂法分为平涂、散涂和厚涂。平涂就是用单向的力度、均匀的笔势涂给成大面积色彩,适于在平稳、安定的构图中塑造静态的形体;散涂指的是依据所画形体的自然转折趋势运笔,笔触比较松散、灵活;厚涂则是全幅或局部地厚堆颜料,有的形成高达数毫米的色层或色块,使颜料表现出质地的趣味,形象也得到强化。 作为一种艺术语言,油画包括色彩、明暗、线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素,油画技法的作用在于将各项造型因素综合地或侧重单项地体现出来,油画材料的性能充分提供了在二度的平面底子上运用油画技法的可能。油画的制作过程就是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并运用可以表达艺术思想、形成艺术形象的技法的创造过程。油画作品既表达了艺术家赋予的思想内容,又展示了油画语言独特的美——绘画性。

油画将成为富裕阶层收藏与投资首选品种

油画将成为富裕阶层收藏与投资首选品种

  目前中国油画艺术品的市场化只有短短的二十年,和欧美油画艺术品市场的百余年历史相比属刚刚起步,未来中国油画艺术品市场会呈现怎样的发展状态,研究机构认为从八十年代初到今天,中国油画翻倍数是滚动式往前发展,欧美各国油画艺术品收藏和投资的现状有可能是中国油画艺术品收藏和投资的未来发展情况。

  美国中产阶级首先认为油画艺术品是身份的象征,也是财富的象征和文化品位的象征。第二是油画艺术品的保值作用,一般来说油画艺术品都在升值。所以,欧美各国整个社会群体对于艺术品的关注和收藏的发展情况就很有可能是中国未来的发展状况,中国完成这样的发展过程大概会呈现加速发展的状态。

  今天,先富起来的一部分国人开始对艺术品的收藏与投资表现出浓厚兴趣,据拍艺术品交易界人士介绍,中国艺术品市场已形成了大约近千人的高端油画艺术品收藏与投资群体,以油画大师的经典作品为收藏对象、以精品为主兼顾数量规模效应及中长期持有以期获得丰厚利润是这一高端收藏群体的投资理念。

  投资的方向非常重要,选择大师们的经典油画作品才最具收藏与投资价值。根据专家给的艺术家名单来找第一流的画家作品,收藏者虽然不是很懂艺术却可以遵循买好画家的好作品这样一条原则。假设买不着好画家的好作品,也可以退而求其次地买著名画家的一般作品,此类作品相对便宜是最大的优势。假如再买不着著名画家的一般作品,也可以买他们的素描、手稿或草图等,买这些东西也不失为一种聪明务实的选择。目前艺术品市场正处在向理性化收藏的发展过程中。经过十多年的市场化历程,也使得大家更加成熟起来。所以,现在中国油画未来的前景应该是很乐观的,如果不出现意外的话,中国油画市场交易价格在未来不长的时间[1-2年]里应该有翻番的可能性。

投资油画四要点

投资油画四要点

 初入油画收藏四个要点必须注意:

  首先要看油画作品所体现出的画家功力,一方面是通过作品的创意、表现方式等进行比较,另一方面要看油画的细节处理,无论是人物还是风景,作品的细节处理体现作者的绘画技巧和实力;

  其次是油画作品的颜色运用,看其是否协调,对比度是否合理;

  第三是要看画家深造程度,对于油画作家来说,一般都要经过长期的严格专业训练;

  第四要看作者的年龄段,一般中青年油画家正处于创作的高峰,而且市场投资一般不会很大。

由表及里 油画风景的中国化——二论油画山水

由表及里 油画风景的中国化——二论油画山水

内容摘要:本文是《论油画山水》的续篇,以《第九届全国美术作品展览·油画作品展》和《当代中国山水画·油画风景展》中的44幅有“油画山水”意味的作品为例,论述油画风景的中国化是一个由表及里的过程,是中西艺术从工具材料→形式技法→内容→观念,这样一层层渗透和融合的过程。“油画山水”要想取得更高成就,必须从中国“天人合一”美学观的精粹之处,从中国文化的思想渊源中探出真谛,才能真正屹立于世界艺术之林。

关键词:风景、山水、油画山水、表里、融合

油画风景的材料、技法、形式语言一开始都是从西洋引进的,这一点不会有岐义。手艺人有句行话“师傅领进门,修行靠个人”,对待油画风景的风格样式和技法语言,中国的油画家是各有所爱,各取所需的。一方面是因为我们的西洋教师民不是一个模式,而是各具个性的,比如意大利的古典、德国的凝重、法国的优雅、西班牙的潇洒、英国的朦胧等等。二方面是我们学生自己的艺术修养和性格爱好不同,自然学习的结果也不尽相同。以中国第一代油画大师的风景画为例,李铁夫的求实、徐悲鸿的规矩、颜文梁的严谨、林风眠的随意、吴冠中的抒情等等也都各具特色。许多美术家都喜欢说,艺术中的民族情感和趣味对艺术家来说是与生俱来的,不论艺术家自觉追求与否。这如同说“月亮是亮的”一样,是废话也是禅语,关键是要看说这话的人思想深度怎样。美术理论家和批评家不会只满足於看到“亮”,而是要追问与“亮”有关的一切问题,不停地追问艺术家的民族情感从何而来?趣味因何而产生?又因何时而变化?其强度与深度几何?再以前面四位大师为例,他们都有深厚的中国传统艺术根底,诗文书画各有渊源,但他们油画风景中的中国味就明显不同。留美的李铁夫不说,只说留法的三位,徐悲鸿与颜文梁就更多学院派的风味,林风眠、吴冠中则多表现派的意趣。因西方表现主义绘画多重情重意,与中国写意水墨重意境相通,所以林风眠、吴冠中的油画风景里的“中国化”的意味,就要更浓一些。虽然后期李铁夫的书法,徐悲鸿的水墨都比林风眠、吴冠中要多,引进西方美术教育的业绩徐悲鸿、颜文梁比林风眠、吴冠中要大,但他们三个对油画中国化的贡献却比林风眠、吴冠中要小。
自从1993年“油画山水”的概念见诸文字后,常听人对笔者说,某某的油画像山水;某某的文章又提到油画山水等等,我想一个能正确地反映美术发展的理论概念和术语总是会被美术界接受的。1998年写完《论油画山水》,正值《当代中国山水画·油画风景展》(简称“风景展”)展出,其中有不少借鉴中国山水画而创作的油画作品。参观完展览后,当时想做一些归纳和梳理的工作,研究和评论油画界的这一现象。1999年10月,《全国第九届美术作品展》(简称“国展”)在各地的分展区陆续开展,在上海的油画展场内,我又看到了许多类似的油画山水作品,油画风景的中国化,已经引起美术理论界的注意。以这二次展览的作品为例证,来说明油画风景中国化的演化过程和阶段性成果,暨其演化的深度和广度,是有代表性的。
新中国第二代油画家中拿油画风景参加这二次展览的有詹建俊、朱乃正、闻立鹏三位先生。他们油画艺术功底的积累,其基础是前苏联的油画艺术,并可追溯到20世纪初俄罗斯油画的渊源。他们的油画艺术语言的共同特点可概括为“重、大、粗”。“重”是内容凝重、色彩厚重;“大”是画面阔大、笔触宽大;“粗”是意境粗豪,造型粗犷。三人的参展作品如詹先生的《雪·山·松》(125×190cm),《红枫》(125×195cm)(前幅参加“风景展”,第二幅参加“国展”,下同。);朱先生的《雨雪云松》(200×200cm),《秋·荷·月》(184×186cm);闻先生的《致高原》(260×162cm),连画幅的尺寸,在油画风景中都算得上是大件了。(闻先生参加“国展”的《雪山魂》(25.5×27cm)是小幅作品)当然,作为卓有建树的老一辈油画家,他们肯定有自己的风貌。比如詹、闻二位的内容是偏向庄重,而朱先生的则偏向深重;詹、闻的色彩比较华丽,而朱先生的则较纯静;詹、闻的意境属壮美,而朱先生的则深幽;詹、闻的笔法重力度与笔触,朱先生的笔法却重渲染与融合。然而,正是由于他们三人的作品具有“重、大、粗”的特色,与中国传统的大写意山水在立意、构成,用笔诸多方面暗合,一望而知其中国气派。三位先生都是这二次展览的评委,他们油画风景的中国化程度,必然起到一种示范效应,将带动油画风景中国化的更进一步发展。
在这二次展览中都有作品参加,笔者认为极有“油画山水”意识的作品至少有9位的,他们是曹吉冈、张元、李秀实、祁海平、张新武、王治平、任业圣、毛岱宗、张冬峰。我们先来看看他们各自的特色。
曹吉冈的《壑》(240×180cm)、《苍山如海》(银奖)(225×117cm)都大尺寸,基本还是从“重、大、粗”的路数发展而来,只不过更接近中国画的大写意山水。首先经营位置摆脱了写生者的视觉角度,画面上所看到的并不是某个旅游者能在实景看到,而是按照山水画的造型法则重新进行了安排。不过还缺少山水画更加宏观的气势,油画风景的视觉惯性乃起支配作用,画面的感觉有点像高倍望远镜头拉近拍摄的风光照片,或者说是一幅大山水画的某个局部。可是如果有人用水墨就只画这点东西,就会使人感到“空”。而曹吉冈的作品没有这种感觉,这就是油画色彩的威力和魅力了。例如《苍山如海》,虽说最重的颜色已接近焦墨,但近山暗部的冷色调和天空云彩的丰富,使画面中心位置的远处雪山在阳光的照耀下闪闪发光,使人顿时感受到大自然的雄伟和神奇。想象一下,如果按传统中国山水画法处理,天空留白,雪山用线描,近山用水墨渲梁,那画面的意境就相距甚远,画面也会觉得简单而无新意。中国山水画避免“空”和简单,就是在前景的“多”和场景的“大”这二方面下功夫。而油画山水则可用色彩弥补这方面的不足,这是油画山水充满生命力的所在。
张元的二张作品都叫《翠谷》,尺寸都是(120×100cm),内容、色彩、构图基本一样,明显可以看出那张署款“1999”的是翻唱“1998”那张。色彩、立意、画名也明显受张大千泼彩山水的影响。向大师学习是每个人成长的必由之路,但重复相同的画送交二个重要的展览展出,则看出创造力的低层次的重复,当然也是评委的不察,这种不察是两方面原因造成的,一是山水画本身有程式化的短处,山形水势极易生造也极易混淆,很难想像人物画家会画两张同样情节同样人物的作品送全国大展;二是评委评画看的作品太多,看的速度太快,作品又在不同的场所出现,要记住和辨别一张雷同的山水画是需要极好的精力和体力的。中国山水画至近代日趋式微,就是与画家一而再,再而三的重复大师和自己有关,但愿油画山水在学习中国山水画的同时,不要将这痼疾染上才好。
李秀实的作品是风景系列作品,一为《山居辑——冬至》(162×130cm),一为《山居辑——谷雨》(100×80cm)。从构图的方法来看,还是西洋风景的路数,但造型和用笔去可看出清初中国山水画大师八大山人的影响,八大山人的山水写生小品注重景物的整体气氛而不拘细节,树木的造型只追究笔势和笔力而不拘形似,李秀实的作品正是在这两方面有所追求。虽表面的外化的中国山水画的特征不明显,但其中国化的标题所蕴涵的和画面内在的山水添置韵味都使人过目不忘。
祁海平的《青海长云图》(160×160cm)和《黑色主题NO.24》(200×100cm)都从泼墨山水借用了不少手段,局部画面甚至还直接采用水调油彩的技法,油水不相混合造成斑驳陆离的色彩效果。《青海长云图》名称国粹化,其形制、物象、色彩都与中国传统的天然大理石屏风和红木座椅靠背上的大理石装饰品相若。中国手艺人喜了从自然物中见山见水,应物象形,将石纹木纹比作山水,传统山水画家也从山石的纹理中受到启发,民间美术与中国画历来存在这种互动关系。如今从油画作品也看到这类作品,可见油画山水探索的触角所伸展的范围之广。《黑色主题NO.24》名称已经洋化了,还夹杂着英文。但画面的精神内涵还是与前一幅一脉相联,可能因为“国展”是综合画展,作品不一定指向风景画或山水画,作者才用了一个抽象的名称和抽象的造型,可见赵无极油画的思路还极易为中国本土画家所认同。
张新武的,《逝去的家园》(155×195cm)和《日出东方》(160×140cm),前后两张一竖一横,风格迥异,可见画家探索的轨迹。参加“风景展”的《逝去的家园》是对中国山水的追思,构图是传统山水的样式;用笔用线完全脱胎于山水皴法;油彩的肌理制作则模仿水墨的渲染;色彩的基调也是照抄水墨。光从印刷品上去看,如果不标明是油画,如果没看过原作,陌生的读者会误认是张中国水墨山水。《日出东方》则完全是油画路数,色彩和用笔已经不见中国画的影子,但构图和云彩肌理的制作显然还有前期学习中国画的影响。在没有形成自己的风格之前,张新武这类型的画家的变数还相当大。
王治平的《山河系列》之四(130×130cm)是1998年展出,《山河系列》之三(140×140cm)是1999年展出。从画上签名看,两张都是在1998年画的,从整体风格来看也是同一时期的作品。两张作品构图的特点就是“满”,不见天不见地,大山深壑给人一种迫塞的感觉。取名“山河”,可见其立意并不是局限风景画的一个场景,而是用“管中窥豹”的手法,取一隅而概全景,让观众的想象去补充呈现山河的壮丽,收“壁立万仞”之效。此画的新意印证了批评家早就提到过的:取中国古画一局部放大,则是一张带有抽象意味的作品。再认真挖掘下去,中国山水画肯定还可给油画家许多具体的有益的启示。
任业圣的《山水》(36×47cm)和《家园》(150×180cm),从画面上看好似与王治平走了一条相反的道路,任业圣的油画山水倒像是从康定斯基之类的“热抽象”绘画作品中,取一局部放大而成一幅中国山水画。任画的特点是色彩明快,充分发挥了油画色彩的张力,而这正是中国山水画难 企及的地方。我们认为“油画山水”还有前途,就是认定用色彩表现中国的“山水观念”和自然观还有许多值得努力探索的价值。
毛贷宗的《瑞雪山村》(130×110cm)和《芳雪》(180×180cm)都是以雪景为题材,有趣的是他的后一张作品是他的前一张作品的局部放大。《瑞雪山村》是一幅传统风景写生的格局,树林、马路、村庄,远山都中规中矩、平平实实,如果不是借鉴中国画用笔的韵味和无处不在的黑色点块,暖灰黄色调的画面不会现在这样响亮。《芳雪》则是画的山村道边树林的一丛树梢。中国画的用笔和构图感更加强烈,黑与白的对比更强,画面也更加响亮。场景小了,画面却更大了,也更具现代感。将尽可能宽阔的场景压缩在有限的画面上,是传统的手法;将小的东西,局部的结构尽可能地放大是现代的手法。毛岱宗与前面的王治平的作品证明了这一点,在西方格式塔心理学中也可找到理论阐释。格式塔心理学认为“观看世界的活动被证明是外部客观事物本身的性质与观看主体的本性之间的相互作用”根据“格式塔”①的“完形”理论,比如一座山的山顶和山脚,画面没有表现,眼睛看不见,但它与画面已有的眼睛看得见的山腰同属一个整体,在实际知觉中,它也会成为眼前知觉对象的一部份,人们感觉看到的不只是山腰,而是整座山。这是因为,观众关于山的视觉经验补足了眼前知觉对象的不足。
张冬峰的《知足者》(110×110cm)和《家园》(银奖)(150×160cm),一眼望去是典型的西洋风景的透视和构图模式。不过绘画技法却是中国传统的水墨写生加水彩写生。画面上的芭蕉叶、豆藤叶,人物与房屋的轮廊都深色线双勾;树干、篱笆等也用重色写出;然后像画水彩画一般渲染色调,再加上中国画山水的皴擦,可看出画家有较深厚的中国画写生功底。画面的效果轻松愉快,自然亲切,颇得好评。水墨用笔的随意,不注重刻划细部;水彩用色的随意,不追求色彩的局部冷暖变化;油画写生取景的随意,不刻意营造人为的竟境;这三点有机的结合,是张冬峰作品成功的基本要素。
谢小健的《被淋湿的风景》(65×54cm)和《风景》(81×100cm),两张都是以广西山区的民居为主题,画中的黑瓦、黑门、黑窗、黑树,也有八大山人山水册页中的意味。后一张是前一张的放大,写生的局部被扩充和加工成一张较大场面,类似花青黑色的蓝调子,后一张更明亮。天空和房屋的留白,小河的墨色都出自中国山水画的审美意识。
以上例举是在“风景展”和“国展”中同时有作品参加的画家。单参加“国展”的也借鉴山水画的作品还有王京冬的《草色》(80×65cm)、张力的《梦里的山》(165×145cm)、钱伟的《蓝溪》(98×129cm)、伍盛的《霜晨目》(185×90cm)、贾辛光的《梦回故园》(150×150cm)、宋次伟的《秀山灵山》(124×149cm)、张学乾的《高原晴雪》(99×130cm)、曹正海的《梁》(100×80cm)等。
由于“风景展”当时为中国山水画与油画风景的首次大规模并置展出,正如其《前言》中明示:“其学术重心在于体现这两个画种在中西文化碰撞、融会历程中的思考、探索与实验,以推动和发展中国当代文化。”所以展出的油画风景中借鉴中国山水画的作品就比“国展”要多,除开前面有作品参加“国展”的九位画家,单参加“风景展”的作品计有:王征骅的《长江巫峡》(113×190cm)、孟涛的《初春河谷》(200×150cm)、赵友萍的《九万里风鹏正举》(180×150cm)、陈均德的《山林云水图》、姚琪的《心事系列之二·灵》(100×80cm)、宋惠民的《鹰系列之一》(100×80cm)、杨国新的《春山梦》(160×130cm)、洪凌的《劲秋》(180×190cm)、周茂良的《金秋》(65×53cm)、曹钟伟的《彩谜》(170×150cm)等。
大家可以想像一下,如果我们把上面提到的44张作品,集中起来办一个画展,那它会在国人和外国人的眼中呈现出什么的样的印象?它会不会让中国观众感觉是在用油画画山水?它会不会让外国观众感觉到油画风景的中国化?换句话说,是不是可让世人感觉到在世界油画风景之潮中开始涌现出一个新的流派?
谈到中西绘画的融合和可能性,人们习惯从艺术高度着眼,将中、西绘画比作两座高峰。潘天寿说:“东西两大系统的绘画,各有自己的最高成就。……在吸收之时,必须加以研究和试验。否则非但不能增加两峰的高度和阔度,反而可能减去自己的高阔,将两峰拉平,失去了各自独特的风格”②林风眠说:“将西方艺术的高峰和东方艺术的高峰相揉合一起,才能摘下艺术的桂冠,登上艺术之岭”③刘曦林先生说:“东西方两座文化的大山仍然在那里屹立着、生长着,而在两峰中间又萌生着一座非中非西、亦中亦西的新山。”④他们的比喻都言之成理,但我更喜欢吴冠中先生说的:“我曾将中、西方杰出的绘画作品比作哑巴夫妻,虽语言有阻,却深深相爱。”⑤油画山水就是这对“哑巴夫妻”的新生儿。
作为新生一代,既可能继承父本和母本的所有优点,也可能继承父本和母本的所有缺点。作为个体,具体落实到每个画家和每件作品,其差别是巨大的。在初始阶段可能成千上万的这类中西结合的艺术品,只能作为一种尝试和半成品被历史淘汰。但即算是根据随机概率也可知道,在无数次的结合中,总会有一次是最完美的。按照目前中国艺术的发展趋势,将来产生几位能雄居中西艺术高峰的艺术家,也是完全可能的。如果从整体上来分析,无论是从艺术理论还是从艺术实践着眼,还是从艺术本体自身发展的规律着眼,中西艺术的结合是有前途的,而且肯定会成功。作为其中的子项目——油画风景的中国化——“油画山水”自不会例外。
根据中国山水画和西方油画风景融合的发展趋势,我们可以归纳一些有代表性的特点。总的来说,中西艺术融合的过程是一个由表及里、渐变的过程。任何急于求成的做法都只会昙花一现。由表及里的过程是从工具材料→形式技巧→内容→观念,这样一层层渗透和融合的。
从工具材料来看,中国山水画的水墨、宣纸和油画风景的油彩、画布,都是经过长年的发展而基本定型的东西,运用各自的材料,它们自然会沿着各自选定的历史方向独立前进。作为这对“哑巴夫妻”的新生儿,其外表只能是更象油画,换句话说,即这种绘画新样式是使用油彩画布和油画工具。这可以由以下三方面来证明。其一,中国20世纪美术发展史中,凡是中西艺术融合较成功者的作品,例如徐悲鸿、林风眠、吴冠中等都是用油画材料画的自然景观好过用水墨画的自然景观。其二,近十几年来,许多年轻人都尝试用水墨宣纸表现西方意味的风景,还无一成功。就连吴冠中先生的这类水墨风景也经不起推敲。其三,这是最根本的一点,即中国山水画材料的局限性要大过油画材料的局限性。也就是说中国山水画主要的载体宣纸无法使用油画的那么多色彩,无法创造出那么多的肌理,无法进行反复的修改。因此也就无法在宣纸上追求发扬西洋风景画的长处。反过来在油画布上用油和黑色,基本上可达到水墨渲染的效果,比较容易追求和发扬中国山水画的长处。由此可见,在表现自然景观的绘画艺术中,中西艺术融合的最好方式是“油画山水”。
从表现形式上看,新生儿“油画山水”是从其父母——中西艺术中各取所需。油画讲构图,山水画讲经营位置;风景画讲透视法(焦点透视),山水画讲“三远”法(平远、深远、高远);油画对色彩研究至广,山水画对墨色研究至精;油画论刀法笔触,山水画重骨法用笔,还独有“十八描”和各种皴法;油画风景和中国山水画的各种技巧都可运用到“油画山水”之中。关键之处是:一个好的油画风景画家必须有丰富的中国山水画技巧;一个好的中国山水画家必须有足够的油画技巧,才能真正创作出优秀的“油画山水”作品。
从内容上看,油画风景提倡野外写生(如印象派),中国山水提倡“行万里路”、“搜尽奇峰打草稿”(如荆浩的“写生数万本”);同是对自然景观的真诚描绘,油画风景重光影色调,中国山水重形体结构;油画风景偏重从自然整体中挑选和割取局部(如取景框的运用),中国山水则偏重将局部腾挪和拼装整体(如“咫尺千里”的提法);油画风景擅绘实景是长处,下者易拘泥和呆板,中国山水擅绘大山大水是长处,下者易无序和空泛。“油画山水”要尽可能地吸收双方的优点,避免双方的缺点,宜从大处着眼,从小处着手,历代油画风景大师和中国山水画大师的巨构,应该是“油画山水”追寻的样板。不仅仅是目前只求画面的尺寸大,而应该追求画面的内容和气势的宏大。
从艺术观念上看,这是目前“油画山水”类的作品中最做不到位的地方。而这有是油画风景中国化,创立独特的中国油画风景流派中最关键、最要害、最核心的问题。这个问题在1998年11月在北京举办“中国山水画·油画风景展”期间召开的“现代中国绘画中的自然——中外比较艺术学术研讨会”上,各位专家都有许多高明的意见,并且已收进论文集,由广西美术出版社出版,本人也有《论油画山水》一篇,本文就不再赘述。只想强调的一点是,由于“天人合一”的哲学思想支配,中国山水画的观念是把自然山水当人画,是画人格,是画自己。我们现在回过头看数百年前中国山水佳作,例如倪瓒、吴镇、八大山人,渐江、弘仁等人的山水画,我们的确能感觉到他们的为人和品性。中国山水画在长期的发展中形成了不同于西方的独特观念,其艺术创造既在自然法度之内,又超出自然法度之外。对待自然景观中的形与色,是以求得人的感情上的共鸣和满足为依归的。“油画山水”要想取得更高成就,必须从中国“天人合一”美学观的精粹之处,从中国文化的思想渊源中探出真谛,才能真正屹立于世界艺术之林。
纵观20世纪中国油画的发展,在油画风景中国化的道路上,为攀登中西艺术结合的高峰,前辈艺术家和当代众多的艺术家已艰苦探索、努力实践了近一百年了。到今天,我们可以说有关的哲学准备、画论准备、技法准备都已基本到位,已经有了可供腾飞的平台和基地。关键的是我们还缺乏以风景油画为终生事业,潜心钻研中国山水画理论,怀抱建立独特绘画流派的雄心壮志的绘画大师;缺乏精心创作能感动天下观众的巨作。
一百年毕竟还不太久,假以时日,我相信中国油画界将实现自己所有的理想。
注释:
①鲁道夫·阿恩海姆《艺术与视知觉》北京、中国社会科学出版社,1987第6页。
②《潘天寿谈艺录》第21页,浙江人民美术出版社,1985版。
③朱朴编《林风眠》第152页,上海学林出版社,1988年版。
④刘曦林《两峰相会别有山》,载《现代中国绘画中的自然》第40页,广西美术出版社,1998年版。
⑤吴冠中《邂逅江湖》,载《现代中国绘画中的自然》第4页,广西美术出版社,1998年版。

油画修复过程(一)

油画修复过程(一)

油画就是用油拌和着颜料的粉末,抹到以麻布,纸板或木板等基面上而描绘的画,由于油的氧化作用、油画颜料彻底干透,干后的颜料色泽鲜艳、牢固,有质有形。一般认为油画牢固坚实不宜坏,其实不然,岁月的流逝,温湿度的变化,灰尘的附着,昆虫的侵害等,在十几年的时光中足以把油画损毁。
中国油画的诞生,与近代中国的留学运动有着紧密的关联。1887年广东油画家李铁夫作为中国人学习西洋画的先驱进入英国阿灵顿美术学校学习,到辛亥革命前后,留学浪潮风起云涌,造就了一批杰出的艺术家,中国近现代美术革命也随之开始了,中西文化和表现手法的初次交溶,艺术家留下的画记录了当时中国人的特殊的心态和感受。中国早期油画的价值是不可轻视的。可是早期的珍贵油画作品,随着时间的推移,社会的变荡至今已所剩无几。现存的作品绝大部份得不到基本的保护、修复和收藏。油画的保护和修复刻不容缓,必须高度重视。
自1998年开始,我馆将油画修复列为对馆藏品保护的主要课题之一,有计划的进行了技术引进和模拟实验研究,并成功修复了李铁夫、冯刚百、谭华牧等艺术家的珍贵作品近八十件,取得了良好的效果。油画修复原则和基本修复流程如下:
修复前的鉴定
首先对作品做一个修复之前的详细检验,检验之过程可分成四个方面来进行:
一、作品考证
了解作者和创作年代,寻找有关画家的相关资讯与绘画特质,如画家惯用的材料、色彩、 笔触、创作风格、创作理念与美学观点等。这种调查,可以让修复师与作品建立更深一层的认识,在进行修复时才能更准确掌握到作品原始的创作面貌。
二、状态评诂
首先要确定绘画的技法是油画还是胶彩画,记录作品的尺寸大小、主题、画家签名、完成日期、内框和外框的收存状况等,记录了这些基本情况后再进行深入的分析。
A、基底物:分辨基底物使用的材料是亚麻、黄麻、大麻、棉布、混合纤维、木板或纤维板;固定的方式是用钉子或钉枪的钉针;保存状况有无破损、氧化腐蚀、潮湿霉化、微生物或昆虫等侵害的现象;是否经过前人的修补,其修补的方式与应用的粘着剂为何物。
B、基底物“涂底”: 了解基底物“涂底”的颜色,基底物有无分离、浮起、龟裂、剥落或微生物等侵害现象。
C、绘画层:分析颜料使用的粘着剂;所涂绘画层的厚与薄;色调是属于明色、灰色还是暗色调;所用色技法是透明画法或不透明画法;笔触细腻或粗糙;绘画层是否龟裂,是局部还是全面龟裂,裂纹的深浅如何,是否开始产生剥落现象;颜色层表面是否出现水泡等。对这些因素的程度进行评诂和分析。
D、保护层:先辩别是否有涂保护层,是全面或局部,涂的次数、厚薄。仔细分辨透明颜色与凡尼斯层的颜色是否有病变坏或微生物的侵害。
三、实验室的诊断
A 紫外线照射:紫外线照射可以透视到保护层与绘画层内部,当这种紫外线光照射在作品表层时会呈现出蓝紫色的折射光,利用这种折射光,可以判断绘画层的化学反应,保护层的病变状况。
B、红外线:它的辐射原理如同X光线的辐射,只是它的辐射功能没有像X光线那么强烈,不过它的透视范围远超过紫外线照射,可以达到基底物的涂底层与素描层,因此可以提供修复师相当正确的资料。
四、拍照存档
艺术作品修复之前与修复之后,都有判若两画的感觉,所以在修复之前一定要先拍照片存档,做为日后比对的见证。此外,在修复的过程中时常需要作品照片的原貌作为辅助,来掌握整件作品的色彩、构图等重点。拍照的重点包括作品完整的正、背面,内、外框,再应用微距镜头以分割的方式做局部特写的拍照。

底基物衬托前的准备
一、新画布的准备
选用颗粒细腻、均匀的上等麻布,把画布绷在比原画布每边大10-20公分的画框上。绷布时一定要保持距离相等的直线,这样绷画布不会造成力量的不平衡。而后用水喷湿画布,待画布干了以后,用手在画布上磨搓,画布再绷紧。如此反复进行三到四遍,才不会产生新旧画布的不协调,并增加附着力。

中国油画成“原始股”

中国油画成“原始股”

如果手头有100万元的闲钱,你会把它投资到哪个领域呢?对顺德的中年企业家林先生(化名)而言,最佳去处莫过于中国油画市场。从三年前开始,他前后花费超过百万元收藏了一批中国油画,按照现在的市场估价,这批油画的价格已经上涨了三到五倍。像林先生这样有意识收藏油画的人士,目前在顺德正逐年增多。事实上,中国油画正以其收藏风险低、升值空间大等特点,在近两年来一跃成为艺术品收藏中的新热点,有人更称其为收藏市场中的“原始股”。

  20幅油画年年在升值

  和专业的收藏人士不同,林先生收藏油画,最初的目的只是作装饰之用。作为一名成功的企业家,他希望给自己和家人提供优质的生活,所以在几年前就毫不犹豫地买下了一幢价值数百万元的别墅。该别墅采用了欧式建筑风格,在选择装饰品时,林先生首先就看中了具有西洋风格的油画。房子本身价值较高,一般几百元的行货油画摆在房里显然难以相称,在熟悉油画市场的朋友的建议下,林先生最后花重金买了数幅较有名气的油画作品来装饰自己的豪宅。

  对于这些贵价油画,不要以为林先生只是贪其贵可以衬得起豪宅,实际上林先生自有打算。“一方面可以装饰房子,挂在家里,每天欣赏一番也很开心;另一方面也算是一条投资途径吧。”原来他看中的是油画的升值潜力。有熟悉油画市场的朋友告诉他,油画在近年行情看涨,不妨趁其价格尚低时购入,将来必定有所回报。事实证明,林先生及其朋友的选择是正确的———按现在的市场行情估价,林先生在这三年里收藏的20幅作品价格均有三到五倍的升幅!

  拍卖场热捧中国油画

  顺德致尚美术馆的负责人陈子雄先生告诉记者,虽然没有中国画那样有较广泛的收藏基础,但油画收藏在这两年来却是异军突起,在某些拍卖会上其风头甚至盖过了中国画。

  据了解,作为西洋的舶来品,油画在中国的发展历史不过百年左右。一直到1994年中国嘉德在国内推出首场油画拍卖会后,中国油画才开始有了二级市场。不过相对于水墨画等长时间占据艺术品市场主流的情形,中国油画市场一直都是不温不火,而到了这两年,其在拍卖市场上的价格却是频频走高。

  有数据显示,从2002年开始,嘉德油画专场的拍卖成交额每年都增长近一倍。而从拍卖市场来看,除了嘉德、荣宝、华辰等拍卖巨头较早辟出油画专场外,随着油画行情看涨,从去年年底开始,北京翰海、上海朵云轩乃至上海、广州等地的一些拍卖公司也陆续开设了油画拍卖专场。2004年,各拍卖行油画拍卖总成交额高达2.4亿元。最令油画界人士振奋的是,在今年5月29日,香港佳士得“20世纪中国艺术及亚洲当代艺术”专场拍卖会上,画坛巨匠赵无极的《1985年6月至10月作》更是以1804万港元高价成交,一举创下了中国油画拍卖世界纪录,可说是中国油画在拍卖市场全线飘红的一个标志。

  油画成收藏市场“原始股”

  中国油画在这两年成为市场热点,究其原因,收藏人士林先生说,主要和其市场价格低、赝品少而收藏风险低等特点有关,有人认为其堪称艺术品收藏市场的“原始股”。从国际市场来看,油画在拍卖市场上的价格都较高,比如在纽约索斯比拍卖行去年5月5日举行的印象派和现代派绘画春季拍卖会首场拍卖中,毕加索的油画《拿烟斗的男孩》以1.416亿美元的天价售出,一举刷新绘画作品拍卖的世界纪录,成为世界上最昂贵的绘画作品。

  与欧美油画相比,中国油画在市场的价格与其还有很大差距。据悉,同样名气的中国画家和欧美画家,他们作品的价格会有20多倍的差距。有业内人士认为,中国油画中不少作品从其艺术手法来说,已经达到了国际大牌艺术家的功力,但它们的价位远没有达到国际上的高度。随着人们收入增加、精神需求增长以及中国艺术品价值和国际渐渐接轨,可以预见这些油画在未来的升值潜力极大。

  另外,和赝品多多扰人视野的中国画市场相比,油画的赝品数量还算少数。顺德致尚美术馆的陈子雄表示,油画的入门门槛较高,其技法较为复杂,学油画者往往需要学色彩、透视等等,要创作一幅好的油画作品,没有一定水平的人是难以做到的。如果仿制名家油画,要比仿制中国画成本高,而且名家个人风格强烈,较难模仿;另外油画名家大都在世,仿制品容易识别……这些都使得油画市场赝品较少,收藏风险也因此较低。

  随着欧美装饰风格在国内的流行,油画已经逐渐为国内百姓所了解,他们对于油画的需求也将会逐年增长。陈子雄认为,在这些需求的刺激下,油画的价格肯定还会有所增长。

中国油画身价升高 何处购买值得研究

中国油画身价升高 何处购买值得研究

日前,有关中国油画属于暴利产品的声音开始出现。对此,作为油画一级市场的画廊老板们并不否认,但他们表示,这一产品开始被冠以“暴利”名称仅是近几年的事情。对于油画的消费者们来说,尽管暴利,但是选择也要具备眼光,这好比选择一只股票一样,也应对其业绩等因素进行考虑。
  
  再者,在什么地方购买也是投资前值得研究的问题。
  
  中国油画:身价陡然升高
  
  对于中国油画的今天来说,市场价位已经到了一个高度。“只能说是中国油画的价值得到更多人认可了,其价位也是对其价值的合理反映。”一位画廊老板表示,油画市场好转的时间不长,不过四、五年时间,而此前中国油画的身价普遍不高。比较好的油画作品甚至著名油画家的作品价格也不太高,更提不到和国际市场价格进行接轨。
  
  过去一幅画几千元、几万元,而现在一些好的油画至少得十万以上,更好一些的价格超过几十万、百余万,这是以前不敢想的。画廊界及拍卖界的人士在两三年前(当时中国书画的市场开始火热)普遍认为:中国油画价格太低,已经低到了不能体现其价值的可怜地步,迟早会升值的。
  
  当初的想法从去年开始至今年得到初步体现,中国油画也突破了超过千万元的作品,除了在香港拍卖的,在内地市场也有出现,比如在翰海拍卖公司推出的徐悲鸿的《愚公移山》则超过了3000万元。
  
  除了大名头画家作品升值之外,一些具有一定功底的当代油画家身价也水涨船高,而那些未毕业的学生也被一些画廊盯上,计划对其包装。而为了提高知名度,一些有点积蓄的画家开始筹办自己的个展、参加各类展览,凭此抬高自己,即使未获奖也能赚取一定人气。
  
  画廊老板:升值幅度每年10%
  
  对于油画的价格,一位油画店老板说,每年的涨价幅度可达10%,这还是保守一点的说法。比如一幅画1万买的,第二年可卖1.1万元。但这一幅度仅限于有些名气的画家,那些大画家的升值幅度远不止10%,诸如吴冠中、陈逸飞等大名头画家的有些代表作的升值幅度达100%以上。
  
  投资油画,也需要注意一点:即不是所有的油画都会涨,也不是所有的都会达到10%。有画廊老板说,投资油画需要在专业人士的指导下进行,比如作者在圈内的影响力、每年参赛作品及获奖情况,这些都是影响作品价值涨幅的因素。对于画廊来说,每年都会格外关注圈内比较活跃的画家的动向,包括其获奖作品的背景资料。这也是包装画家的前提基本条件。
  
  因为画廊属于一级市场,画廊的目的是盈利,因此那些水平较低的作品很难卖出,尤其是那些名气较大的画廊更重视货源的质量,所以它们不会长期销售一些明显的低劣货。首席记者杨玉峰
  
  投资提示
  
  购买油画选择拍卖行还是画廊?
  
  除了从画家手中购买外,一般购买油画的途径为两条,一是从画廊(画店)购买,其二是从拍卖会上竞拍。但是对于买家来说,到底选择哪种方式比较合适呢?业内人士表示,这没有一个具体的答案,得看具体问题分析。画廊销售方式为减价式,即买卖双方可以根据定价商量价格,即砍价。而拍卖公司则为加价式,对同一幅作品,竞争者相互竞争,最后价高者得。
  
  虽然拍卖公司不是油画的一级市场,但是可以见到许多回流的重头作品。而画廊的作品则以普通作品居多,不过画廊可以对买家有所指导,包括对市场前景的分析等等。此外,拍卖公司不对拍品真假提供保证,而画廊则应保证真假,这也是买家投资前应该重视的前提条件。

中国油画 步步走高

中国油画 步步走高

2005年11月5日,陈衍宁《毛主席视察广东农村》以1012万元成交;
2005年11月6日,徐悲鸿《珍妮小姐画像》以2200万元成交;

  2006年4月8日,常玉《花中君子》2980万元成交

  刚刚结束的香港苏富比艺术品拍卖连创新纪录,旅法华人艺术家常玉绘于上世纪40年代的作品《花中君子》,被一位亚洲私人收藏家以2812万港元成交价竞得,创下中国油画拍卖最高纪录。

 虽然大家都认为,今年中国油画市场将继续去年的上涨行情,成为市场追捧的新热点,但此次香港苏富比春拍中油画还是给了人们意外的惊喜。

  “这是意想不到的喜悦!创造了中国油画拍卖的世界纪录!”苏富比亚洲地区执行总裁司徒河伟惊叹道。据悉,这幅油画此前估价为500万至700万港元。

  同时,多位油画家的个人作品拍价纪录也被刷新,林风眠的《荷塘》以740万港元成交,刘野的《烟》以370万港元成交,颜文梁《万里长城》以258万港元成交,三笔交易均创下三位画家作品拍价新高。

  中国油画在拍卖中表现出了“笑傲江湖”式的英雄气概。

  该到中国油画起来的时候了

  洪平涛,大陆油画界的领军人物之一。原为保利上海拍卖公司执行总经理,曾在去年创下上海油画拍卖业辉煌的业绩,其一家的成交额占整个上海油画市场的半壁江山。

  谈起油画的兴起,洪平涛是最有发言权的,他悠悠地说:“我早在前两年就算准了中国油画要起来了。”因此,他和他的团队在两年之内把保利上海打造成了沪上最大的油画拍卖公司,掀起了大陆油画热潮。今年,出人意料,他转身一变为西泠印社拍卖有限公司油画部经理。

  谈油画市场,洪平涛认为,这两年油画的兴起有其必然性。

  油画市场兴起的大前提自然是中国经济的持续发展,中西文化日益交融,中产阶层逐渐增多的结果。在台湾从事过30年画廊生意,见识了台湾艺术品市场从国画热转到油画热的过程,洪平涛自然会早早地在大陆国画热潮中嗅出油画将热的味道。

  去年下半年开始,中国国画市场目前已进入一个相对平静的整合期,几年的热涨已使进入的门槛越来越高,一些积累的问题也就凸现出来。比如作品的真伪、价格的炒作等等。正是在此背景下,油画由于资金的需求量较小,易于进入,成为了一个新兴的投资领域。

  另外,随着中国经济的不断发展,新兴的产业阶层与白领阶层日益崛起,社会审美风尚发生改换。由于这个阶层无论在资金能力、文化水准、审美趣味上,都乐于接受充满新意、具有挑战性的当代艺术,他们的年龄与知识背景决定着他们与中国当代艺术的亲和力。所以体现时代气息、色彩丰富、充满节奏感的油画逐渐成为这一阶层的需求对象。

  还有一个因素是中国油画艺术体系的自身发展。油画从海外传入到今天只有短短的一百多年历史,但油画发展的脉络与中国社会政治经济文化发展的脉络息息相关,每一代的油画家、油画作品都有其拥戴者,都有广泛的市场基础。

  洪平涛还特别提到,浙江的油画家的作品还没有很好的挖掘,还有升值的空间,且浙江的油画藏家也有很高的鉴赏水准和收藏实力,所以,浙江油画家与收藏家的交流还需要大大加强。这,也许是他来杭的原因之一吧。

  知名油画家作品增值200%以上

  当代中国油画收藏家唐大堤曾表示,艺术品市场的周期一般是28年,而他仅用5年时间就完成了这一收藏获利的周期。尤其是在2003年到2005年的短短三年间,中国的油画市场更像一匹脱缰的野马,在一片本已红火的艺术品市场上,冲撞出最为绚丽的新天地,出现了令人惊叹的“井喷”现象。据统计,在最近的这三年里,大部分的中国知名油画家的作品其市场增值达到200%以上,其中林风眠、罗中立、吴冠中、王沂东等人的作品的增幅更是达到了惊人的400%至500%。

  面对这样的狂涨,业内人士也提醒说,大量短期的炒作相伴的是对泡沫的担忧。洪平涛说,他希望油画市场能够慢慢稳步地往高走,让更多的人参与进来,这样的市场才会健康。“艺术市场不要弄得这么紧张。有的人一有钱动作就很夸张,吓人一跳。”

  延伸提示

  四类油画家值得关注

  在中国油画市场上,最活跃的中国油画家主要有四个群体,他们作品的价位之高、增值幅度之大,成为中国油画市场蓬勃向上的象征。

  第一、以徐悲鸿、林风眠、常玉、刘海杰等为代表的早期油画家。他们是中国油画艺术的奠基者,在中国现代美术史中拥有崇高的地位,他们的作品历经战乱,存世不多,具有很高的艺术价值和文物价值。

  第二,以赵无极、朱德群、吴冠中等为代表的画家,他们在前辈的基础上融合东西文化精髓,以独到的艺术表达方式开创出充满东方精神的现代艺术视觉空间。他们在艺术道路上已经取得辉煌,属于功成名就的巅峰人物。

  第三、以陈逸飞、靳尚谊、陈丹青等为代表的学院派画家。他们的古典主义倾向写实画风,最早为市场所接受,拥有广泛而稳定的市场基础。作为中国油画市场上的重量级人物,他们的作品单幅价格均已超过百万。

  第四,以张晓刚、方力钧、王广义为代表的当代画家,他们是目前中国最具活力的群体,他们思维活跃,注重个人风格,受到喜爱先锋类艺术收藏家的追捧和西方艺术市场的推崇。